Die besten Filme, die auf wahren Geschichten beruhen
Der Hinweis „basierend auf wahren Begebenheiten" wirkt im Kino wie eine Art Vertrag: Der Zuschauer nimmt Platz im Wissen, dass das, was er auf der Leinwand sieht, irgendwo, irgendwann wirklich geschehen ist – und seine Beziehung zur Geschichte verändert sich von Grund auf. Zufälle, Verrat und Triumphe, die selbst der einfallsreichste Drehbuchautor der Fiktion nicht erfinden könnte, sind im Archiv des echten Lebens längst geschrieben. In dieser Liste haben wir die stärksten aus wahren Geschichten schöpfenden Werke der Filmgeschichte unter fünf thematischen Überschriften zusammengestellt. Um das Lesen zu erleichtern, haben wir eine Einteilung verwendet, die von Betrug und Finanzskandalen über journalistische Kämpfe bis zu den Leben von Wissenschaftlern sowie Sport- und Musiklegenden reicht. Wahre Geschichten wie Schindlers Liste, Der Pianist, 127 Hours, Captain Phillips und Society of the Snow, die in unseren Listen der Überlebensfilme und Dramafilme vorkommen, haben wir – um Wiederholungen zu vermeiden – aus dieser Liste herausgelassen; wir empfehlen dir unbedingt, auch jene Listen anzusehen.
Betrüger, Geld und Skandale
1. Catch Me If You Can (2002)
8.0/10 2002 17216Der von Steven Spielberg inszenierte Film wurde aus der auf eigenen Behauptungen beruhenden Autobiografie von Frank Abagnale Jr. adaptiert, der noch vor seinem 19. Lebensjahr in die Identität eines Piloten, Arztes und Anwalts schlüpfte und gefälschte Schecks über Millionen Dollar einlöste. Gegenüber der zugleich Charisma und Verletzlichkeit tragenden Leistung von Leonardo DiCaprio bildet das Katz-und-Maus-Spiel mit dem von Tom Hanks verkörperten FBI-Agenten Carl Hanratty das erzählerische Rückgrat des Films. Spielberg verband ein dunkles Thema wie Betrug mit der pastellfarbenen, jazzig angehauchten Ästhetik der 1960er und schuf so eines der elegantesten Beispiele des Genres; John Williams' für einen Award nominierte Musik ist ein untrennbarer Teil dieser Atmosphäre. Christopher Walken, der Franks Vater verkörpert, erhielt für seine Leistung eine Oscar-Nominierung als bester Nebendarsteller. Im Kern des Films steckt mehr als eine Kriminalgeschichte: der Versuch eines Kindes aus einer zerbrochenen Familie, das verlorene Leben mit falschen Identitäten neu aufzubauen. Auch wenn Jahre später Behauptungen aufkamen, ein Teil von Abagnales Erzählungen sei übertrieben, schmälert das den filmischen Wert nicht – es öffnet sogar die Tür zu dem Kommentar: „Der größte Trick eines Meisterbetrügers war vielleicht seine eigene Geschichte."
2. The Wolf of Wall Street (2013)
8.0/10 2013 26077Der von Martin Scorsese inszenierte Film wurde aus den Memoiren des Börsenmaklers Jordan Belfort, der in den 1990ern mit seiner Maklerfirma Anleger betrog und ein Vermögen machte, mit dem Drehbuch von Terence Winter adaptiert. Leonardo DiCaprio liefert eine der ungezügeltsten Leistungen seiner Karriere und trägt Belforts Aufstieg und moralischen Verfall drei Stunden lang mit hypnotischer Energie; seine körperliche Comedy-Leistung in der berühmten Drogenszene könnte allein zum Unterrichtsstoff für Schauspiel werden. Die mit einer Oscar-Nominierung ausgezeichnete Rolle des Partners Donnie von Jonah Hill und die Naomi-Figur der damals noch am Anfang stehenden Margot Robbie, die ihr zum Durchbruch verhalf, sind die weiteren starken Glieder der Besetzung. Scorsese geht bewusst das Risiko ein, die Sprache des Exzesses zu nutzen, um den Exzess zu kritisieren: Statt Belforts Welt zu verurteilen, setzt der Film den Zuschauer der Verführung dieser Welt aus und stellt genau dadurch die unbequeme Frage. Für fünf Oscars nominiert, behauptet der Film seinen Platz als einer der energischsten und umstrittensten Filme über die Gier der Finanzwelt. Der echte Belfort erscheint im Eröffnungsteil des Films in einer kurzen Rolle.
3. The Social Network (2010)
7.4/10 2010 13243Der von David Fincher inszenierte Film, für dessen von Aaron Sorkin nach Ben Mezrichs Buch adaptiertes Drehbuch dieser einen Oscar gewann, behandelt die Gründung von Facebook und die damit einhergehenden Prozesse. Der von Jesse Eisenberg verkörperte Mark Zuckerberg wird als sozial unbeholfenes, aber grenzenlos ehrgeiziges Genie zu einem der vielschichtigsten Porträts einer realen Figur im Kino; Andrew Garfield in der Rolle des betrogenen Mitgründers Eduardo Saverin und Justin Timberlake als Napster-Gründer Sean Parker repräsentieren die emotionalen und moralischen Pole der Erzählung. Sorkins Dialoge im Maschinengewehr-Tempo, besonders die neunminütige Café-Szene zu Beginn, wurden zum Lehrmaterial im Bereich des Drehbuchschreibens. Die oscarprämierte elektronische Filmmusik von Trent Reznor und Atticus Ross verleiht der Geschichte eine kalte und unheimliche Modernität. 2010, bei seinem Kinostart, wurde der Film als Gründungsgeschichte gesehen; heute wird er als geradezu prophetisches Dokument eines Zeitalters neu gelesen, in dem soziale Medien die Welt verwandelt haben. Die Frage „Wie verlor der jüngste CEO eines 300-Millionen-Dollar-Unternehmens seinen einzigen Freund?" fasst den Film treffend zusammen.
4. The Big Short (2015)
7.4/10 2015 9895Der von Adam McKay inszenierte Film wurde nach dem gleichnamigen Buch von Michael Lewis adaptiert und erzählt die globale Finanzkrise von 2008 – genauer: die Geschichte einer Handvoll Investoren, die das Kommen der Krise früher als alle anderen sahen. Der von Christian Bale verkörperte Fondsmanager Michael Burry, mit Glasauge und beim Arbeiten Heavy Metal hörend, ist der Erste, der die mathematischen Beweise für den Zusammenbruch des Immobilienmarkts bemerkt; der von Steve Carell gespielte, nie nachlassend wütende Mark Baum und der von Ryan Gosling verkörperte, direkt in die Kamera sprechende Erzähler-Banker sind die weiteren starken Leistungen der Besetzung. McKays kühnste Entscheidung ist der Einsatz von Einschüben, in denen prominente Gäste – wie Margot Robbie, die in einer Badewanne voller Schaum Finanzbegriffe erklärt – dem Zuschauer die abschreckenden technischen Konzepte wie Kreditderivate direkt erklären; diese Methode erzeugt Humor und macht den Film in puncto Finanzbildung zugänglich. Das mit dem Oscar für das beste adaptierte Drehbuch ausgezeichnete Werk schreitet im Rhythmus der Komödie voran, lässt den Zuschauer im Finale aber mit einer schweren Wahrheit allein: Niemand kam ins Gefängnis, und die Rechnung wurde den einfachen Menschen präsentiert. Einer jener seltenen Filme, die wütend machen, aber beim Wütendmachen bilden.
