Las mejores películas basadas en hechos reales
La nota "basada en hechos reales" funciona en el cine como una especie de contrato: el espectador se sienta sabiendo que lo que ve en la pantalla ocurrió de verdad en algún lugar, en algún momento, y su relación con la historia cambia de raíz. Las casualidades, las traiciones y los triunfos que ni el guionista de ficción más ingenioso podría inventar ya están escritos en el archivo de la vida real. En esta lista hemos reunido las obras más poderosas del cine surgidas de historias reales bajo cinco títulos temáticos. Para facilitar la lectura hemos utilizado una agrupación que va del fraude y los escándalos financieros a las luchas periodísticas, y de las vidas de científicos a las leyendas del deporte y la música. Historias reales como La lista de Schindler, El pianista, 127 horas, Capitán Phillips y La sociedad de la nieve, que aparecen en nuestras listas de películas de supervivencia y de películas dramáticas, las hemos dejado fuera de esta para evitar repeticiones; te recomendamos encarecidamente que también veas aquellas listas.
Estafadores, dinero y escándalos
1. Atrápame si puedes (2002)
8.0/10 2002 17216Dirigida por Steven Spielberg, la película se adaptó de la autobiografía basada en sus propias afirmaciones de Frank Abagnale Jr., quien antes de cumplir los 19 años asumió las identidades de piloto, médico y abogado y cobró cheques falsos por valor de millones de dólares. Frente a la interpretación de Leonardo DiCaprio, que carga a la vez carisma y vulnerabilidad, el juego del gato y el ratón con el agente del FBI Carl Hanratty, interpretado por Tom Hanks, forma la columna narrativa de la película. Spielberg unió un tema oscuro como el fraude con la estética de tonos pastel y aires de jazz de los años sesenta, creando uno de los ejemplos más elegantes del género; la banda sonora de John Williams, nominada a un premio, es parte inseparable de esa atmósfera. Christopher Walken, que interpreta al padre de Frank, recibió una nominación al Óscar como mejor actor de reparto por su actuación. En el corazón de la película hay algo más que una historia criminal: el intento de un niño de una familia rota de reconstruir su vida perdida con identidades falsas. Aunque años después surgieron afirmaciones de que parte del relato de Abagnale era exagerada, eso no disminuye el valor de la película; incluso abre la puerta al comentario: "Quizá el mayor truco de un maestro estafador fue su propia historia."
2. El lobo de Wall Street (2013)
8.0/10 2013 26078Dirigida por Martin Scorsese, la película se adaptó, con guion de Terence Winter, de las memorias del corredor de bolsa Jordan Belfort, que en los años noventa estafó a los inversores a través de su firma de corretaje e hizo una fortuna. Leonardo DiCaprio ofrece una de las actuaciones más desenfrenadas de su carrera y carga durante tres horas el ascenso y la decadencia moral de Belfort con una energía hipnótica; su comedia física en la famosa escena de las drogas podría convertirse por sí sola en una lección de interpretación. El socio Donnie interpretado por Jonah Hill, un papel nominado al Óscar, y la figura de Naomi de la entonces emergente Margot Robbie, que impulsó su carrera, son los otros eslabones fuertes del reparto. Scorsese asume deliberadamente el riesgo de usar el lenguaje del exceso para criticar el exceso: en lugar de condenar el mundo de Belfort, la película expone al espectador a la seducción de ese mundo y, precisamente por ello, plantea la pregunta incómoda. Nominada a cinco Óscar, la película mantiene su lugar como una de las películas más enérgicas y controvertidas sobre la codicia del mundo financiero. El verdadero Belfort aparece en un breve papel en la parte inicial de la película.
3. La red social (2010)
7.4/10 2010 13243Dirigida por David Fincher, la película —cuyo guion, adaptado por Aaron Sorkin del libro de Ben Mezrich, ganó un Óscar— trata sobre la fundación de Facebook y los juicios que la acompañaron. El Mark Zuckerberg interpretado por Jesse Eisenberg se convierte en uno de los retratos más complejos del cine de una figura real: un genio socialmente torpe pero de ambición ilimitada; Andrew Garfield como el cofundador traicionado Eduardo Saverin y Justin Timberlake como el fundador de Napster Sean Parker representan los polos emocionales y morales de la narración. Los diálogos a ritmo de ametralladora de Sorkin, sobre todo la escena de la cafetería de nueve minutos al principio, se convirtieron en material didáctico en el campo del guion. La banda sonora electrónica, ganadora del Óscar, de Trent Reznor y Atticus Ross presta a la historia una modernidad fría e inquietante. En 2010, en su estreno, la película se vio como una historia de fundación; hoy se relee como un documento casi profético de una era en la que las redes sociales transformaron el mundo. La frase "¿Cómo pierde a su único amigo el director ejecutivo más joven de una empresa de 300 millones de dólares?" resume la película con acierto.
4. La gran apuesta (2015)
7.4/10 2015 9895Dirigida por Adam McKay, la película se adaptó del libro homónimo de Michael Lewis y narra la crisis financiera mundial de 2008; más exactamente, la historia de un puñado de inversores que vieron venir la crisis antes que nadie. El gestor de fondos Michael Burry, interpretado por Christian Bale, con un ojo de cristal y escuchando heavy metal mientras trabaja, es el primero en advertir la prueba matemática del colapso del mercado inmobiliario; el nunca menguante y furioso Mark Baum interpretado por Steve Carell y el banquero-narrador que habla directamente a la cámara, interpretado por Ryan Gosling, son las otras actuaciones fuertes del reparto. La decisión más audaz de McKay es el uso de inserciones en las que invitados famosos —como Margot Robbie, que explica términos financieros en una bañera llena de espuma— explican directamente al espectador conceptos técnicos disuasorios como los derivados de crédito; este método genera humor y hace accesible la película en cuanto a educación financiera. Galardonada con el Óscar al mejor guion adaptado, la obra avanza al ritmo de la comedia, pero deja al espectador a solas con una verdad pesada en el desenlace: nadie fue a la cárcel y la factura se le presentó a la gente corriente. Una de esas raras películas que enfadan pero que educan mientras enfadan.
