Las mejores películas de drama: obras maestras que marcaron la historia del cine
El drama es el corazón del cine. Más que un género, es en realidad la razón de ser del cine: retratar al ser humano. En esta lista hemos reunido las historias más poderosas de esperanza, pérdida, amistad, injusticia y de volver a levantarse. Desde los clásicos de Hollywood hasta las obras maestras modernas del cine coreano, iraní, francés y libanés, esta lista de películas reúne títulos que obtuvieron la máxima nota de la crítica y que llevan años ocupando un lugar en el corazón del público. Muchas coronadas con el Óscar, estas películas comparten una sola cosa: siguen viviendo dentro de ti mucho después de que terminen los créditos.
1. The Shawshank Redemption – Cadena perpetua (1994)
8.7/10 1994 30689Adaptada por Frank Darabont a partir de la novela corta de Stephen King, la película lleva años en el número uno de la lista de todos los tiempos de IMDb; pero, curiosamente, fracasó en taquilla cuando se estrenó. Condenado a cadena perpetua por un asesinato que no cometió, el banquero Andy Dufresne (Tim Robbins) pasa veinte años en la prisión de Shawshank, y lo vemos todo a través de los ojos de Red (Morgan Freeman), el hombre "que consigue cualquier cosa" de la cárcel. La voz en off de Freeman está considerada una de las más icónicas de la historia del cine. Nominada a 7 Óscar y sin ganar ninguno, la película obtuvo su justicia con los años de la mano del público, extendiéndose de boca en boca hasta convertirse en película de culto. Es el primer título que viene a la mente cuando se dice "la película más hermosa jamás hecha sobre la esperanza"; la frase "La esperanza es algo bueno, quizá lo mejor de todo" no se volvió legendaria por casualidad.
2. Forrest Gump (1994)
8.5/10 1994 29915Dirigida por Robert Zemeckis, la película le dio a Tom Hanks su segundo Óscar consecutivo, una hazaña que muy pocos actores han logrado en la historia del cine. Vemos treinta años de historia de Estados Unidos a través de los ojos de Forrest, de bajo coeficiente intelectual pero corazón de oro: la guerra de Vietnam, el Watergate, Elvis, John Lennon... Con los efectos visuales revolucionarios de la época, Zemeckis insertó a Hanks en imágenes de archivo reales, colocando a Forrest justo en medio de la historia. El teniente Dan, interpretado por Gary Sinise, y la Jenny de Robin Wright completan la columna emocional de la película. Ganadora de 6 Óscar en total, quedó grabada en la cultura popular con la frase "La vida es como una caja de bombones". Una fábula moderna sobre el poder de la bondad pura, que revela una nueva capa en cada visionado.
3. The Green Mile – La milla verde (1999)
8.5/10 1999 19393Cinco años después de Cadena perpetua, Frank Darabont volvió con otra adaptación de Stephen King, de nuevo una historia carcelaria, y de nuevo firmó una película inolvidable. Ambientada en un corredor de la muerte en 1935, la historia narra el vínculo entre John Coffey, de cuerpo gigantesco pero alma de niño, acusado de asesinar a dos niñas, y el guardia Paul Edgecomb (Tom Hanks). En el papel de Coffey, Michael Clarke Duncan logró una nominación al Óscar y ofreció la interpretación de su carrera. Pese a sus toques sobrenaturales, en el fondo es un drama estremecedor sobre la inocencia, la conciencia y el sistema judicial. Sin decaer ni un instante pese a sus tres horas de duración, es famosa por hacer llorar hasta al espectador más duro con su desenlace. Quizá la número uno de la categoría "no se ve sin pañuelos".
4. Schindler's List – La lista de Schindler (1993)
8.6/10 1993 17576La cima de la carrera de Steven Spielberg y una de las películas más importantes de la historia del cine. La historia real del empresario alemán Oskar Schindler, que salvó del Holocausto a más de 1.100 judíos empleándolos en su fábrica durante la Segunda Guerra Mundial. Frente a Schindler, interpretado por Liam Neeson, está el comandante del campo Amon Göth, al que da vida Ralph Fiennes, uno de los villanos reales más aterradores de la historia del cine; mientras que el contable Itzhak Stern de Ben Kingsley es la conciencia silenciosa de la película. Spielberg rodó la película en blanco y negro y convirtió su único toque de color —la niña del abrigo rojo— en una de las metáforas visuales más poderosas de la historia del cine. El director no cobró nada por la película; destinó sus ganancias a la Fundación Shoah, que registra los testimonios de las víctimas del Holocausto. Ganadora de 7 Óscar, grabó en la pantalla la frase "Quien salva una vida, salva al mundo entero".