5. The Founder (2016)
7.1/10 2016 5421Der von John Lee Hancock inszenierte Film erzählt die Geschichte von Ray Kroc, der McDonald's in ein globales Imperium verwandelte, aber nicht die Person war, die die Marke gründete. 1954 trifft der 52-jährige Kroc, der Küchenmixer verkauft, in Kalifornien auf das revolutionäre Schnellservice-System der McDonald-Brüder und erkennt das Potenzial dieser Erfindung weit klarer als die Brüder selbst. Michael Keaton verkörpert Krocs Wandlung von einem sympathischen Opportunisten zum skrupellosen Imperiumsgründer mit einer meisterhaften Leistung, die die Loyalität des Zuschauers Schritt für Schritt auf die Probe stellt; dass Nick Offerman und John Carroll Lynch die Brüder, die wahren Erfinder des Systems, spielen, verleiht dem Film sowohl Wärme als auch Tragik. Der Film zeigt die selten erzählte Seite des amerikanischen Traums: Manchmal ist der Gewinner nicht der, der erfindet, sondern der, der dreist genug ist, sich die Erfindung anzueignen. Der Satz „Verträge sind wie Herzen – sie sind dazu da, gebrochen zu werden" fasst Krocs Geschäftsethik zusammen. Für alle, die Unternehmergeschichten inspirierend finden, unbequem – und genau deshalb Pflichtprogramm.
6. GoodFellas (1990)
8.5/10 1990 14477Der von Martin Scorsese nach dem Buch „Wiseguy" des Journalisten Nicholas Pileggi adaptierte Film behandelt das reale Leben von Henry Hill, der zwischen 1955 und 1980 in der Mafia aufwuchs, aufstieg und am Ende alles verlor. Dem von Ray Liotta mit Erzählerstimme getragenen Henry stehen der kaltblütige Jimmy Conway von Robert De Niro und der jederzeit zur Explosion bereite Tommy DeVito von Joe Pesci gegenüber. Pesci gewann mit dieser Leistung, die sich mit der Szene „Wie meinst du das, komisch?" identifiziert, den Oscar als bester Nebendarsteller, und es ist bekannt, dass jene berühmte Szene größtenteils improvisiert war. Scorseses ununterbrochene Verfolgungsaufnahme durch den Hintereingang in den Copacabana-Club gehört zu den meistanalysierten Szenen der Filmgeschichte. Der Film erzählt das Mafialeben nicht mit der opernhaften Schwere des Paten, sondern mit einer alltäglichen, verführerischen und gerade deshalb erschreckenden Gewöhnlichkeit. Das Werk, dessen Name bei Diskussionen über die Meisterwerke des Kriminalkinos ausnahmslos auf jeder Liste steht, ist einer der stärksten Belege dafür, dass ein echtes Leben verblüffender sein kann als jede Fiktion.
7. Molly's Game (2017)
7.2/10 2017 4040Der Film, bei dem der Drehbuchmeister Aaron Sorkin zum ersten Mal auf dem Regiestuhl saß, wurde aus den Memoiren von Molly Bloom adaptiert, die nach einer Verletzung als olympische Skihoffnung zur Organisatorin illegaler Pokerspiele wurde, an denen Eliten aus Hollywood und der Wall Street teilnahmen. Jessica Chastain liefert im Zentrum des Films mit einer Leistung, die Blooms Intelligenz, Ehrgeiz und Prinzipien zugleich trägt, geradezu eine Machtdemonstration; die Büroszenen mit Idris Elba in der Rolle ihres Verteidigers sind ein Beispiel dafür, wie sich Sorkin-Dialoge in den Händen zweier Meisterschauspieler in ein Duell verwandeln. Die späte Abrechnungsszene auf der Eisbahn mit dem von Kevin Costner verkörperten Vater ist der emotionale Höhepunkt des Films. Sorkins oscarnominiertes Drehbuch besitzt eine erzählerische Klarheit, die selbst einen Zuschauer, der die Poker-Terminologie überhaupt nicht kennt, an den Tisch setzt. Der Film zieht aus einer Skandal versprechenden Geschichte eine unerwartete Lektion in Aufrichtigkeit: Dass Molly sich weigert, um den Preis des Verlusts von allem die Namen ihrer Kunden zu verraten, hebt die Geschichte von einer Verherrlichung des Verbrechens zu einer Charakterstudie.
8. I, Tonya (2017)
7.5/10 2017 6218Der von Craig Gillespie inszenierte Film erzählt die Geschichte der Eiskunstläuferin Tonya Harding, deren Name durch den 1994 auf ihre Rivalin Nancy Kerrigan verübten Angriff in einen Skandal geriet, im Format einer Pseudo-Dokumentation und mit einander widersprechenden Zeugenaussagen. Diese Erzählwahl bietet einen klugen Rahmen, der den Begriff der „wahren Geschichte" selbst hinterfragt. Margot Robbie, die auch als Produzentin fungiert, verkörpert Hardings Wut, ihr Talent und ihren nie versiegenden Hunger nach Anerkennung mit einem oscarnominierten Mut; in einem großen Teil der Szenen auf dem Eis zahlt sich das monatelange Schlittschuhtraining aus. Doch die vielleicht unvergesslichste Figur des Films ist die Mutter LaVona, die Allison Janney mit einem Papagei auf der Schulter und rauchend spielt und die ihre Liebe mit Grausamkeit vermischt hat – dafür gewann Janney den Oscar als beste Nebendarstellerin. Der Film versucht nicht, eine von den Medien zur „bösen Frau" erklärte Figur reinzuwaschen; stattdessen zeigt er, wie Armut, Missbrauch und Klassenvorurteile das Schicksal einer Sportlerin formten. Mit seiner meisterhaften Balance aus schwarzem Humor und Tragik ist das Werk mit seiner die Muster des Biopics durchbrechenden Struktur eines der eigenständigsten Beispiele des Genres der letzten Zeit.