5. El fundador (2016)
7.1/10 2016 5421Dirigida por John Lee Hancock, la película cuenta la historia de Ray Kroc, que convirtió McDonald's en un imperio global pero no fue la persona que fundó la marca. En 1954, el Kroc de 52 años, que vende batidoras de cocina, se encuentra en California con el revolucionario sistema de servicio rápido de los hermanos McDonald y reconoce el potencial de este invento mucho más claramente que los propios hermanos. Michael Keaton retrata la transformación de Kroc de un oportunista simpático a un despiadado constructor de imperios con una actuación magistral que pone a prueba la lealtad del espectador paso a paso; que Nick Offerman y John Carroll Lynch interpreten a los hermanos, los verdaderos inventores del sistema, dota a la película de calidez y de tragedia a la vez. La película muestra la cara pocas veces contada del sueño americano: a veces el ganador no es el que inventa, sino el que tiene la osadía de apropiarse del invento. La frase "Los contratos son como los corazones: están hechos para romperse" resume la ética empresarial de Kroc. Para todos los que encuentran inspiradoras las historias de emprendedores, un visionado incómodo y, justo por eso, imprescindible.
6. Uno de los nuestros (1990)
8.5/10 1990 14477Adaptada por Martin Scorsese del libro "Wiseguy" del periodista Nicholas Pileggi, la película trata sobre la vida real de Henry Hill, que entre 1955 y 1980 creció en la mafia, ascendió y al final lo perdió todo. Frente al Henry sostenido en voz en off por Ray Liotta están el Jimmy Conway de sangre fría de Robert De Niro y el Tommy DeVito siempre a punto de estallar de Joe Pesci. Pesci ganó el Óscar al mejor actor de reparto con esta actuación, identificada con la escena "¿Cómo que gracioso?", y se sabe que aquella famosa escena fue en gran parte improvisada. El plano-secuencia ininterrumpido de Scorsese que sigue a los personajes por la entrada trasera hasta el interior del club Copacabana está entre las escenas más analizadas de la historia del cine. La película cuenta la vida mafiosa no con la gravedad operística de El padrino, sino con una cotidianidad seductora y, precisamente por ello, aterradora. La obra, cuyo nombre aparece sin excepción en todas las listas cuando se debaten las obras maestras del cine criminal, es una de las pruebas más contundentes de que una vida real puede ser más asombrosa que cualquier ficción.
7. Molly's Game (2017)
7.2/10 2017 4040La película, en la que el maestro del guion Aaron Sorkin se sentó por primera vez en la silla de director, se adaptó de las memorias de Molly Bloom, quien, tras una lesión como promesa olímpica del esquí, se convirtió en la organizadora de partidas ilegales de póquer a las que acudían élites de Hollywood y de Wall Street. Jessica Chastain ofrece, en el centro de la película, lo que equivale a una demostración de poder con una actuación que carga a la vez la inteligencia, la ambición y los principios de Bloom; las escenas de despacho con Idris Elba en el papel de su abogado defensor son un ejemplo de cómo los diálogos de Sorkin se convierten en un duelo en manos de dos actores maestros. La tardía escena del ajuste de cuentas en la pista de hielo con el padre interpretado por Kevin Costner es el clímax emocional de la película. El guion de Sorkin, nominado al Óscar, posee una claridad narrativa que sienta a la mesa incluso a un espectador que no conoce en absoluto la terminología del póquer. La película extrae una lección inesperada de integridad de una historia que promete escándalo: que Molly se niegue a revelar los nombres de sus clientes al precio de perderlo todo eleva la historia de una glorificación del delito a un estudio de personaje.
8. Yo, Tonya (2017)
7.5/10 2017 6218Dirigida por Craig Gillespie, la película cuenta la historia de la patinadora artística Tonya Harding, cuyo nombre se vio arrastrado al escándalo por el ataque de 1994 a su rival Nancy Kerrigan, en formato de falso documental con testimonios contradictorios. Esta elección narrativa ofrece un marco astuto que cuestiona el propio concepto de "historia real". Margot Robbie, que también ejerce de productora, encarna la rabia, el talento y la nunca saciada hambre de reconocimiento de Harding con una valentía nominada al Óscar; en gran parte de las escenas sobre el hielo, meses de entrenamiento en patinaje dan sus frutos. Pero quizá el personaje más inolvidable de la película es la madre LaVona, interpretada por Allison Janney con un loro al hombro y un cigarrillo en la mano, que ha mezclado su amor con crueldad; por ello Janney ganó el Óscar a la mejor actriz de reparto. La película no intenta blanquear a una figura declarada "mala mujer" por los medios; en su lugar, muestra cómo la pobreza, el maltrato y el prejuicio de clase moldearon el destino de una deportista. Con su magistral equilibrio entre la comedia negra y la tragedia, y con una estructura que rompe los patrones del biopic, la obra es uno de los ejemplos más singulares del género en los últimos tiempos.