5. The Pianist – El pianista (2002)
8.4/10 2002 10193Dirigida por Roman Polanski, la película es la historia real de la lucha del pianista judío polaco Władysław Szpilman por sobrevivir al gueto de Varsovia, y una obra profundamente personal para Polanski, cuya propia infancia transcurrió en el gueto de Cracovia. Adrien Brody perdió peso para el papel, vendió su apartamento y su coche, apagó su teléfono y practicó el piano durante meses; a cambio pasó a la historia como el ganador más joven del Óscar al mejor actor, a los 29 años. La película muestra la guerra no desde el frente, sino a través de los ojos de un solo hombre, desde las ventanas de los edificios en ruinas donde se esconde. Esa escena del piano ante el oficial alemán es uno de esos momentos en que la música es la última palabra sobre la humanidad. Ganadora de la Palma de Oro en Cannes, la película también le dio a Polanski el Óscar al mejor director.
6. La vita è bella – La vida es bella (1997)
8.4/10 1997 14059Dirigida y protagonizada por Roberto Benigni, esta obra maestra italiana logra el equilibrio más audaz del cine: empieza como una comedia en medio del Holocausto... y te rompe el corazón como un drama. Cuando el librero judío Guido es enviado a un campo de concentración con su mujer y su hijo pequeño, construye una enorme mentira para proteger al niño del horror, diciéndole que todo es un gran juego cuyo premio es un tanque de verdad. La dulzura de la historia de amor de la primera mitad es una elección genial que hace soportable el peso de la segunda. Cuando Benigni ganó el Óscar al mejor actor, saltó por encima de las butacas y corrió al escenario, creando uno de los momentos más inolvidables de la historia de los Óscar; la película ganó 3 estatuillas en total. Una de las películas más hermosas jamás hechas sobre la paternidad.
7. The Godfather – El padrino (1972)
8.7/10 1972 23112Adaptada por Francis Ford Coppola de la novela de Mario Puzo, la película es una de las cumbres no solo del cine criminal, sino de toda la historia del cine. Sigue el imperio del jefe de la familia Corleone, Don Vito (Marlon Brando), y el declive paso a paso del hijo menor y héroe de guerra Michael (Al Pacino) mientras intenta mantenerse alejado de los negocios familiares. En el fondo, la película no es una historia de mafia; es una tragedia shakespeariana sobre la familia, la lealtad, el poder y un hombre que pierde su alma. El Don Vito que Brando creó con sus mejillas rellenas de algodón se convirtió en el personaje más imitado de la historia del cine; el actor rechazó el Óscar que ganó en protesta por la representación de los nativos americanos en Hollywood. Una película para la que el estudio inicialmente no quería ni a Brando ni a Pacino ganó 3 Óscar e introdujo en el idioma del mundo la frase "una oferta que no podrá rechazar".
8. One Flew Over the Cuckoo's Nest – Alguien voló sobre el nido del cuco (1975)
8.4/10 1975 11524Adaptada por Miloš Forman de la novela de Ken Kesey, la película es una de las tres únicas que han ganado los "cinco grandes" de los Óscar (película, director, actor, actriz, guion). Fingiendo estar loco para salir de la cárcel e internado en un hospital psiquiátrico, McMurphy (Jack Nicholson) inicia una rebelión por la libertad contra el orden mecánico de la enfermera de puño de hierro Ratched (Louise Fletcher). La interpretación más icónica de la carrera de Nicholson, y la Ratched que Fletcher interpretó con gélida calma, está considerada una de las mayores villanas de la historia del cine. Forman rodó la película en un hospital psiquiátrico real de Oregón; el director del hospital participó en la película y algunos pacientes reales fueron usados como figurantes. Una historia de rebeldía sobre cómo el sistema tritura al individuo, que no ha perdido nada de su fuerza.
9. American History X (1998)
8.3/10 1998 12651Dirigida por Tony Kaye, la película es una de las declaraciones más duras del cine sobre cómo se aprende el odio y lo difícil que es abandonarlo. La transformación que el líder neonazi Derek Vinyard sufre en prisión, y su esfuerzo por sacar a su hermano pequeño (Edward Furlong) del mismo pantano una vez que sale, se narra entrelazada con escenas del pasado en blanco y negro. Edward Norton logró una nominación al Óscar con la transformación física de ganar 13 kilos de músculo para el papel y su aterrador carisma; su aspecto en la escena del baloncesto y en la célebre escena del bordillo quedó grabado en la memoria del cine. Aunque la pelea entre el director y el estudio por el montaje de la película pasó a la historia, el resultado es indiscutiblemente poderoso. Resumida en la frase "El odio es una carga", es una de esas obras que cada generación debería volver a ver.