Journalismus und der Kampf um Gerechtigkeit
9. Spotlight (2015)
7.8/10 2015 8830Das von Tom McCarthy inszenierte und mit dem Oscar als bester Film ausgezeichnete Werk behandelt die Pulitzer-prämierte Recherche des „Spotlight"-Rechercheteams der Zeitung Boston Globe aus den Jahren 2001–2002, das den systematischen Missbrauch in der katholischen Kirche und dessen institutionelle Vertuschung aufdeckte. Die Besetzung aus Michael Keaton, Mark Ruffalo, Rachel McAdams und Liev Schreiber agiert mit einem zurückhaltenden Schauspielverständnis, das nicht Starauftritten, sondern der Teamarbeit selbst dient – und diese Wahl deckt sich genau mit dem Wesen des im Film gezeigten Journalismus. McCarthy hält seine Kamera bei einem Thema, das sich am leichtesten für Sensation eignet, stets zurückhaltend; statt dramatischer Musikausbrüche oder Heldenmomente zeigt er die methodische Mühe von Journalisten, die von Tür zu Tür gehen, Archive durchforsten und am Telefon hartnäckig bleiben. Ruffalos einziger Wutausbruch wirkt gerade deshalb erschütternd, weil er inmitten dieser Ruhe kommt. Der Film, der auch den Oscar für das beste Originaldrehbuch gewann, versenkt den Zuschauer mit der vor dem Abspann laufenden Skandalliste in ein tiefes Schweigen. Das stärkste moderne Manifest über die Bedeutung des investigativen Journalismus.
10. Erin Brockovich (2000)
7.4/10 2000 3673Der von Steven Soderbergh inszenierte Film ist die wahre Geschichte einer arbeitslosen, dreifachen Mutter ohne juristische Ausbildung, die aufdeckt, dass der Energiekonzern PG&E das Trinkwasser einer Kleinstadt vergiftet, und einen der größten Schadenersatzprozesse der amerikanischen Geschichte anführt. Julia Roberts gewann mit dieser als Wendepunkt ihrer Karriere geltenden Rolle den Oscar als beste Hauptdarstellerin; Brockovichs kühne Kleidung, ihre scharfe Zunge und ihre nie einen Schritt zurückweichende Haltung verbanden sich mit Roberts' Star-Identität zu einer unvergesslichen Kinofigur. Albert Finney in der Rolle des mürrischen Anwalts Ed Masry, der sie einstellt, verwandelt die Wortgefechte des Duos in eine der vergnüglichsten Adern des Films. Soderberghs schlichte und charakterorientierte Regie verhindert, dass die Geschichte in eine Heldenerzählung abgleitet, und hält sie als bodenständige Kampfgeschichte. Dass die echte Erin Brockovich im Film in einer kleinen Rolle, noch dazu als Kellnerin namens „Julia", erscheint, ist eines der eleganten Details des Werks. Eine Geschichte über das Sprachrohr-Sein für die vom System Übersehenen, die ihre Kraft aus ihrer Wahrhaftigkeit zieht.
11. Die Unbestechlichen / All the President's Men (1976)
7.7/10 1976 2096Der von Alan J. Pakula inszenierte Film brachte die Recherchen der Washington-Post-Reporter Bob Woodward und Carl Bernstein, die den Watergate-Skandal Schritt für Schritt aufdeckten und den Prozess in Gang setzten, der zum Rücktritt eines Präsidenten führte, auf die Leinwand, als seit den Ereignissen erst zwei Jahre vergangen waren. Die Treffen des von Robert Redford und Dustin Hoffman verkörperten Duos mit der geheimen Quelle „Deep Throat" in dunklen Parkhäusern gehören zu den in das Spannungsgedächtnis des Kinos eingebrannten Szenen; Jason Robards, der den legendären Chefredakteur Ben Bradlee spielt, gewann mit dieser Rolle den Oscar als bester Nebendarsteller. Der Satz „Folge dem Geld", den das oscarprämierte Drehbuch von William Goldman dem Film hinzufügte, wurde – obwohl er in Wirklichkeit nie gesagt wurde – zum universellen Leitspruch des investigativen Journalismus. Der von Pakula geschaffene visuelle Kontrast zwischen dem hellen Zeitungsbüro und der schattigen Außenwelt übersetzt die Mühe der Wahrheitssuche geradezu in eine architektonische Sprache. Trotz seines fast ein halbes Jahrhundert währenden Alters gewinnt der Film in jeder Phase, in der Debatten über die Pressefreiheit aufflammen, neue Aktualität; der bis heute unerreichte Gipfel seines Genres.
12. Zodiac – Die Spur des Killers (2007)
7.5/10 2007 11634Der von David Fincher inszenierte Film erzählt die Terrorzeit des Zodiac-Killers, der Ende der 1960er San Francisco in Angst versetzte und dessen Identität bis heute offiziell nicht festgestellt werden konnte und der mit verschlüsselten Briefen agierte, anhand eines aus den Büchern des Karikaturisten Robert Graysmith adaptierten Drehbuchs. Die zur Besessenheit werdende Amateurrecherche des von Jake Gyllenhaal verkörperten Graysmith zeichnet zusammen mit dem Detective von Mark Ruffalo und dem in den Zusammenbruch getriebenen Kriminalreporter von Robert Downey Jr. drei getrennte Porträts der Zerstörung, die die Ausweglosigkeit in der menschlichen Psyche anrichtet. Fincher, bekannt für seine Akribie in Sachen historischer Genauigkeit, rekonstruierte die Schauplätze der Ereignisse und die Atmosphäre der Zeit mit dokumentarischer Präzision; dass manche Szenen dutzendfach wiederholt gedreht wurden, gehört zu den Legenden des Produktionsprozesses. Der Film verweigert bewusst die gewohnten Befriedigungsmechanismen des Serienkiller-Genres: Hier gibt es keinen gefassten Mörder, keinen gelösten Fall; nur Menschen, die auf der Jagd nach der Wahrheit ihr Leben verzehren. Gerade durch diese Wahl wurde Zodiac, obwohl er bei seiner Erstaufführung nicht die verdiente Aufmerksamkeit erhielt, im Lauf der Jahre als einer der Gipfel von Finchers Filmografie anerkannt.
13. Argo (2012)
7.3/10 2012 9006Der Film, bei dem Ben Affleck sowohl Regie führte als auch die Hauptrolle übernahm, erzählt die wahre Geschichte, wie sechs amerikanische Diplomaten, die während der Iranischen Revolution 1979 dem Sturm auf die US-Botschaft in Teheran entkamen und ins Haus des kanadischen Botschafters flüchteten, mit einem unglaublichen Plan aus dem Land geschmuggelt wurden: Der CIA-Agent Tony Mendez schlägt vor, die Diplomaten als kanadisches Team eines nie zu drehenden Science-Fiction-Films außer Landes zu bringen. Das oscarprämierte Drehbuch von Chris Terrio balanciert die Dosis aus Hollywood-Satire und Spionagespannung meisterhaft; das den falschen Film auf die Beine stellende Produzentenduo, gespielt von Alan Arkin – der dafür eine Oscar-Nominierung erhielt – und John Goodman, schultert mit dem Spruch „Argo fuck yourself" die Humorlast des Films. Affleck verschränkt Archivaufnahmen der Zeit mit seinen eigenen Szenen und verleiht dem Werk eine dokumentarische Textur; die Final-Sequenz am Flughafen ist ein lehrbuchhaftes Beispiel dafür, wie man aus einer Geschichte mit bekanntem Ausgang Spannung erzeugt. Das mit dem Oscar als bester Film ausgezeichnete Werk ist der Beweis, dass die Realität manchmal unglaublicher ist als das übertriebenste Drehbuch – und genau das war auch der Slogan der Operation: „Das ist unsere beste schlechte Idee."