Periodismo y lucha por la justicia
9. Spotlight (2015)
7.8/10 2015 8830Dirigida por Tom McCarthy y galardonada con el Óscar a la mejor película, la obra trata sobre la investigación premiada con el Pulitzer de 2001-2002 del equipo de investigación "Spotlight" del Boston Globe, que destapó el abuso sistemático dentro de la Iglesia católica y su encubrimiento institucional. El reparto de Michael Keaton, Mark Ruffalo, Rachel McAdams y Liev Schreiber actúa con una comprensión contenida de la interpretación que no sirve a los lucimientos de las estrellas, sino al trabajo en equipo mismo, y esta elección coincide exactamente con la esencia del periodismo mostrado en la película. Sobre un tema que se presta muy fácilmente al sensacionalismo, McCarthy mantiene su cámara constantemente contenida; en lugar de estallidos musicales dramáticos o momentos heroicos, muestra el trabajo metódico de periodistas que van de puerta en puerta, peinan archivos y son tenaces al teléfono. El único estallido de ira de Ruffalo resulta demoledor precisamente porque llega en medio de esta calma. La película, que también ganó el Óscar al mejor guion original, hunde al espectador en un silencio profundo con la lista de escándalos que corre antes de los créditos finales. El manifiesto moderno más contundente sobre la importancia del periodismo de investigación.
10. Erin Brockovich (2000)
7.4/10 2000 3673Dirigida por Steven Soderbergh, la película es la historia real de una madre soltera desempleada, con tres hijos y sin formación jurídica, que descubre que la compañía energética PG&E está envenenando el agua potable de un pequeño pueblo y encabeza uno de los mayores juicios por daños de la historia estadounidense. Julia Roberts ganó el Óscar a la mejor actriz con este papel, considerado un punto de inflexión en su carrera; la ropa atrevida de Brockovich, su lengua afilada y su actitud de no dar un paso atrás se combinaron con la identidad de estrella de Roberts para crear una figura cinematográfica inolvidable. Albert Finney, como el abogado gruñón Ed Masry que la contrata, convierte los duelos verbales de la pareja en una de las venas más disfrutables de la película. La dirección sencilla y centrada en el personaje de Soderbergh impide que la historia resbale hacia una narración heroica y la mantiene como una historia de lucha con los pies en la tierra. Que la verdadera Erin Brockovich aparezca en la película en un pequeño papel —y, nada menos, como camarera llamada "Julia"— es uno de los detalles elegantes de la obra. Una historia sobre ser la voz de aquellos a quienes el sistema pasa por alto, que extrae su fuerza de su veracidad.
11. Todos los hombres del presidente (1976)
7.7/10 1976 2096Dirigida por Alan J. Pakula, la película llevó a la pantalla las investigaciones de los reporteros del Washington Post Bob Woodward y Carl Bernstein, que destaparon el escándalo Watergate paso a paso y pusieron en marcha el proceso que llevó a la dimisión de un presidente, cuando solo habían pasado dos años desde los hechos. Los encuentros de la pareja interpretada por Robert Redford y Dustin Hoffman con la fuente secreta "Garganta Profunda" en oscuros aparcamientos están entre las escenas grabadas a fuego en la memoria del suspense del cine; Jason Robards, que interpreta al legendario redactor jefe Ben Bradlee, ganó el Óscar al mejor actor de reparto con este papel. La frase "Sigue el dinero", que el guion ganador del Óscar de William Goldman añadió a la película, se convirtió —aunque en realidad nunca se dijo— en la consigna universal del periodismo de investigación. El contraste visual que crea Pakula entre la luminosa redacción del periódico y el sombrío mundo exterior traduce el trabajo de la búsqueda de la verdad casi a un lenguaje arquitectónico. Pese a tener casi medio siglo, la película gana nueva actualidad en cada periodo en que se encienden los debates sobre la libertad de prensa; la cima aún no superada de su género.
12. Zodiac (2007)
7.5/10 2007 11634Dirigida por David Fincher, la película narra el reinado de terror del asesino del Zodíaco, que aterrorizó San Francisco a finales de los años sesenta, cuya identidad aún nunca se ha podido establecer oficialmente y que operaba con cartas cifradas, a partir de un guion adaptado de los libros del dibujante Robert Graysmith. La investigación amateur convertida en obsesión del Graysmith interpretado por Jake Gyllenhaal, junto con el detective de Mark Ruffalo y el reportero de sucesos empujado al hundimiento interpretado por Robert Downey Jr., traza tres retratos separados de la destrucción que provoca el callejón sin salida dentro de la psique humana. Fincher, conocido por su meticulosidad en cuanto a la exactitud histórica, reconstruyó los lugares de los hechos y la atmósfera de la época con precisión documental; que algunas escenas se rodaran decenas de veces está entre las leyendas del proceso de producción. La película rechaza deliberadamente los habituales mecanismos de satisfacción del género del asesino en serie: aquí no hay asesino capturado ni caso resuelto; solo personas que consumen su vida persiguiendo la verdad. Precisamente por esta elección, Zodiac —aunque no recibiera la atención que merecía en su primer estreno— llegó con los años a ser reconocida como una de las cimas de la filmografía de Fincher.
13. Argo (2012)
7.3/10 2012 9005La película, en la que Ben Affleck tanto dirigió como asumió el papel principal, cuenta la historia real de cómo seis diplomáticos estadounidenses que escaparon del asalto a la embajada de EE. UU. en Teherán durante la Revolución iraní de 1979 y se refugiaron en la casa del embajador canadiense fueron sacados clandestinamente del país con un plan increíble: el agente de la CIA Tony Mendez propone sacar a los diplomáticos como el equipo canadiense de una película de ciencia ficción que jamás se rodaría. El guion ganador del Óscar de Chris Terrio equilibra magistralmente la dosis de sátira de Hollywood y suspense de espionaje; la pareja de productores que monta la película falsa, interpretada por Alan Arkin —que recibió por ello una nominación al Óscar— y John Goodman, carga el peso cómico de la película con la frase "Argo fuck yourself". Affleck entrelaza imágenes de archivo de la época con sus propias escenas y dota a la obra de una textura documental; la secuencia final en el aeropuerto es un ejemplo de manual de cómo generar suspense a partir de una historia de desenlace conocido. La obra, galardonada con el Óscar a la mejor película, es la prueba de que la realidad es a veces más increíble que el guion más exagerado, y ese fue también el lema de la operación: "Es nuestra mejor mala idea."