10. Good Will Hunting – El indomable Will Hunting (1997)
8.2/10 1997 13943Dirigida por Gus Van Sant, la película se convirtió en un cuento de hadas de Hollywood cuando sus dos amigos —entonces todavía veinteañeros— Matt Damon y Ben Affleck ganaron el Óscar al mejor guion original por el guion que escribieron juntos. Trabajando como conserje en el MIT, el genio de las matemáticas Will Hunting empieza a abrir las puertas que ha cerrado al mundo solo gracias al terapeuta Sean Maguire (Robin Williams). Williams ganó el único Óscar de su carrera con su papel secundario en esta película; su monólogo en el banco del parque y la escena de "No es culpa tuya" están entre los momentos más conmovedores de la historia del cine. En algunas escenas Williams improvisó, y las risas de Damon son completamente reales: el equipo detrás de la cámara apenas pudo terminar la escena de la risa. La historia no del genio, sino de permitirse ser amado.
11. Dead Poets Society – El club de los poetas muertos (1989)
8.3/10 1989 12688Dirigida por Peter Weir, la película cuenta la historia del profesor de literatura John Keating, que llega a un estricto internado masculino y enseña a sus alumnos la poesía y a encontrar su propia voz. Dejando atrás su identidad de cómico para demostrar su profundidad dramática, Robin Williams logró una nominación al Óscar. "Carpe Diem — aprovecha el día" y "Oh Capitán, mi Capitán" se convirtieron en lemas de vida en todo el mundo gracias a esta película; la escena de subirse a los pupitres es uno de los finales más citados de la historia del cine. Con un joven Ethan Hawke y Robert Sean Leonard en el reparto, la película ganó el Óscar al mejor guion original. Una obra que muestra que la educación no es memorización sino inspiración, sigue siendo el primer nombre que viene a la mente cuando se habla de películas sobre profesores, pese a todos los años transcurridos.
12. A Beautiful Mind – Una mente maravillosa (2001)
7.9/10 2001 11138Dirigida por Ron Howard, la película se adaptó de la historia real del matemático John Nash, ganador del Nobel por sus aportaciones a la teoría de juegos. Mientras la carrera del genio brillante pero solitario de Princeton asciende, su mente empieza a jugar uno de los juegos más impactantes de la historia del cine; ese momento de quiebre en mitad de la película sigue siendo una gran sorpresa para quien la ve por primera vez. Mientras la interpretación de Russell Crowe, que lleva a Nash de la juventud a la vejez, cosechó grandes elogios, su esposa Alicia, interpretada por Jennifer Connelly, ganó el Óscar a la mejor actriz de reparto. La película se llevó 4 Óscar, incluidos mejor película y mejor director. Contando la vida con una enfermedad mental sin romantizarla pero sin abandonar la esperanza, se recuerda por su final basado en "las ecuaciones no de la lógica, sino del corazón".
13. The Pursuit of Happyness – En busca de la felicidad (2006)
7.9/10 2006 10651Dirigida por Gabriele Muccino, la película es la historia real del corredor de bolsa Chris Gardner, que logró aferrarse a la vida junto a su hijo pequeño pese a quedarse sin hogar en el San Francisco de los años 80. Lo más especial de la interpretación nominada al Óscar de Will Smith es que a su hijo en la película lo interpreta su hijo real Jaden Smith; por eso la química entre padre e hijo es tan auténtica. Esa noche pasada en un baño quedó grabada como una de las escenas más desgarradoras de la historia del cine. El verdadero Chris Gardner aparece en pantalla en un breve cameo al final de la película. La historia que va de unas prácticas no remuneradas a una empresa millonaria está entre los relatos más crueles y a la vez más esperanzadores del sueño americano; la frase "Si tienes un sueño, tienes que protegerlo" lleva años sin bajarse de las paredes de motivación.
14. Million Dollar Baby (2004)
8.0/10 2004 10406Dirigida y protagonizada por Clint Eastwood, la película empieza como una película de boxeo pero evoluciona hacia un lugar completamente distinto, atrapando al espectador desprevenido como un drama. Sin nada que perder en la vida, la camarera de 31 años Maggie Fitzgerald insiste en la puerta del gruñón entrenador Frankie Dunn hasta que consigue que la acepte en el ring. Hilary Swank ganó una considerable masa muscular entrenando boxeo y pesas durante meses para el papel y se llevó su segundo Óscar; Morgan Freeman, que interpreta al veterano del gimnasio Scrap, ganó el primer Óscar de su carrera con esta película. Con 4 Óscar, incluidos mejor película y mejor director, la película pasa de ser una cinta de boxeo a un drama existencial en su segunda mitad con las duras preguntas que plantea. El momento en que aprendes el significado de "Mo cuishle" es el momento en que jamás olvidarás la película.