14. Hotel Rwanda (2004)
7.7/10 2004 3189Der von Terry George inszenierte Film erzählt die wahre Geschichte des Hoteldirektors Paul Rusesabagina, der während des Völkermords in Ruanda 1994 das von ihm geleitete Luxushotel in eine Zuflucht verwandelte und das Leben von mehr als 1.200 Menschen rettete. Don Cheadle verarbeitet in seiner als Höhepunkt seiner Karriere geltenden, mit einer Oscar-Nominierung gekrönten Leistung außergewöhnlich fein, wie Rusesabagina seine diplomatische Klugheit, Bestechung, Schmeichelei und Bluff in Überlebenswaffen verwandelt; auch Sophie Okonedo, die seine Frau spielt, erhielt im selben Jahr eine Oscar-Nominierung. Statt den Völkermord, bei dem binnen hundert Tagen Hunderttausende Menschen ihr Leben verloren, direkt zu zeigen, zieht der Film es vor, das Grauen über die an den Hotelmauern abprallenden Echos spürbar zu machen – und diese Zurückhaltung vervielfacht die Wirkung, statt sie zu mindern. Die Abwendung der internationalen Gemeinschaft von der Krise bildet die schärfste Kritiklinie des Films; die mit den Worten „Ihr seid Afrikaner" eines UN-Offiziers zusammengefasste Preisgabe hinterlässt beim Zuschauer ein bleibendes Schamgefühl. Einer der Filme, in denen das Kino seine Aufgabe des Erinnerns und Bezeugens am stärksten erfüllt.
15. BlacKkKlansman (2018)
7.5/10 2018 8134Der von Spike Lee inszenierte Film erzählt die – ja, wirklich geschehene – Geschichte von Ron Stallworth, dem ersten schwarzen Detective der Polizei von Colorado Springs in den 1970ern, dem es gelang, den Ku-Klux-Klan telefonisch zu unterwandern. Während Stallworth die Telefongespräche führt, geht sein von Adam Driver verkörperter jüdischer Kollege Flip zu den persönlichen Treffen; diese absurde, aber reale Konstruktion liefert dem Film sowohl Spannung als auch einen Boden scharfer Ironie. John David Washingtons charismatische Hauptrollenleistung und Drivers mit einer Oscar-Nominierung ausgezeichnetes Spiel sind die Träger von Lees Erzählweise, die Wut und Humor im selben Tiegel einschmilzt. Der in Cannes mit dem Großen Preis ausgezeichnete Film brachte Lee auch den ersten Wettbewerbs-Oscar seiner Karriere (bestes adaptiertes Drehbuch). Der kühnste Schachzug des Regisseurs kommt im Finale: Während die Geschichte in den 70ern schließt, verbindet der Film sie mit aktuellen Archivaufnahmen mit der Gegenwart und schleudert dem Zuschauer ins Gesicht, dass Rassismus keine historische Angelegenheit, sondern eine fortdauernde Realität ist. Ein Werk, das unterhält und zugleich verstört, das zum Lachen bringt und dabei zur Rechenschaft zieht.
Wissenschaft, Genie und Geschichte
16. Oppenheimer (2023)
8.0/10 2023 11954Der von Christopher Nolan nach der Pulitzer-prämierten Biografie „American Prometheus" von Kai Bird und Martin J. Sherwin adaptierte Film vereint den Aufstieg des Vaters der Atombombe, J. Robert Oppenheimer, den Trinity-Test und seinen mit der Sicherheitsanhörung der Nachkriegszeit kommenden Fall in einer dreistündigen Erzählung. Cillian Murphy gewann mit seiner das Genie und den moralischen Zusammenbruch des Physikers tragenden Leistung den Oscar als bester Hauptdarsteller, während auch Robert Downey Jr. in der Rolle des Lewis Strauss den Preis als bester Nebendarsteller erhielt; die Riesen- besetzung, zu der auch Emily Blunt, Matt Damon und Florence Pugh gehören, bietet einen der dichtesten Schauspielerreigen des modernen Kinos. Nolan stellte die Trinity-Explosion ohne Computereffekte mit praktischen Methoden dar; die Struktur, in der die farbigen Sequenzen Oppenheimers subjektive Sicht und die schwarz-weißen Abschnitte Strauss' Perspektive repräsentieren, bringt dem Biopic-Genre eine strukturelle Neuerung. Das mit 7 Oscars, darunter bester Film und beste Regie, ausgezeichnete Werk erzielte auch an den Kassen einen für Biopics beispiellosen Erfolg. Das Gewicht des Satzes „Jetzt bin ich der Tod geworden, der Zerstörer der Welten" durchdringt jedes Bild des Films; das umfassendste Kinowerk über die moralische Verantwortung der Wissenschaft.
17. The Imitation Game – Ein streng geheimes Leben (2014)
8.0/10 2014 18164Der von Morten Tyldum inszenierte Film adaptiert die Geschichte des Mathematikers Alan Turing, der im Zweiten Weltkrieg das Verschlüsselungssystem Enigma Nazi-Deutschlands knackte, aus der umfassenden Biografie von Andrew Hodges mit dem oscarprämierten Drehbuch von Graham Moore. Benedict Cumberbatch liefert eine oscarnominierte Leistung, die das Genie, die soziale Unangepasstheit und die tiefe Einsamkeit des als Begründer der modernen Informatik geltenden Turing Schicht für Schicht herausarbeitet; auch Keira Knightley in der Rolle des einzigen weiblichen Teammitglieds Joan Clarke wurde ebenso mit einer Nominierung ausgezeichnet. Während der Film den Kampf um die Entschlüsselung in Bletchley Park im Tempo eines Intelligenzthrillers erzählt, hebt er seinen eigentlichen Schlag für den letzten Abschnitt auf: Turing, dem zugeschrieben wird, den Krieg verkürzt und Millionen Leben gerettet zu haben, wurde wegen seiner Homosexualität verurteilt, zur chemischen Kastration verurteilt und verlor mit 41 Jahren sein Leben. Die offizielle Entschuldigung und die königliche Begnadigung kamen erst Jahrzehnte später. Der Satz „Manchmal vollbringen gerade die Menschen, von denen niemand etwas erwartet, Dinge, die sich niemand vorstellen kann" ist zugleich Motto und Vermächtnis des Films. Eine erschütternde Biografie, in der sich eine der größten Schulden und eine der größten Ungerechtigkeiten der Wissenschaftsgeschichte in ein und demselben Leben treffen.