14. Hotel Rwanda (2004)
7.7/10 2004 3189Dirigida por Terry George, la película cuenta la historia real del director de hotel Paul Rusesabagina, que durante el genocidio de Ruanda de 1994 convirtió el hotel de lujo que dirigía en un refugio y salvó la vida de más de 1.200 personas. Don Cheadle, en una actuación considerada la cima de su carrera y coronada con una nominación al Óscar, elabora con excepcional finura cómo Rusesabagina convierte su astucia diplomática, el soborno, la adulación y el farol en armas de supervivencia; Sophie Okonedo, que interpreta a su esposa, también recibió una nominación al Óscar ese mismo año. En lugar de mostrar directamente el genocidio en el que cientos de miles de personas perdieron la vida en cien días, la película prefiere hacer sentir el horror a través de los ecos que rebotan en las paredes del hotel, y esta contención multiplica el impacto en lugar de disminuirlo. El apartamiento de la comunidad internacional de la crisis constituye la línea de crítica más afilada de la película; el abandono resumido en las palabras "Sois africanos" de un oficial de la ONU deja al espectador una sensación de vergüenza persistente. Una de las películas en las que el cine cumple con más fuerza su deber de recordar y dar testimonio.
15. Infiltrado en el KKKlan (2018)
7.5/10 2018 8134Dirigida por Spike Lee, la película cuenta la historia —sí, realmente ocurrida— de Ron Stallworth, el primer detective negro de la policía de Colorado Springs en los años setenta, que logró infiltrarse en el Ku Klux Klan por teléfono. Mientras Stallworth mantiene las llamadas, su colega judío Flip, interpretado por Adam Driver, acude a los encuentros en persona; esta construcción absurda pero real dota a la película tanto de suspense como de un terreno de ironía afilada. La carismática actuación protagonista de John David Washington y la interpretación nominada al Óscar de Driver son los soportes de la narración de Lee, que funde la ira y el humor en el mismo crisol. Galardonada con el Gran Premio del Jurado en Cannes, la película también le trajo a Lee el primer Óscar competitivo de su carrera (mejor guion adaptado). La jugada más audaz del director llega en el desenlace: mientras la historia se cierra en los años setenta, la película la conecta con el presente mediante imágenes de archivo actuales y le lanza a la cara al espectador que el racismo no es un asunto histórico, sino una realidad vigente. Una obra que entretiene y perturba a la vez, que hace reír mientras pide cuentas.
Ciencia, genio e historia
16. Oppenheimer (2023)
8.0/10 2023 11954Adaptada por Christopher Nolan de la biografía ganadora del Pulitzer "American Prometheus" de Kai Bird y Martin J. Sherwin, la película une el ascenso del padre de la bomba atómica, J. Robert Oppenheimer, la prueba Trinity y su caída, que llega con la audiencia de seguridad de la posguerra, en una narración de tres horas. Cillian Murphy ganó el Óscar al mejor actor con su actuación, que carga el genio y el colapso moral del físico, mientras que Robert Downey Jr. también recibió el premio al mejor actor de reparto en el papel de Lewis Strauss; el enorme reparto, que incluye también a Emily Blunt, Matt Damon y Florence Pugh, ofrece una de las reuniones de actores más densas del cine moderno. Nolan plasmó la explosión Trinity sin efectos por ordenador, con métodos prácticos; la estructura en la que las secuencias en color representan la visión subjetiva de Oppenheimer y los tramos en blanco y negro la perspectiva de Strauss aporta una innovación estructural al género del biopic. Galardonada con 7 Óscar, entre ellos mejor película y mejor dirección, la obra también logró un éxito de taquilla sin precedentes para un biopic. El peso de la frase "Ahora me he convertido en la Muerte, el destructor de mundos" impregna cada fotograma de la película; la obra cinematográfica más completa sobre la responsabilidad moral de la ciencia.
17. Descifrando Enigma (2014)
8.0/10 2014 18164Dirigida por Morten Tyldum, la película adapta la historia del matemático Alan Turing, que descifró en la Segunda Guerra Mundial el sistema de cifrado Enigma de la Alemania nazi, de la exhaustiva biografía de Andrew Hodges con el guion ganador del Óscar de Graham Moore. Benedict Cumberbatch ofrece una actuación nominada al Óscar que desnuda capa por capa el genio, la inadaptación social y la profunda soledad de Turing, considerado el fundador de la informática moderna; Keira Knightley, en el papel de la única mujer del equipo, Joan Clarke, fue igualmente honrada con una nominación. Mientras la película cuenta la lucha por descifrar el código en Bletchley Park al ritmo de un thriller de inteligencia, reserva su verdadero golpe para el último tramo: Turing, a quien se le atribuye haber acortado la guerra y salvado millones de vidas, fue condenado por su homosexualidad, sentenciado a la castración química y perdió la vida a los 41 años. La disculpa oficial y el indulto real llegaron solo décadas después. La frase "A veces son precisamente las personas de quienes nadie espera nada las que hacen las cosas que nadie puede imaginar" es a la vez lema y legado de la película. Una biografía demoledora en la que una de las mayores deudas y una de las mayores injusticias de la historia de la ciencia se encuentran en una sola y misma vida.