15. Whiplash (2014)
8.4/10 2014 16736Escrita por Damien Chazelle a partir de su propia experiencia en el conservatorio, la película es un duelo psicológico sobre a qué se puede renunciar en aras de la perfección. El joven baterista de jazz Andrew Neiman entra en la orquesta del legendario profesor Terence Fletcher, que lleva a sus alumnos a sus límites con terror psicológico en la escuela de música más prestigiosa del país. La aterradora interpretación de Fletcher por J.K. Simmons, identificada con la frase "No es mi tempo", le valió el Óscar al mejor actor de reparto. Miles Teller tocó realmente la batería en la mayoría de las escenas; sus manos sangraron de verdad. Rodada en solo 19 días, la película ganó 3 Óscar. Ese último solo de batería en la escena final es uno de los cierres más tensos y satisfactorios de la historia del cine, dejando sin respuesta la pregunta "¿grandeza o felicidad?".
16. 12 Years a Slave – 12 años de esclavitud (2013)
7.9/10 2013 12041Dirigida por Steve McQueen, la película se basa en las memorias reales, escritas de su puño y letra, de Solomon Northup, un hombre libre secuestrado y vendido como esclavo en 1841. Solomon (Chiwetel Ejiofor), un violinista que vive con su familia en Nueva York, despertando una mañana encadenado e intentando sobrevivir durante 12 años enterrando su identidad en su interior, está considerada la película más honesta jamás hecha sobre la esclavitud. El dueño de la plantación Epps, interpretado por Michael Fassbender, es el rostro humano del horror; y Lupita Nyong'o, en el papel de la joven esclava Patsey, ganó el Óscar a la mejor actriz de reparto con su primera película. Los largos planos de McQueen, rodados sin cortar, no le dan al espectador permiso para apartar la mirada. Ganadora del Óscar a la mejor película, abre las páginas de la historia que deben afrontarse, con el poder del cine.
17. The Departed – Infiltrados (2006)
8.2/10 2006 16294La película que por fin le dio a Martin Scorsese el primer Óscar al mejor director de su carrera, y además con 4 Óscar, incluida mejor película. Adaptación de la producción hongkonesa Infernal Affairs, la historia narra la búsqueda mutua entre un topo de la mafia infiltrado en la policía de Boston (Matt Damon) y un informante policial infiltrado en la mafia (Leonardo DiCaprio). El jefe mafioso Frank Costello, interpretado por Jack Nicholson, se convirtió en el último gran villano de la carrera del actor; Mark Wahlberg también logró una nominación al Óscar por su papel de detective de lengua afilada. Cuando el ritmo de Scorsese se une a los temas de la traición y la identidad, el resultado es un drama mucho más profundo que el cine criminal, que pregunta "¿qué determina quiénes somos?". Quien haya visto la escena del ascensor lo sabe: en esta película nadie está a salvo.
18. There Will Be Blood – Pozos de ambición (2007)
8.1/10 2007 7506Adaptada libremente por Paul Thomas Anderson de la novela "¡Petróleo!" de Upton Sinclair, la película es una epopeya oscura que narra el nacimiento del capitalismo estadounidense a través de la ambición de un solo hombre. El petrolero Daniel Plainview, interpretado por Daniel Day-Lewis, es uno de los personajes más fascinantes y aterradores de la historia del cine; el actor ganó su segundo Óscar con esta interpretación, considerada la cima del método. Su lucha de poder con el joven predicador Eli, interpretado por Paul Dano, es una alegoría del enfrentamiento milenario entre la religión y el dinero. La inquietante banda sonora de Jonny Greenwood, de Radiohead, lleva la tensión a otra dimensión. El arranque de 15 minutos sin diálogos y el final del "¡Me bebo tu batido!" están entre los momentos más comentados del cine moderno.
19. No Country for Old Men – No es país para viejos (2007)
8.0/10 2007 13417Adaptada por los hermanos Coen de la novela de Cormac McCarthy, la película es un clásico moderno que ganó 4 Óscar, incluida mejor película. En el desierto de Texas, el cazador Llewelyn Moss (Josh Brolin), al encontrar 2 millones de dólares en mitad de un trato de drogas que ha salido mal, es perseguido en cuanto toma el dinero por el asesino más aterrador de la historia del cine: el Anton Chigurh de Javier Bardem, que ganó un Óscar y deambula como la muerte misma con ese flequillo y esa pistola de aire comprimido. La escena de la gasolinera en la que hace jugar una moneda a cara o cruz es una de las más tensas jamás construidas con un solo diálogo. El viejo sheriff interpretado por Tommy Lee Jones es la voz de una conciencia incapaz de seguir el ritmo de un mundo que cambia y pierde su sentido. Sin apenas música, la película convierte el silencio en un instrumento de tensión. Una obra maestra debatida durante años, que cuenta que el mal no tiene lógica, con su final sin respuesta.