18. Die Entdeckung der Unendlichkeit / The Theory of Everything (2014)
7.8/10 2014 11159Der von James Marsh inszenierte Film adaptiert die Geschichte des Physikers Stephen Hawking aus einer ungewöhnlichen Quelle – den Memoiren seiner ersten Frau Jane Hawking – und erzählt so die Biografie eines Genies zugleich als Geschichte einer Ehe und einer Aufopferung. Eddie Redmayne gewann den Oscar als bester Hauptdarsteller, indem er das schrittweise Gefangenwerden des brillanten Cambridge-Doktoranden in seinem eigenen Körper durch die Motoneuron-Krankheit mit monatelanger physiotherapeutisch begleiteter Vorbereitung und außergewöhnlicher körperlicher Kontrolle verkörperte; dass er das Fortschreiten der Krankheit trotz der nicht-chronologischen Drehreihenfolge konsistent trägt, ist einer der meistgelobten Aspekte der Leistung. Felicity Jones in der Rolle der Jane verleiht mit ihrer Oscar-Nominierung der unsichtbaren Heldin der Geschichte die verdiente Tiefe. Dass die im Film zu hörende synthetisierte Stimme Hawkings die echte, von seinem eigenen Gerät stammende Stimme des Wissenschaftlers ist, gehört zu den anrührendsten Details des Werks. Statt sich auf einen inspirierenden Rahmen wie „ein Mann, dem zwei Minuten Leben prognostiziert wurden, erklärt das Universum" zu stützen, zeigt der Film auch die menschlichen Kosten im Schatten des Genies ehrlich. Das elegante Porträt eines Lebens, in dem ein Mann, der über die Zeit forscht, im Wettlauf mit der Zeit lebte.
19. Hidden Figures – Unerkannte Heldinnen (2016)
8.0/10 2016 10502Der von Theodore Melfi inszenierte Film holt, adaptiert aus dem Buch von Margot Lee Shetterly, die Geschichte der drei schwarzen Mathematikerinnen Katherine Johnson, Dorothy Vaughan und Mary Jackson ans Licht, die beim Gewinn des Weltraumrennens der USA eine entscheidende Rolle spielten, von der Geschichte aber lange übersehen wurden. Die von Taraji P. Henson verkörperte Katherine Johnson ist die geniale Mathematikerin, die die Orbitberechnungen des Astronauten John Glenn von Hand überprüft; dass Glenn vor dem Start „Lasst das Mädchen rechnen" sagte und ausdrücklich sie verlangte, ist ein wirklich von der Geschichte festgehaltener Moment. Octavia Spencers oscarnominierte Dorothy Vaughan und Janelle Monáes feurige Mary Jackson repräsentieren die drei verschiedenen Fronten des Kampfes: Rechnung, Technologie und Recht. Der Film erzählt die alltägliche Mechanik der Diskriminierung wirkungsvoller als große Reden. Das für drei Oscars, darunter bester Film, nominierte Werk übertraf auch an den Kassen die Erwartungen und bewies, welch großes Publikumsecho diese Geschichten haben. Eine beispielhafte Arbeit, in der die fehlenden Seiten der Wissenschaftsgeschichte mithilfe des Kinos vervollständigt werden.
20. Aufbruch zum Mond / First Man (2018)
7.0/10 2018 5694Der von Damien Chazelle aus der offiziellen Biografie von James R. Hansen adaptierte Film behandelt Neil Armstrongs Weg, der erste Mensch zu werden, der den Fuß auf den Mond setzt, aus einer nach innen gekehrten Perspektive, die alle Muster der Heldenerzählung verweigert. Ryan Gosling verwandelt Armstrongs berühmte Verschlossenheit nicht in ein Schauspielhindernis, sondern in das eigentliche Thema des Films: Dies ist die Geschichte eines Vaters, der seine kleine Tochter verloren hat und seine Trauer bis zum Mond trägt. Die Szene mit dem von Claire Foy verkörperten Frau Janet – „Sag ihnen, dass du vielleicht nicht zu deinen Kindern zurückkommst" – fasst allein den Preis des Raumfahrtprogramms an der häuslichen Front zusammen. Chazelle baut die Weltraumsequenzen statt mit weiten, sauberen Bildern mit zitternden Aufnahmen aus dem Cockpitinneren, mit Metallquietschen und Erschütterungen und lässt den Zuschauer körperlich spüren, wie zerbrechlich jene Kapseln in Wahrheit waren; mit diesem Ansatz gewann der Film den Oscar für die besten visuellen Effekte. Die Final-Sequenz auf der Mondoberfläche bietet statt des erwarteten Siegesjubels einen im absoluten Schweigen stattfindenden, höchst persönlichen Abschiedsmoment. Einer der reifsten Filme seines Genres, der die stille Trauer hinter einer der größten Errungenschaften der Geschichte erzählt.
21. The King's Speech – Die Rede des Königs (2010)
7.7/10 2010 9352Das von Tom Hooper inszenierte und mit 4 Oscars, darunter bester Film, ausgezeichnete Werk erzählt den Kampf von König Georg VI., der durch den Thronverzicht seines Bruders unerwartet König wird, mit seinem schweren Stottern und die Freundschaft, die er mit dem unkonventionellen Sprachtherapeuten Lionel Logue schließt. Colin Firth verkörpert die Sprechschwierigkeit, die jeden öffentlichen Auftritt des Königs zur Folter macht, und die darunter liegenden Kindheitswunden mit einer feinfühligen Leistung, die ihm den Oscar als bester Hauptdarsteller einbrachte; die die Klassenmauern niederreißende Beziehung zwischen ihm und dem von Geoffrey Rush gespielten australischen Therapeuten ohne Diplom, aber mit unerschütterlichen Methoden, ist das schlagende Herz des Films. Dass der Drehbuchautor David Seidler in seiner Kindheit selbst gestottert hatte und mit dem Schreiben dieser Geschichte bis zum Tod der Queen Mother wartete, verleiht dem Projekt eine jahrzehntelange persönliche Hingabe. Seidler war 73, als er seinen Oscar erhielt. Die mit der Kriegserklärung des Zweiten Weltkriegs an Millionen zu haltende Radioansprache bietet ein meisterhaftes Finale, das die gesamte Spannung des Films in einen einzigen Raum und ein einziges Mikrofon presst. Ein elegantes historisches Drama, das daran erinnert, dass Mut nicht immer an der Front gesucht wird.