18. La teoría del todo (2014)
7.8/10 2014 11159Dirigida por James Marsh, la película adapta la historia del físico Stephen Hawking de una fuente inusual —las memorias de su primera esposa Jane Hawking— y cuenta así la biografía de un genio, a la vez, como la historia de un matrimonio y de un sacrificio. Eddie Redmayne ganó el Óscar al mejor actor encarnando el progresivo aprisionamiento del brillante doctorando de Cambridge dentro de su propio cuerpo por la enfermedad de la motoneurona, con meses de preparación guiada por fisioterapia y un extraordinario control físico; que sostenga la progresión de la enfermedad de forma coherente pese al orden de rodaje no cronológico es uno de los aspectos más elogiados de la actuación. Felicity Jones, en el papel de Jane, da a la heroína invisible de la historia la profundidad que merece con su nominación al Óscar. Que la voz sintetizada que se oye en la película sea la voz real del científico, procedente de su propio dispositivo, es uno de los detalles más conmovedores de la obra. En lugar de apoyarse en un marco inspirador como "un hombre al que le pronosticaron dos minutos de vida explica el universo", la película muestra también con honestidad el coste humano a la sombra del genio. El elegante retrato de una vida en la que un hombre que investiga el tiempo vivió corriendo contra el tiempo.
19. Figuras ocultas (2016)
8.0/10 2016 10502Dirigida por Theodore Melfi y adaptada del libro de Margot Lee Shetterly, la película saca a la luz la historia de las tres matemáticas negras Katherine Johnson, Dorothy Vaughan y Mary Jackson, que desempeñaron un papel decisivo en la victoria de Estados Unidos en la carrera espacial pero durante mucho tiempo fueron pasadas por alto por la historia. La Katherine Johnson interpretada por Taraji P. Henson es la matemática genial que verifica a mano los cálculos orbitales del astronauta John Glenn; que Glenn dijera "que la chica compruebe los números" antes del lanzamiento y la pidiera expresamente es un momento realmente recogido por la historia. La Dorothy Vaughan nominada al Óscar de Octavia Spencer y la ardiente Mary Jackson de Janelle Monáe representan los tres frentes distintos de la lucha: el cálculo, la tecnología y el derecho. La película cuenta la mecánica cotidiana de la discriminación con más eficacia que los grandes discursos. Nominada a tres Óscar, entre ellos mejor película, la obra también superó las expectativas en taquilla y demostró qué gran eco público tienen estas historias. Un trabajo ejemplar en el que las páginas que faltan de la historia de la ciencia se completan con ayuda del cine.
20. First Man (2018)
7.0/10 2018 5695Adaptada por Damien Chazelle de la biografía oficial de James R. Hansen, la película aborda el camino de Neil Armstrong para convertirse en el primer humano en pisar la Luna desde una perspectiva vuelta hacia dentro que rechaza todos los patrones de la narración heroica. Ryan Gosling convierte el famoso hermetismo de Armstrong no en un obstáculo interpretativo, sino en el tema mismo de la película: esta es la historia de un padre que perdió a su hija pequeña y lleva su duelo hasta la Luna. La escena con la esposa Janet, interpretada por Claire Foy —"Diles que quizá no vuelvas con tus hijos"— resume por sí sola el coste del programa espacial en el frente doméstico. Chazelle construye las secuencias espaciales no con imágenes amplias y limpias, sino con planos temblorosos desde el interior de la cabina, con crujidos metálicos y sacudidas, y deja que el espectador sienta físicamente lo frágiles que eran en realidad aquellas cápsulas; con este enfoque la película ganó el Óscar a los mejores efectos visuales. La secuencia final en la superficie lunar ofrece, en lugar de la esperada celebración de la victoria, un momento de despedida sumamente personal que transcurre en absoluto silencio. Una de las películas más maduras de su género, que cuenta el duelo silencioso tras uno de los mayores logros de la historia.
21. El discurso del rey (2010)
7.7/10 2010 9351Dirigida por Tom Hooper y galardonada con 4 Óscar, entre ellos mejor película, la obra cuenta la lucha del rey Jorge VI, que inesperadamente se convierte en rey por la abdicación de su hermano, con su grave tartamudez, y la amistad que traba con el poco convencional logopeda Lionel Logue. Colin Firth encarna la dificultad del habla que convierte cada aparición pública del rey en una tortura, y las heridas de infancia que hay debajo, con una actuación delicada que le valió el Óscar al mejor actor; la relación que derriba los muros de clase entre él y el terapeuta australiano sin diploma pero de métodos inquebrantables, interpretado por Geoffrey Rush, es el corazón palpitante de la película. Que el guionista David Seidler hubiera tartamudeado él mismo en la infancia y esperara a escribir esta historia hasta la muerte de la Reina Madre presta al proyecto una dedicación personal de décadas. Seidler tenía 73 años cuando recibió su Óscar. El discurso radiofónico que ha de dirigirse a millones con la declaración de la Segunda Guerra Mundial ofrece un desenlace magistral que aprieta toda la tensión de la película en una sola sala y un solo micrófono. Un elegante drama histórico que nos recuerda que el valor no siempre hay que buscarlo en el frente.
22. Hasta el último hombre (2016)
8.2/10 2016 14965Dirigida por Mel Gibson, la película cuenta la historia real de Desmond Doss, que en la Segunda Guerra Mundial —pese a su negativa por motivos de fe a empuñar un arma— se alistó en el ejército como sanitario y, en la batalla de Hacksaw Ridge en Okinawa, cargó él solo a 75 soldados heridos desde la primera línea. Doss pasó a la historia como el primer objetor de conciencia en recibir la Medalla de Honor sin usar un arma. Andrew Garfield ofrece una actuación nominada al Óscar que une la dulzura y la voluntad de hierro de Doss en un solo y mismo cuerpo. La película se compone de lo que parecen dos obras distintas: la primera mitad es una ingenua historia de amor en Virginia y una lucha de principios que llega hasta un consejo de guerra; la segunda mitad es una de las secuencias de batalla más demoledoras del cine bélico. Gibson muestra el horror del frente sin adornos y a la vez convierte cada rescate de Doss, que se mueve desarmado en medio de esta violencia con la oración "Señor, uno más", en lo que equivale a una resistencia espiritual. Galardonada con dos Óscar en las categorías de montaje y mezcla de sonido, la obra ofrece una de las definiciones más extraordinarias del valor: ser un héroe negándose a matar.