20. Requiem for a Dream – Réquiem por un sueño (2000)
8.0/10 2000 11051Adaptada por Darren Aronofsky de la novela de Hubert Selby Jr., la película es recordada como la obra más estremecedora jamás hecha sobre la adicción y miembro indiscutible de la categoría "se ve una vez en la vida, nunca se olvida". Asistimos al derrumbe paralelo de cuatro personajes en Brooklyn: Harry (Jared Leto), arrastrado a la heroína, su novia Marion (Jennifer Connelly), su amigo Tyrone y su madre Sara, que se engancha a las pastillas de dieta con el sueño de salir en la televisión. La interpretación nominada al Óscar de Ellen Burstyn, en el papel de Sara Goldfarb, es la capa más desgarradora de la película. Con los cortes rápidos de Aronofsky, las pantallas divididas y la banda sonora "Lux Aeterna" de Clint Mansell —usada después en incontables tráileres—, la película hace sentir al espectador el ciclo de la adicción en su propio cuerpo. No es una película fácil; pero justo de ahí viene su fuerza.
21. Eternal Sunshine of the Spotless Mind – ¡Olvídate de mí! (2004)
8.1/10 2004 16426Dirigida por Michel Gondry, con el guion ganador del Óscar escrito por Charlie Kaufman, la película reescribió las reglas del drama romántico. Tras su ruptura, Clementine (Kate Winslet) hace que una empresa le borre todos los recuerdos de su exnovio Joel (Jim Carrey); Joel decide hacer lo mismo, pero durante el procedimiento, dentro de su mente, empieza a aferrarse a los recuerdos que se están borrando. La interpretación más introvertida de la carrera de Carrey, con su máscara de comedia completamente retirada; y la Clementine de Winslet, que cambia junto con el color de su pelo, fue coronada con una nominación al Óscar. Gondry contó el desmoronamiento de la mente mediante trucos de cámara y diseño de escenografía en lugar de efectos digitales, y esa elección le da a la película una textura de sueño. Una de las películas más honestas jamás hechas sobre el amor, donde incluso quienes dicen "ojalá no nos hubiéramos conocido" acaban diciendo "aun así, valió la pena".
22. Her (2013)
7.8/10 2013 15371Escrita y dirigida por Spike Jonze, que ganó el Óscar al mejor guion original, la película es una historia de amor ambientada en un futuro próximo, donde una de las partes no es humana. En pleno proceso de divorcio, el introvertido Theodore (Joaquin Phoenix) empieza primero a charlar y luego a enamorarse del sistema operativo Samantha. Dando vida a Samantha solo con su voz, Scarlett Johansson crea uno de los personajes más completos de la historia del cine sin aparecer jamás en pantalla. El Los Ángeles de tonos pastel y luz suave de Jonze construye un poema melancólico de soledad en lugar de una distopía tecnológica. Una historia que en 2013 parecía ciencia ficción se vuelve, en la era de la inteligencia artificial, menos ficción y más espejo con cada año que pasa. Sobre vincularse, crecer y saber soltar; sea cual sea su género, la película de amor más conmovedora de los últimos años.
23. Manchester by the Sea (2016)
7.6/10 2016 6436Escrita y dirigida por Kenneth Lonergan, la película es una de esas raras obras donde el duelo se cuenta tal como es, sin barniz de Hollywood. Trabajando como conserje en Boston y evitando a la gente, Lee Chandler vuelve a su pueblo natal con la muerte repentina de su hermano y se ve obligado a asumir la tutela de su sobrino de 16 años; pero este pueblo es también el escenario del pasado con el que nunca pudo enfrentarse. La interpretación de Casey Affleck, que encarna un dolor enterrado que no estalla pero que supura sin cesar, le trajo el Óscar al mejor actor; Michelle Williams, en apenas unas escenas —especialmente ese encuentro en la acera—, puso su peso en la película. Lonergan se llevó su segundo Óscar por el guion. La película rechaza el cliché de "el tiempo lo cura": algunos dolores no pasan, solo aprendemos a vivir con ellos, y por ser una de las raras películas capaces de decir esto es tan valiosa.
24. Moonlight (2016)
7.4/10 2016 7562Dirigida por Barry Jenkins, la película fue objeto del momento más famoso de la historia de los Óscar: minutos después de que se anunciara por error La La Land en el escenario, se reveló que la verdadera ganadora era Moonlight. Pero no fue este accidente lo que hizo histórica la película; fue la historia de identidad y aceptación de Chiron, un niño negro que crece en los barrios pobres de Miami, contada en tres edades distintas con tres actores distintos. En el papel de Juan, el traficante que ejerce de padre para Chiron, Mahershala Ali ganó el Óscar al mejor actor de reparto; la escena de la clase de natación en el mar es el corazón de la película. Rodada con un presupuesto de solo 1,5 millones de dólares, se convirtió en una de las producciones de menor presupuesto en ganar el Óscar a la mejor película. Una historia de crecimiento rodada como poesía, que habla a través de los silencios, las miradas y lo no dicho.