22. Hacksaw Ridge – Die Entscheidung (2016)
8.2/10 2016 14966Der von Mel Gibson inszenierte Film erzählt die wahre Geschichte von Desmond Doss, der im Zweiten Weltkrieg trotz seiner glaubensbedingten Weigerung, eine Waffe in die Hand zu nehmen, als Sanitäter zur Armee ging und in der Schlacht um Hacksaw Ridge auf Okinawa 75 verwundete Soldaten im Alleingang von der Frontlinie trug. Doss ging als erster Kriegsdienstverweigerer in die Geschichte ein, der ohne Waffengebrauch die Medal of Honor erhielt. Andrew Garfield liefert eine mit einer Oscar-Nominierung gekrönte Leistung, die Doss' Sanftmut und eisernen Willen in ein und demselben Körper vereint. Der Film besteht wie aus zwei getrennten Werken: Die erste Hälfte ist eine naive Liebesgeschichte in Virginia und ein bis zum Kriegsgericht reichender Prinzipienkampf; die zweite Hälfte ist eine der erschütterndsten Schlachtsequenzen des Kriegskinos. Gibson zeigt das Grauen der Front ungeschönt und verwandelt zugleich jede Rettung des mitten in dieser Gewalt unbewaffnet umhergehenden Doss mit dem Gebet „Herr, noch einen" geradezu in einen geistlichen Widerstand. Das in den Kategorien Schnitt und Tonmischung mit zwei Oscars ausgezeichnete Werk bietet eine der außergewöhnlichsten Definitionen von Mut: ein Held zu sein, indem man das Töten verweigert.
23. Dallas Buyers Club (2013)
7.9/10 2013 9124Der von Jean-Marc Vallée inszenierte Film ist die wahre Geschichte des texanischen Elektrikers und Rodeoreiters Ron Woodroof, dem 1985 AIDS diagnostiziert und noch 30 Tage Leben prognostiziert wurden und der mit einem „Mitgliederclub", für den er in den USA nicht zugelassene Medikamente aus dem Ausland beschaffte, sowohl sein eigenes Leben um Jahre verlängerte als auch gegen das System kämpfte. Matthew McConaughey gewann den Oscar als bester Hauptdarsteller mit der körperlichen Verwandlung, für die er über 20 Kilo abnahm, und der Charakterreise, auf der er die Vorurteile eines homophoben Provinzlers Schritt für Schritt abträgt; auch Jared Leto, der die Transfrau und Geschäftspartnerin Rayon verkörpert, erhielt den Oscar als bester Nebendarsteller. Der in nur 25 Tagen und mit äußerst knappem Budget gedrehte Film – dass das Make-up-Budget nur 250 Dollar betrug und er dennoch in dieser Kategorie den Oscar gewann, gehört zu den berühmten Anekdoten der Produktionsgeschichte – wurde zum Beweis, dass das unabhängige Kino das Unmögliche schaffen kann. Vallées uneingreifende, überwiegend mit Handkamera geführte Erzählweise sorgt dafür, dass die Geschichte hart und ehrlich bleibt, ohne in Sentimentalität abzugleiten. Ein Werk, das seine Aktualität in jeder Phase behält, in der der Lebenswille mit der Bürokratie zusammenprallt.
Wahre Geschichten aus der Sportgeschichte
24. Die Kunst zu gewinnen – Moneyball (2011)
7.3/10 2011 5832Der von Bennett Miller inszenierte Film wurde aus dem bahnbrechenden Buch von Michael Lewis mit der gemeinsamen Adaption zweier Drehbuchgrößen wie Aaron Sorkin und Steven Zaillian auf die Leinwand gebracht. Die Geschichte erzählt, wie Billy Beane, der General Manager der Oakland Athletics, deren Budget in der Saison 2002 nur ein Drittel dessen reicher Clubs betrug, bei der Spielerauswahl die etablierte Beobachtertradition verwarf und sich der statistischen Analyse zuwandte und mit dieser Entscheidung die jahrhundertealten Regeln des Baseballs erschütterte. Brad Pitt bietet eine oscarnominierte, reife Leistung, die Beanes Ehrgeiz und Wunden trägt, dessen eigene Spielerkarriere im Fiasko endete; während Jonah Hill in der Rolle des Wirtschaftsabsolventen und Analysten Peter Brand mit dieser Rolle, in der er sein dramatisches Können bewies, seine erste Oscar-Nominierung erhielt. Der Film dreht die Schablonen des Sportkinos klug um: Die Siegesmomente werden nicht auf dem Feld erlebt, sondern bei den Telefonaten zum Spielertausch und vor den Datentabellen. Die in die Geschichte eingegangene 20-Spiele-Siegesserie der Athletics liefert das emotionale Gegengewicht zu dieser intellektuellen Erzählung mehr als reichlich. Jenseits des Sports der Film eines Kampfes gegen alle, die sagen „So wurde es immer gemacht".
25. Le Mans 66 – Gegen jede Chance / Ford v Ferrari (2019)
8.0/10 2019 9074Der von James Mangold inszenierte Film behandelt das legendäre Projekt, das Ford in den 1960ern startete, um das seine Vorherrschaft niemandem überlassende Ferrari beim 24-Stunden-Rennen von Le Mans zu besiegen. Die Partnerschaft zwischen dem von Matt Damon in der Rolle des Designers Carroll Shelby und dem von Christian Bale verkörperten mürrischen, aber genialen Testfahrer Ken Miles – und ihre zeitweise buchstäblich handgreiflichen Auseinandersetzungen – fungiert als Motor des Films; Bale erntete mit seiner Leistung, die Miles' britischen Akzent, seine Familienverbundenheit und sein Genie am Steuer vereint, große Anerkennung der Kritiker. Mangold zog es vor, die Rennsequenzen statt sie in Computereffekten zu ertränken mit echten Fahrzeugen und echter Geschwindigkeit zu drehen; die regnerischen Nachtabschnitte des Le Mans von 1966 werden zu den Gipfelmomenten des Motorsportkinos gezählt. Doch der eigentliche Konflikt des Films liegt nicht auf der Strecke, sondern in den Korporationsfluren: Der Kampf zwischen der Ingenieursleidenschaft und dem Firmenego mündet mit der umstrittenen Foto-Finish-Entscheidung im Finale in eine bittere Realität. Das in den Kategorien Schnitt und Tonschnitt mit zwei Oscars ausgezeichnete Werk ist eine Meisterschaftsdemonstration, die selbst jene, die nichts von Motorengeräuschen verstehen, zweieinhalb Stunden lang an den Sitz fesselt.
26. Rush – Alles für den Sieg (2013)
7.7/10 2013 7887Der von Ron Howard inszenierte Film erzählt eine der größten Rivalitäten der Formel-1-Geschichte – den Meisterschaftskampf zwischen dem charismatischen Briten James Hunt und dem methodischen Österreicher Niki Lauda in der Saison 1976 – mit dem scharfen Drehbuch von Peter Morgan. Chris Hemsworth trägt Hunts ungestümen Lebensstil und sein natürliches Charisma; Daniel Brühl erhielt mit seiner Leistung, in der er Laudas kühne Berechnung und kompromisslose Disziplin verkörpert, Nominierungen für den Golden Globe und den BAFTA. Die Achse des Films ist Laudas fürchterlicher Unfall am Nürburgring, der sein Gesicht lebenslang vernarbt zurückließ; dass der Pilot trotz des Grauens seiner Verbrennungsbehandlung schon nach nur 42 Tagen wieder ans Steuer ging, prägt den Film als eine der außergewöhnlichsten Rückkehren der Sportgeschichte. Statt die beiden Piloten in die Held-Rivale-Schablone zu zwängen, behandelt Howard sie als zwei einander bedingende, gegensätzliche Lebensphilosophien; das Hangar-Gespräch im Finale ist eine elegante Zusammenfassung dieser respektvollen Feindschaft. Der Film, der die Physikalität der Rennszenen und die Charaktertiefe mit gleicher Meisterschaft ausbalanciert, gilt als eines der besten je über den Motorsport gedrehten Werke.