23. Dallas Buyers Club (2013)
7.9/10 2013 9124Dirigida por Jean-Marc Vallée, la película es la historia real del electricista y jinete de rodeo tejano Ron Woodroof, a quien en 1985 le diagnosticaron sida y le dieron 30 días de vida, y que con un "club de socios" —para el que conseguía del extranjero medicamentos no aprobados en EE. UU.— tanto prolongó su propia vida durante años como luchó contra el sistema. Matthew McConaughey ganó el Óscar al mejor actor con la transformación física por la que perdió más de 20 kilos y el recorrido del personaje en el que se despoja, paso a paso, de los prejuicios de un provinciano homófobo; Jared Leto, que interpreta a la mujer trans y socia comercial Rayon, también recibió el Óscar al mejor actor de reparto. Rodada en solo 25 días y con un presupuesto sumamente ajustado —que el presupuesto de maquillaje fuera de solo 250 dólares y aun así la película ganara el Óscar en esa misma categoría está entre las anécdotas famosas de la historia de la producción—, la película se convirtió en la prueba de que el cine independiente puede lograr lo imposible. La narración sin intervenciones de Vallée, realizada en gran parte con cámara en mano, mantiene la historia dura y honesta sin resbalar hacia el sentimentalismo. Una obra que conserva su actualidad en cada periodo en que la voluntad de vivir choca con la burocracia.
Historias reales de la historia del deporte
24. Moneyball: Rompiendo las reglas (2011)
7.3/10 2011 5832Dirigida por Bennett Miller, la película se llevó a la pantalla desde el libro revolucionario de Michael Lewis con la adaptación conjunta de dos grandes del guion como Aaron Sorkin y Steven Zaillian. La historia cuenta cómo Billy Beane, el gerente general de los Oakland Athletics —cuyo presupuesto en la temporada 2002 era solo un tercio del de los clubes ricos—, descartó en la selección de jugadores la tradición establecida de los ojeadores y se volcó en el análisis estadístico, y con esta decisión sacudió las reglas centenarias del béisbol. Brad Pitt ofrece una actuación madura y nominada al Óscar que carga la ambición y las heridas de Beane, cuya propia carrera como jugador terminó en fiasco; mientras que Jonah Hill, en el papel del licenciado en economía y analista Peter Brand, recibió su primera nominación al Óscar con este papel en el que demostró su capacidad dramática. La película invierte con astucia las plantillas del cine deportivo: los momentos de victoria no se viven en el campo, sino en las llamadas para intercambiar jugadores y ante las tablas de datos. La histórica racha de 20 victorias seguidas de los Athletics aporta con creces el contrapeso emocional a esta narración intelectual. Más allá del deporte, la película de una lucha contra todos los que dicen "siempre se ha hecho así".
25. Le Mans '66 (2019)
8.0/10 2019 9074Dirigida por James Mangold, la película aborda el legendario proyecto que Ford lanzó en los años sesenta para vencer a Ferrari —que no cedería su supremacía a nadie— en las 24 Horas de Le Mans. La sociedad entre el diseñador Carroll Shelby, interpretado por Matt Damon, y el gruñón pero genial piloto de pruebas Ken Miles, interpretado por Christian Bale —y sus peleas a veces literalmente a puñetazos—, funciona como el motor de la película; Bale cosechó grandes elogios de la crítica con su actuación, que une el acento británico de Miles, su devoción por la familia y su genio al volante. Mangold prefirió rodar las secuencias de carreras con vehículos reales y velocidad real en lugar de ahogarlas en efectos por ordenador; los tramos nocturnos y lluviosos del Le Mans de 1966 se cuentan entre los momentos cumbre del cine del motor. Pero el verdadero conflicto de la película no está en la pista, sino en los pasillos corporativos: la pelea entre la pasión de la ingeniería y el ego de la empresa culmina, con la polémica decisión del final fotográfico en el desenlace, en una realidad amarga. Galardonada con dos Óscar en las categorías de montaje y montaje de sonido, la obra es una demostración de maestría que sujeta al asiento durante dos horas y media incluso a quienes no entienden nada del ruido de los motores.
26. Rush (2013)
7.7/10 2013 7887Dirigida por Ron Howard, la película cuenta una de las mayores rivalidades de la historia de la Fórmula 1 —la batalla por el campeonato en la temporada de 1976 entre el carismático británico James Hunt y el metódico austriaco Niki Lauda— con el afilado guion de Peter Morgan. Chris Hemsworth carga el estilo de vida temerario y el carisma natural de Hunt; Daniel Brühl recibió nominaciones al Globo de Oro y al BAFTA con su actuación, en la que encarna el audaz cálculo y la disciplina sin concesiones de Lauda. El eje de la película es el terrible accidente de Lauda en Nürburgring, que le dejó el rostro marcado de por vida; que el piloto, pese al horror del tratamiento de sus quemaduras, volviera al volante tras solo 42 días marca la película como uno de los regresos más extraordinarios de la historia del deporte. En lugar de encajar a los dos pilotos en la plantilla de héroe-rival, Howard los trata como dos filosofías de vida opuestas que se condicionan mutuamente; la conversación en el hangar del desenlace es un elegante resumen de esta enemistad respetuosa. La película, que equilibra con igual maestría la fisicidad de las escenas de carreras y la profundidad de los personajes, se considera una de las mejores obras jamás hechas sobre el deporte del motor.