25. Parasite – Parásitos (2019)
8.5/10 2019 20822La película de Bong Joon-ho cambió la historia del cine como la primera producción no anglófona en ganar el Óscar a la mejor película, y ya había obtenido la Palma de Oro en Cannes por unanimidad del jurado. La pobre familia Kim, que vive en un sótano, infiltrándose uno a uno en la lujosa casa de la adinerada familia Park empieza como una comedia; luego la película, cambiando de género una y otra vez, se convierte en una bofetada sin aliento sobre la brecha de clases. Todo el reparto es impecable, encabezado por el actor habitual de Bong, Song Kang-ho; y la casa misma es un personaje por derecho propio a través de su arquitectura: las escaleras que suben y bajan cargan con toda la metáfora de clase de la película. Ganadora de 4 Óscar en total, hizo que el mundo aceptara las palabras "si superas la barrera de un centímetro de los subtítulos, conocerás muchísimas más películas maravillosas".
26. Rain Man (1988)
7.8/10 1988 7141Dirigida por Barry Levinson y ganadora de 4 Óscar, incluida mejor película, es una de las obras más queridas jamás hechas sobre la hermandad. Al enterarse de que la herencia de su padre ha ido a parar a su hermano autista savant Raymond —un hermano cuya existencia ni siquiera conocía—, el egoísta vendedor de coches Charlie (Tom Cruise) secuestra a Raymond para conseguir la herencia, y los dos emprenden un viaje que cruza Estados Unidos de punta a punta. Dustin Hoffman ganó su segundo Óscar con el papel de Raymond, para el que se preparó pasando tiempo con personas autistas y con Kim Peek, que tenía síndrome de savant; la escena de los palillos y la frase "Diez minutos para Wapner" quedaron grabadas en la memoria. La transformación de Cruise es el héroe oculto de la película: quien cambia no es Raymond, sino Charlie. Una lección del corazón con forma de road movie.
27. City of God – Ciudad de Dios (2002)
8.4/10 2002 8246Esta producción brasileña, dirigida por Fernando Meirelles (junto con Kátia Lund), narra el mundo del crimen en las favelas de Río de Janeiro desde los años 60 hasta los 80, a través de los ojos de Buscapé, que quiere ser fotógrafo. Adaptada de la novela basada en hechos reales de Paulo Lins, la película formó casi todo su reparto con vecinos reales de las favelas, jóvenes sin experiencia como actores, una elección que le dio una realidad de dureza documental. Zé Pequeno, que se convierte en asesino a una edad temprana, es uno de los personajes más aterradores de la historia del cine. La enérgica cámara y el montaje de Meirelles transmiten la violencia sin estetizarla jamás, pero tampoco apartando la mirada. Nominada a 4 Óscar, está entre los títulos más recomendados para quienes quieren adentrarse en el cine mundial.
28. Amélie (2001)
7.9/10 2001 12461Dirigida por Jean-Pierre Jeunet, este clásico moderno francés es la película más colorida y optimista de la lista de dramas, pero bajo su superficie de cuento esconde una conmovedora historia sobre la soledad. Trabajando como camarera en Montmartre, la introvertida Amélie decide un día embellecer en secreto la vida de los demás; lo único que no puede hacer es alcanzar su propia felicidad. Identificado con esa famosa mirada de Audrey Tautou, el personaje se convirtió en el rostro del cine francés abierto al mundo. La saturada paleta de colores verde-rojo de Jeunet y la música con acordeón de Yann Tiersen convierten la película en una atmósfera que se habita más que se mira. Nominada a 5 Óscar, la obra es un refugio que le sienta bien a toda época de cansancio, como la película que tradujo el concepto de "la felicidad de las pequeñas cosas" al lenguaje del cine.
29. Intouchables – Intocable (2011)
8.3/10 2011 18517Dirigida por Olivier Nakache y Éric Toledano, la película se convirtió en una de las producciones más vistas de todos los tiempos en Francia y fue recibida con una avalancha de cariño similar en todo el mundo. Como cuidador del aristócrata Philippe, paralizado del cuello para abajo en un accidente de parapente, es aceptado el candidato más improbable: Driss, que viene de las afueras y acude a la entrevista de trabajo solo por una firma. La química entre François Cluzet y Omar Sy es el motor de la película; con este papel Sy pasó a la historia al ser elegido mejor actor en los César, el premio más prestigioso de Francia. Adaptada de una amistad real (la historia de Philippe Pozzo di Borgo), la película rompió los moldes del género al contar la discapacidad sin lástima y sin abandonar jamás el humor. La escena del baile acompañada de Earth, Wind & Fire deja la misma sonrisa en la cara de todo el que la ve.