27. The Fighter (2010)
7.4/10 2010 4746Der von David O. Russell inszenierte Film erzählt die wahre Geschichte des Boxers Micky Ward aus der Arbeiterstadt Lowell in Massachusetts, der aus dem Schatten seiner ihn zugleich nährenden und erstickenden Familie heraustritt und nach der Meisterschaft greift. Um den von Mark Wahlberg verkörperten stillen und geduldigen Micky herum tobt der eigentliche Sturm des Films: Christian Bale in der Rolle des einst „Stolz von Lowell", jetzt aber mit Drogensucht kämpfenden Halbbruders und Trainers Dicky Eklund gewann mit seinem Gewichtsverlust und seiner erschütternden körperlichen Verwandlung den Oscar als bester Nebendarsteller. Während Melissa Leo in der Rolle der eisernen Managerin-Mutter der Familie in derselben Nacht ebenfalls mit einem Oscar ausgezeichnet wurde, erhielt Amy Adams, die Mickys Freundin spielt, eine Nominierung. Mit diesem geballten Erfolg in den Schauspielkategorien besitzt der Film eine der stärksten Ensembleleistungen des Genres. Russell dreht die Boxszenen in der Fernseh-Übertragungsästhetik der Zeit und verleiht den Kämpfen so eine Archivbild-Authentizität. Doch der eigentliche Ring des Films ist das häusliche Umfeld: Die Momente, in denen Liebe zu Besitzergreifen und das Familienband zur Fessel wird, sind härter als jeder Schlag. Die Geschichte der echten Brüder Ward und Eklund wird im Abspann mit ihren eigenen Aufnahmen gekrönt.
28. Cinderella Man – Das Comeback (2005)
7.6/10 2005 2437Der von Ron Howard inszenierte Film ist die wahre Geschichte des Boxers James J. Braddock, dessen Karriere und Hand in der Großen Depression von 1929 gebrochen wurden und der, um seine Familie zu ernähren, zur Hafenarbeit zurückkehrte und mit einem Comeback, das ihm niemand zutraute, nach der Schwergewichts-Weltmeisterschaft griff. Russell Crowe verwandelt die Figur mit seiner Braddocks Freundlichkeit und stille Würde ins Zentrum stellenden Leistung von einem Sporthelden zum Repräsentanten der unterdrückten Millionen der Zeit; Renée Zellweger in der Rolle der Frau Mae und Paul Giamatti in der Rolle des mit einer Oscar-Nominierung ausgezeichneten Managers Joe Gould sind die emotionalen Stützbalken der Geschichte. Howard rekonstruiert das New Jersey der Depressionszeit – die Häuser mit abgestelltem Strom, die Hilfsschlangen, die im Hafen auf Arbeit wartenden Menschenmengen – mit einem akribischen Zeitdesign; reale Details wie dass Braddock die erhaltene Sozialhilfe nach der Meisterschaft dem Staat zurückgab, sind authentische Berührungen, die die Legende der Figur nähren. Als der Gegner im Finalkampf Max Baer ist, dem der Tod zweier Gegner im Ring angelastet wurde, verwandelt sich der Kampf von einem Titelkampf in einen Überlebenskampf. Die würdig erzählte Geschichte eines Mannes, den ein Volk im Zeitalter größter Hoffnungslosigkeit zu seinem Banner machte.
29. Coach Carter (2005)
7.6/10 2005 3322Der von Thomas Carter inszenierte Film beruht auf einem 1999 in der Stadt Richmond in Kalifornien geschehenen und in die nationale Presse gelangten Ereignis: Der Highschool-Basketballtrainer Ken Carter legte, als die Schulnoten seines ungeschlagenen Teams unter das im Vertrag festgelegte Niveau fielen, die Sporthalle in Ketten, stoppte die Saison und schickte seine Spieler in die Bibliothek. Samuel L. Jackson trägt in einer der beliebtesten dramatischen Leistungen seiner Karriere Carters kompromisslose Disziplin und den darunter liegenden tiefen Glauben mit großer Würde. Während der Film die Motivationsschablonen des Sportkinos nutzt, behandelt er im Hintergrund eine weit härtere Realität: dass in einem System, in dem für die Jugendlichen des Viertels die Wahrscheinlichkeit, ins Gefängnis zu kommen, höher ist als die, zur Uni zu gehen, das Gewinnen eines Spiels allein nichts ändert. Die Passage „Unsere tiefste Angst ist nicht, dass wir unzulänglich sind", die einer der Spieler in der Halle aufstehend vorliest, hat sich als emotionaler Höhepunkt des Films eingeprägt. Eines der prinzipientreuesten Beispiele seines Genres, in dem der Sieg nicht auf der Anzeigetafel, sondern auf der Abschlussliste gesucht wird.
30. Blind Side – Die große Chance / The Blind Side (2009)
7.7/10 2009 6875Der von John Lee Hancock inszenierte Film erzählt die Reise von Michael Oher, der zwischen Obdachlosigkeit und Pflegefamiliensystem hin- und hergeworfen wird und nach seiner Adoption durch die Familie Tuohy zur Professionalität im American Football gelangt. Sandra Bullock gewann mit der Rolle der entschlossenen Mutter Leigh Anne Tuohy den Oscar als beste Hauptdarstellerin; die südstaatliche Direktheit und die vor niemandem zurückschreckende Beschützerhaltung der Figur gelten als ikonischste dramatische Leistung in Bullocks Karriere. Während der Film aus dem von Michael Lewis verfassten Werk adaptiert wird, verwandelt er auch ein taktisches Detail des Sports in die Metapher der Geschichte: Ohers Position, der Left Tackle, ist verpflichtet, den „toten Winkel" zu schützen, den der Quarterback nicht sehen kann; auch der Film ist auf das Sehen des Unsichtbaren gebaut. Das an den Kassen die Rekorde seines Genres brechende Werk wurde Jahre später erneut diskutiert, als der echte Oher den Rechtsstreit zwischen sich und der Familie öffentlich machte; diese Entwicklung ist eine aktuelle Lektion über die heikle Balance zwischen Erzählung und Realität bei „Wahre Geschichte"-Adaptionen. Dennoch behält die Spur, die der Film bei Millionen Zuschauern hinterlassen hat, ihren Platz.