27. The Fighter (2010)
7.4/10 2010 4746Dirigida por David O. Russell, la película cuenta la historia real del boxeador Micky Ward, de la ciudad obrera de Lowell, Massachusetts, que sale de la sombra de su familia, que a la vez lo nutre y lo asfixia, y aspira al campeonato. En torno al silencioso y paciente Micky interpretado por Mark Wahlberg ruge la verdadera tormenta de la película: Christian Bale, en el papel del medio hermano y entrenador Dicky Eklund, en su día el "Orgullo de Lowell" pero ahora luchando contra la adicción a las drogas, ganó el Óscar al mejor actor de reparto con su pérdida de peso y su demoledora transformación física. Mientras que Melissa Leo, en el papel de la madre-mánager de hierro de la familia, también fue galardonada con un Óscar esa misma noche, Amy Adams, que interpreta a la novia de Micky, recibió una nominación. Con este éxito concentrado en las categorías de interpretación, la película posee una de las actuaciones de conjunto más fuertes del género. Russell rueda las escenas de boxeo con la estética de retransmisión televisiva de la época, dando a los combates una autenticidad de imagen de archivo. Pero el verdadero ring de la película es el entorno doméstico: los momentos en los que el amor se convierte en posesión y el vínculo familiar en grillete son más duros que cualquier puñetazo. La historia de los verdaderos hermanos Ward y Eklund se corona en los créditos finales con sus propias imágenes.
28. Cinderella Man (2005)
7.6/10 2005 2437Dirigida por Ron Howard, la película es la historia real del boxeador James J. Braddock, cuya carrera y mano se rompieron en la Gran Depresión de 1929 y que, para alimentar a su familia, volvió al trabajo en el muelle y aspiró —con un regreso que nadie le auguraba— al campeonato mundial de los pesos pesados. Russell Crowe convierte a la figura, con una actuación que sitúa la bondad y la serena dignidad de Braddock en el centro, de un héroe deportivo en un representante de los millones de oprimidos de la época; Renée Zellweger en el papel de la esposa Mae y Paul Giamatti en el papel del mánager Joe Gould, nominado al Óscar, son las vigas emocionales de la historia. Howard reconstruye el Nueva Jersey de la época de la Depresión —las casas con la electricidad cortada, las colas de la ayuda, las multitudes que esperan trabajo en el muelle— con un meticuloso diseño de época; detalles reales como que Braddock devolviera al Estado la ayuda social recibida tras el campeonato son toques auténticos que alimentan la leyenda de la figura. Cuando el rival del combate final es Max Baer, a quien se le achacó la muerte de dos rivales en el ring, el combate se transforma de una pelea por el título en una pelea por la supervivencia. La historia dignamente contada de un hombre al que un pueblo convirtió en su estandarte en la era de mayor desesperanza.
29. Coach Carter (2005)
7.6/10 2005 3322Dirigida por Thomas Carter, la película se basa en un suceso ocurrido en la ciudad de Richmond, California, en 1999 y que llegó a la prensa nacional: el entrenador de baloncesto de instituto Ken Carter, cuando las notas escolares de su equipo invicto cayeron por debajo del nivel fijado en el contrato, encadenó el gimnasio, detuvo la temporada y envió a sus jugadores a la biblioteca. Samuel L. Jackson carga, en una de las actuaciones dramáticas más queridas de su carrera, la disciplina sin concesiones de Carter y la profunda fe que hay debajo con gran dignidad. Mientras la película utiliza las plantillas motivacionales del cine deportivo, en el trasfondo aborda una realidad mucho más dura: que en un sistema en el que, para los jóvenes del barrio, la probabilidad de ir a la cárcel es mayor que la de ir a la universidad, ganar un partido por sí solo no cambia nada. El pasaje "Nuestro miedo más profundo no es ser insuficientes", que uno de los jugadores lee de pie en el gimnasio, ha quedado grabado como el clímax emocional de la película. Uno de los ejemplos más fieles a sus principios de su género, en el que la victoria no se busca en el marcador, sino en la lista de graduación.
30. Un sueño posible (2009)
7.7/10 2009 6875Dirigida por John Lee Hancock, la película cuenta el trayecto de Michael Oher, que es zarandeado de un lado a otro entre la falta de hogar y el sistema de acogida y que, tras ser adoptado por la familia Tuohy, alcanza la profesionalidad en el fútbol americano. Sandra Bullock ganó el Óscar a la mejor actriz con el papel de la decidida madre Leigh Anne Tuohy; la franqueza sureña de la figura y su actitud protectora que no retrocede ante nadie se consideran la actuación dramática más icónica de la carrera de Bullock. Mientras la película se adapta de la obra escrita por Michael Lewis, también convierte un detalle táctico del deporte en la metáfora de la historia: la posición de Oher, la de tacle izquierdo, está obligada a proteger el "punto ciego" que el quarterback no puede ver; también la película está construida sobre ver lo invisible. La obra, que rompe los récords de taquilla de su género, se volvió a discutir años después cuando el verdadero Oher hizo público el litigio entre él y la familia; este desarrollo es una lección actual sobre el delicado equilibrio entre la narración y la realidad en las adaptaciones de "historia real". Aun así, la huella que la película dejó en millones de espectadores conserva su lugar.