30. Cinema Paradiso (1988)
8.4/10 1988 4867Esta obra maestra italiana, dirigida por Giuseppe Tornatore, es la carta de amor más hermosa jamás escrita al cine. En la Sicilia de posguerra, la sala de cine es el único entretenimiento de un pequeño pueblo, y el vínculo padre-hijo, que durará toda una vida, que se forma entre el proyeccionista Alfredo y el pequeño Totò, amante del cine. El Alfredo de Philippe Noiret es una mitad de una de las relaciones maestro-aprendiz más queridas de la historia del cine; la otra mitad es Totò, que crecerá para convertirse en un director famoso. La banda sonora de Ennio Morricone está entre sus obras donde las notas se convierten en lágrimas por el camino más corto. El final de la película, ganadora del Óscar a la mejor película extranjera —ese montaje construido con escenas de besos cortados—, está considerado el cierre más emotivo de la historia del cine. Una película que todo el que quiera recordar por qué ama el cine ve una y otra vez.
31. A Separation – Una separación (2011)
7.9/10 2011 1963Escrita y dirigida por Asghar Farhadi, la película es la obra que le dio al cine iraní su primer Óscar (mejor película extranjera) y posee uno de los guiones más impecables de los últimos veinte años. La historia de una pareja en proceso de divorcio (Simin, que quiere marcharse al extranjero, y Nader, que no puede dejar a su padre enfermo de Alzheimer) se convierte en un laberinto moral tras un incidente con la cuidadora contratada para la casa. La maestría de Farhadi reside aquí: no hay un solo villano en la película; cada uno tiene razón desde su punto de vista, y el espectador se ve obligado a cambiar de bando en cada escena. Ganadora del Oso de Oro en el Festival de Berlín, con su reparto también premiado en conjunto, la película plantea preguntas universales sobre la clase, la religión, el honor y la paternidad. Un drama capaz de dejar sin aliento incluso con una cámara que nunca sale de la sala del tribunal.
32. Capharnaüm – Cafarnaúm (2018)
2025La película de la directora libanesa Nadine Labaki se abre con una frase inolvidable: viviendo en los barrios pobres de Beirut, el niño de 12 años Zain ha llevado a sus padres a juicio "por haberlo traído al mundo". En el papel de Zain, Zain Al Rafeea no es un actor; durante el rodaje era un verdadero refugiado sirio que vivía en Beirut, y su naturalidad ante la cámara era el tipo de interpretación que los actores profesionales buscan toda su vida. Labaki formó casi todo el reparto con aficionados que vivían vidas similares; por eso la película se mueve en la línea entre la ficción y el documental, en una realidad estremecedora. Ganadora del Premio del Jurado en Cannes y nominada al Óscar, la obra es la historia de los niños indocumentados, del abandono y del ciclo de la pobreza. No es fácil de ver; pero deja una huella duradera en la manera en que el espectador ve el mundo.
33. Room – La habitación (2015)
8.0/10 2015 9718La película que Lenny Abrahamson rodó a partir del guion que Emma Donoghue adaptó de su propia novela se distingue de sus semejantes por la valentía de contar un hecho atroz a través de los ojos del amor. La historia de la joven Joy, encerrada durante años en un cobertizo, y de su hijo de 5 años Jack, nacido allí y que cree que el mundo se reduce a esa habitación; la primera mitad de la película transcurre en esa habitación, la segunda en un lugar mucho más difícil: fuera. Brie Larson ganó el Óscar a la mejor actriz con este papel; pero el milagro de la película es el niño actor a través de cuyos ojos vemos la historia, Jacob Tremblay. La secuencia de la huida es una de las escenas más tensas y emotivas de los últimos años. La película cuenta que el trauma no termina con "salir", que la verdadera lucha empieza después, con una de las representaciones más puras del vínculo madre-hijo del cine.
34. Birdman (2014)
7.4/10 2014 13626La película de Alejandro G. Iñárritu, ganadora de 4 Óscar, incluida mejor película, es una demostración de valentía técnica: gracias al trabajo del director de fotografía Emmanuel Lubezki, la película fluye como si fuera casi por completo un único plano ininterrumpido. El actor Riggan Thomson —que se hizo famoso años atrás por el papel de superhéroe "Birdman" y ahora persigue el respeto artístico en Broadway— es interpretado por Michael Keaton, él mismo un actor que dejó atrás a Batman, de modo que la resonancia del papel con la vida real añade otra capa a la película. Las interpretaciones del actor de teatro monumento al ego de Edward Norton y de la hija enfadada de Emma Stone también fueron premiadas con nominaciones al Óscar. La banda sonora, compuesta solo por un solo de batería, es como el pulso del caos en la mente del personaje. Un drama a la vez divertido y despiadado sobre la fama, la vigencia y el ego del artista.