Musik und Bühne
31. Walk the Line (2005)
7.5/10 2005 3154Der von James Mangold inszenierte Film erzählt die Reise der Country-Musik-Legende Johnny Cash von seiner armen Kindheit in Arkansas bis zu seinem historischen Konzert im Folsom-Gefängnis und seine über ein Jahrzehnt reichende, wechselvolle Geschichte mit der Liebe seines Lebens, June Carter. Die bemerkenswerteste Leistung von Joaquin Phoenix und Reese Witherspoon ist, dass sie alle Lieder des Films ohne Playback, mit eigener Stimme und live singen; als Gegenleistung für das monatelange Gesangs- und Instrumentaltraining kam Phoenix jenem tiefen Bariton Cashs verblüffend nahe, während Witherspoon June Carter mit ihrer Bühnenenergie geradezu neu erschuf und mit dieser Leistung den Oscar als beste Hauptdarstellerin gewann. Während Mangold die bekannten Stationen der biografischen Erzählung – Sucht, Absturz, Wiedergeburt – verfolgt, platziert er das Herz der Geschichte in das gegenseitige Heilen zweier Menschen über die Jahre. Das Folsom-Konzert, das Cashs Karriere definiert, wird meisterhaft als Eröffnungs- und Schlussrahmen des Films genutzt. Statt die Legende des „Man in Black" zu nähren, sucht der Film seinen Menschen; eines der als Maßstab geltenden Beispiele seines Genres.
32. Bohemian Rhapsody (2018)
8.0/10 2018 17836Der Film, der die Geschichte von Queen und Freddie Mercury erzählt, definierte biografische Musikproduktionen mit Kassenrekorden neu und setzte sich mit einem weltweiten Einspielergebnis von über 900 Millionen Dollar an die Spitze seines Genres. Rami Malek gewann den Oscar als bester Hauptdarsteller, indem er Mercurys Bühnenpräsenz, seine Verletzlichkeit und seine grenzenlose Künstleridentität mit großer Hingabe verkörperte. Es ist bekannt, dass er monatelang mit Zahnprothesen probte und die Archivaufnahmen des Sängers Bild für Bild studierte. Der Höhepunkt des Films ist die nahezu in Echtzeit und vom Bühnenbild bis zu den Kamerawinkeln originalgetreue Nachstellung des Live-Aid-Konzerts von 1985; die Leinwandentsprechung dieser als die größten 20 Minuten der Rockgeschichte geltenden Darbietung wurde in den Sälen mit Applaus verfolgt. Das unter der Beratung der lebenden Bandmitglieder Brian May und Roger Taylor entstandene Werk erhielt trotz Kritik an seinen chronologischen Freiheiten insgesamt 4 Oscars, darunter in den Kategorien Schnitt und Ton. Der eigentliche Erfolg des Films ist vielleicht dieser: dass er nach dem Abspann Millionen neuer Hörer zum Queen-Katalog führte und eine Legende an neue Generationen weitergab. Die Zahl der Zuschauer, die reglos sitzen bleiben können, während „We Are the Champions" ansteigt, ist recht begrenzt.
33. Green Book – Eine besondere Freundschaft (2018)
8.2/10 2018 12968Das von Peter Farrelly inszenierte und mit dem Oscar als bester Film ausgezeichnete Werk erzählt die 1962 beginnende echte Freundschaft, als der weltberühmte schwarze Pianist Dr. Don Shirley für seine Konzerttournee durch die Südstaaten, in denen die Diskriminierung am härtesten war, den italienischstämmigen Nachtclub-Türsteher Tony Lip als Fahrer und Leibwächter engagiert. Der Name des Films stammt von dem echten Reiseführer der Zeit, der für schwarze Reisende sichere Orte auflistete. Mahershala Ali gewann mit seiner Leistung, die Shirleys künstlerische Eleganz und die Einsamkeit, keiner Welt ganz anzugehören, vereint, seinen zweiten Oscar als bester Nebendarsteller; während Viggo Mortensen mit der Rolle des schlemmerfreudigen, geradeheraus sprechenden Tony, in die er durch Zunehmen schlüpfte, eine Nominierung erhielt. Dass einer der Co-Autoren des Drehbuchs Nick Vallelonga, der Sohn des echten Tony Lip, ist, verleiht den unterwegs erlebten Anekdoten – besonders den im Auto diktierten Liebesbriefen – eine Authentizität aus erster Hand. Der Film gewann mit seiner Wahl, ein schweres historisches Thema mit der Wärme eines Roadmovies und feinem Humor zu behandeln, sowohl große Publikumsliebe als auch kritische Debatten. Sicher ist: Die Chemie zwischen den beiden Hauptdarstellern schuf eine der am besten auf die Leinwand gebrachten Freundschaften der letzten Jahre.
34. Rocketman (2019)
7.3/10 2019 5019Der von Dexter Fletcher inszenierte Film zeigt den Mut, die Geschichte von Elton John nicht mit den traditionellen Biografie-Mustern, sondern als ein auf der Musik des Künstlers selbst aufgebautes fantastisches Musical zu erzählen. Die Lieder werden nicht in chronologischer Reihenfolge, sondern nach ihrer emotionalen Funktion eingesetzt, und die Figuren heben bei Gelegenheit ab und lösen sich tanzend von der Realität. Taron Egerton sang alle Lieder des Films mit eigener Stimme – eine von Elton John selbst gebilligte Wahl, die zum meistgelobten Aspekt des Werks wurde. Er verkörperte die Verwandlung von Reginald Dwight, einem schüchternen Provinzkind, zum größten Bühnenstar der Welt und gewann mit dieser Leistung einen Golden Globe. Der Film behandelt die Suchtprobleme des Künstlers, seine Identität und seine lieblose Kindheit ungeschönt; dass die Geschichte in Rückblenden aus einer Gruppentherapie in einer Reha-Einrichtung erzählt wird, ist ein kluger Rahmen, der die Wunden unter all dem Glanz sichtbar macht. Das mit „I'm Still Standing" kommende Finale verwandelt die gesamte emotionale Last des Films in einen Triumph, als eine Art Erlösungserklärung. Das zur selben Zeit wie Bohemian Rhapsody erschienene Werk bewies, dass ein experimentellerer und ehrlicherer Weg für Musikbiografien möglich ist; ein Kinoerlebnis, so bunt wie Elton Johns Bühnenkostüme und so emotional wie seine Lieder.
Wo soll man anfangen?
- Wenn deine Spannungsdosis hoch ist: Argo, Zodiac und nach Captain Phillips: Spotlight
- Wenn du eine inspirierende Geschichte suchst: Hidden Figures, The King's Speech, Coach Carter
- Wenn dich Finanzen und Skandale interessieren: The Big Short, The Wolf of Wall Street, The Social Network
- Wenn du ein Sportfan bist: Le Mans 66, Rush, Moneyball
- Wenn du eine Reise mit Musik machen willst: Bohemian Rhapsody, Rocketman, Walk the Line
Die Kraft wahrer Geschichten im Kino kommt aus jenem unsichtbaren Gewicht, das die Information „das ist wirklich passiert" jeder Szene hinzufügt. Zusammen mit den anderen wahren Geschichten in unseren Listen der Überlebensfilme und Dramafilme werden diese Werke deine Watchlist lange gefüllt halten.
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