Música y escenario
31. En la cuerda floja (2005)
7.5/10 2005 3154Dirigida por James Mangold, la película cuenta el trayecto de la leyenda de la música country Johnny Cash desde su pobre infancia en Arkansas hasta su histórico concierto en la prisión de Folsom, y su turbulenta historia de más de una década con el amor de su vida, June Carter. La hazaña más notable de Joaquin Phoenix y Reese Witherspoon es que cantan todas las canciones de la película sin playback, con su propia voz y en directo; a cambio de meses de entrenamiento vocal e instrumental, Phoenix se acercó asombrosamente a aquel barítono profundo de Cash, mientras que Witherspoon prácticamente recreó a June Carter con su energía escénica y ganó el Óscar a la mejor actriz con esta actuación. Mientras Mangold sigue las estaciones conocidas de la narración biográfica —adicción, caída, renacimiento—, sitúa el corazón de la historia en la curación mutua de dos personas a lo largo de los años. El concierto de Folsom, que define la carrera de Cash, se utiliza magistralmente como marco de apertura y cierre de la película. En lugar de alimentar la leyenda del "hombre de negro", la película busca a su ser humano; uno de los ejemplos de referencia de su género.
32. Bohemian Rhapsody (2018)
8.0/10 2018 17836La película que cuenta la historia de Queen y Freddie Mercury redefinió las producciones musicales biográficas con récords de taquilla y, con una recaudación mundial de más de 900 millones de dólares, se situó a la cabeza de su género. Rami Malek ganó el Óscar al mejor actor encarnando la presencia escénica de Mercury, su vulnerabilidad y su ilimitada identidad artística con gran entrega. Se sabe que ensayó durante meses con prótesis dentales y estudió fotograma a fotograma las imágenes de archivo del cantante. El clímax de la película es la recreación casi en tiempo real del concierto Live Aid de 1985, fiel desde el diseño del escenario hasta los ángulos de cámara; el equivalente en pantalla de esta actuación, considerada los 20 minutos más grandes de la historia del rock, se siguió con aplausos en las salas. Realizada bajo la guía de los miembros vivos de la banda Brian May y Roger Taylor, la obra —pese a las críticas a sus libertades cronológicas— recibió un total de 4 Óscar, entre ellos en las categorías de montaje y sonido. El verdadero éxito de la película es quizá este: que tras los créditos finales llevó a millones de nuevos oyentes al catálogo de Queen y transmitió una leyenda a nuevas generaciones. El número de espectadores capaces de permanecer sentados sin moverse mientras sube "We Are the Champions" es bastante limitado.
33. Green Book (2018)
8.2/10 2018 12968Dirigida por Peter Farrelly y galardonada con el Óscar a la mejor película, la obra cuenta la amistad real que comenzó en 1962, cuando el mundialmente famoso pianista negro Dr. Don Shirley contrató al portero de discoteca italoamericano Tony Lip como chófer y guardaespaldas para su gira de conciertos por los estados del sur, donde la discriminación era más dura. El nombre de la película procede de la verdadera guía de viaje de la época que enumeraba lugares seguros para los viajeros negros. Mahershala Ali ganó su segundo Óscar al mejor actor de reparto con su actuación, que une la elegancia artística de Shirley y la soledad de no pertenecer por completo a ningún mundo; mientras que Viggo Mortensen recibió una nominación con el papel del Tony amante de la comida y de hablar sin rodeos, en el que se metió engordando. Que uno de los coguionistas del guion sea Nick Vallelonga, el hijo del verdadero Tony Lip, presta a las anécdotas vividas en el camino —sobre todo a las cartas de amor dictadas en el coche— una autenticidad de primera mano. Con su elección de tratar un tema histórico pesado con la calidez de una road movie y un humor fino, la película se ganó tanto un gran cariño del público como debates de la crítica. Lo que es seguro es esto: la química entre los dos actores protagonistas creó una de las mejores amistades llevadas a la pantalla en los últimos años.
34. Rocketman (2019)
7.3/10 2019 5019Dirigida por Dexter Fletcher, la película muestra la valentía de contar la historia de Elton John no con los patrones tradicionales de la biografía, sino como un musical fantástico construido sobre la propia música del artista. Las canciones se emplean no en orden cronológico, sino según su función emocional, y los personajes de vez en cuando se elevan y se desprenden de la realidad, bailando. Taron Egerton cantó todas las canciones de la película con su propia voz —una elección aprobada por el propio Elton John que se convirtió en el aspecto más elogiado de la obra—. Encarnó la transformación de Reginald Dwight, un tímido niño de provincias, en la mayor estrella del escenario del mundo, y ganó un Globo de Oro con esta actuación. La película aborda sin adornos los problemas de adicción del artista, su identidad y su infancia sin amor; que la historia se cuente en flashbacks desde una sesión de terapia de grupo en un centro de rehabilitación es un marco astuto que hace visibles las heridas bajo todo el glamur. El desenlace que llega con "I'm Still Standing" convierte toda la carga emocional de la película en un triunfo, como una especie de declaración de redención. Estrenada al mismo tiempo que Bohemian Rhapsody, la obra demostró que es posible un camino más experimental y honesto para las biografías musicales; una experiencia cinematográfica tan colorida como los trajes de escenario de Elton John y tan emotiva como sus canciones.
¿Por dónde empezar?
- Si tu tolerancia al suspense es alta: Argo, Zodiac y, después de Capitán Phillips: Spotlight
- Si buscas una historia inspiradora: Figuras ocultas, El discurso del rey, Coach Carter
- Si te interesan las finanzas y los escándalos: La gran apuesta, El lobo de Wall Street, La red social
- Si eres aficionado al deporte: Le Mans '66, Rush, Moneyball
- Si quieres hacer un viaje con música: Bohemian Rhapsody, Rocketman, En la cuerda floja
La fuerza de las historias reales en el cine proviene de ese peso invisible que la información "esto ocurrió de verdad" añade a cada escena. Junto con las demás historias reales de nuestras listas de películas de supervivencia y de películas dramáticas, estas obras mantendrán tu lista de pendientes llena durante mucho tiempo.
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