35. Nomadland (2020)
7.2/10 2021 3387Dirigida por Chloé Zhao, la película le trajo el título de la segunda mujer en la historia de los Óscar en ganar el de mejor director; la película se llevó el de mejor película, y Frances McDormand obtuvo su tercer Óscar a la mejor actriz. Con su pueblo borrado del mapa en la crisis de 2008, Fern convierte su furgoneta en un hogar y se une a los nómadas modernos de Estados Unidos, gente que vive en las carreteras trabajando en empleos de temporada. La elección más audaz de Zhao es construir la mayoría de los personajes, aparte de McDormand, haciendo que nómadas reales se interpreten a sí mismos; adaptada del libro periodístico de Jessica Bruder, la película se sitúa así en un lugar único entre la ficción y el documental. Una meditación silenciosa sobre el duelo, la libertad y la pertenencia, acompañada de los paisajes inmensos del oeste estadounidense. Una película que dice "no es un adiós, sino nos vemos en el camino".
36. The Whale – La ballena (2022)
7.8/10 2022 4727La película que Darren Aronofsky adaptó de la obra de teatro de Samuel D. Hunter se convirtió en la historia del regreso de Brendan Fraser que pasó a la historia del cine: el actor, alejado del sector durante años, ganó el Óscar al mejor actor con este papel, e incluso los momentos de festival en los que fue ovacionado de pie se convirtieron en noticia por sí solos. Incapaz de salir de su casa a causa de su peso extremo, el profesor de literatura Charlie intenta, en los últimos días de su vida, vincularse con su hija enfadada Ellie (Sadie Sink), a la que abandonó años atrás. El trabajo de prótesis y maquillaje que convirtió a Fraser en Charlie también ganó un Óscar. Transcurriendo en un único escenario, casi por completo en un apartamento, la película no oculta sus raíces teatrales; pero la bondad en los ojos de Fraser convierte ese apartamento en un mundo enorme. Un drama desgarrador sobre el perdón, la honestidad y la terquedad de poder decir "las personas son maravillosas".
37. Gran Torino (2008)
8.0/10 2008 11628Dirigida y protagonizada por Clint Eastwood, la película es la interpretación más querida de la última etapa de la carrera del actor. Tras perder recientemente a su esposa, enfadado con el cambio de su barrio y gruñendo a todo el mundo, la vida del veterano de la guerra de Corea Walt Kowalski cambia cuando el tímido hijo hmong de sus vecinos, Thao, intenta robar su Gran Torino de 1972. Eastwood usó actores aficionados, que se ponían por primera vez ante la cámara, en casi todos los personajes hmong. La película cuenta el agrietamiento, por medio del amor, de la coraza gélida de un hombre prejuicioso sin caer en clichés; y sin dejar nunca de lado el humor. Su final es una respuesta deliberada que Eastwood le da a toda su carrera —a esa imagen de héroe armado—: un cierre que invierte la expectativa del género y hace inolvidable la película. Un drama duro pero compasivo sobre el conflicto generacional y cultural.
38. Anatomy of a Fall – Anatomía de una caída (2023)
7.5/10 2023 3345La película de Justine Triet, ganadora de la Palma de Oro en Cannes, tiene la forma de un drama judicial pero es en realidad la autopsia de un matrimonio. Un hombre aparece muerto frente a un chalet en los Alpes franceses; la única sospechosa es su esposa escritora, Sandra, y su hijo con discapacidad visual, Daniel, es el testigo clave del caso. La interpretación nominada al Óscar de la actriz alemana Sandra Hüller arrastra al espectador al verdadero juego de la película: a la pregunta de culpable o inocente la película nunca da una respuesta fácil; también nos sienta a nosotros en la silla del jurado. El guion escrito por Triet y su pareja Arthur Harari ganó un Óscar; la escena en la que se reproduce la grabación de la pelea de la pareja es una de las secuencias mejor escritas de los últimos años. Otra estrella de la película es el perro Messi, que ganó el "Palm Dog" en Cannes y del que se habló más que de los miembros del jurado. Una obra maestra moderna que cuenta que la verdad nunca tiene una sola versión.
¿Con qué película empezar?
- Si quieres un clásico intenso: El padrino, Alguien voló sobre el nido del cuco, La lista de Schindler
- Si buscas un drama que te haga sentir bien: Intocable, Amélie, Forrest Gump
- Si quieres abrirte al cine mundial: Parásitos, Una separación, Ciudad de Dios, Cafarnaúm
- Si estás listo para llorar: La milla verde, La vida es bella, Cinema Paradiso, La ballena
- Si quieres algo que te haga pensar: ¡Olvídate de mí!, Anatomía de una caída, Whiplash
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