Les meilleurs films inspirés d'histoires vraies
La mention « inspiré d'une histoire vraie » fonctionne au cinéma comme une sorte de contrat : le spectateur prend place en sachant que ce qu'il voit à l'écran s'est réellement produit quelque part, à un moment donné, et son rapport au récit en est profondément transformé. Les hasards, les trahisons et les triomphes que même le scénariste de fiction le plus inventif ne pourrait imaginer sont déjà écrits dans les archives de la vie réelle. Dans cette liste, nous avons rassemblé les œuvres les plus puissantes du cinéma tirées d'histoires vraies sous cinq intitulés thématiques. Pour faciliter la lecture, nous avons utilisé un classement qui va de la fraude et des scandales financiers aux combats journalistiques, et des vies de scientifiques aux légendes du sport et de la musique. Des histoires vraies telles que La Liste de Schindler, Le Pianiste, 127 heures, Capitaine Phillips et Le Cercle des neiges, qui figurent dans nos listes de films de survie et de films dramatiques, nous les avons laissées de côté ici pour éviter les répétitions ; nous vous recommandons vivement de consulter aussi ces listes.
Escrocs, argent et scandales
1. Arrête-moi si tu peux (2002)
8.0/10 2002 17216Réalisé par Steven Spielberg, le film a été adapté de l'autobiographie fondée sur ses propres affirmations de Frank Abagnale Jr., qui, avant ses 19 ans, endossa les identités de pilote, de médecin et d'avocat et encaissa des chèques falsifiés pour des millions de dollars. Face à l'interprétation de Leonardo DiCaprio, qui porte à la fois le charisme et la vulnérabilité, le jeu du chat et de la souris avec l'agent du FBI Carl Hanratty, incarné par Tom Hanks, forme la colonne vertébrale narrative du film. Spielberg a associé un sujet sombre comme la fraude à l'esthétique aux tons pastel et aux accents jazz des années soixante, créant l'un des exemples les plus élégants du genre ; la musique de John Williams, nommée à un prix, fait partie intégrante de cette atmosphère. Christopher Walken, qui interprète le père de Frank, a reçu une nomination à l'Oscar du meilleur second rôle pour sa performance. Au cœur du film se trouve plus qu'une histoire criminelle : la tentative d'un enfant issu d'une famille brisée de reconstruire sa vie perdue au moyen de fausses identités. Même si des affirmations ont surgi des années plus tard selon lesquelles une partie du récit d'Abagnale était exagérée, cela n'enlève rien à la valeur du film ; cela ouvre même la porte à ce commentaire : « Le plus grand tour d'un maître escroc fut peut-être sa propre histoire. »
2. Le Loup de Wall Street (2013)
8.0/10 2013 26076Réalisé par Martin Scorsese, le film a été adapté, avec un scénario de Terence Winter, des mémoires du courtier en bourse Jordan Belfort, qui, dans les années quatre-vingt-dix, escroqua les investisseurs par l'intermédiaire de sa société de courtage et fit fortune. Leonardo DiCaprio livre l'une des interprétations les plus débridées de sa carrière et porte pendant trois heures l'ascension et la déchéance morale de Belfort avec une énergie hypnotique ; son jeu comique physique dans la célèbre scène de la drogue pourrait à lui seul devenir une leçon d'interprétation. L'associé Donnie interprété par Jonah Hill, un rôle nommé à l'Oscar, et la figure de Naomi de la Margot Robbie alors débutante, qui lança sa carrière, sont les autres maillons forts de la distribution. Scorsese prend délibérément le risque d'utiliser le langage de l'excès pour critiquer l'excès : au lieu de condamner le monde de Belfort, le film expose le spectateur à la séduction de ce monde et, précisément par là, pose la question dérangeante. Nommé à cinq Oscars, le film garde sa place parmi les films les plus énergiques et les plus controversés sur la cupidité du monde de la finance. Le vrai Belfort apparaît dans un bref rôle dans la partie d'ouverture du film.
3. The Social Network (2010)
7.4/10 2010 13243Réalisé par David Fincher, le film — dont le scénario, adapté par Aaron Sorkin du livre de Ben Mezrich, remporta un Oscar — traite de la fondation de Facebook et des procès qui l'ont accompagnée. Le Mark Zuckerberg interprété par Jesse Eisenberg devient l'un des portraits les plus complexes du cinéma d'une figure réelle : un génie socialement maladroit mais d'une ambition sans limites ; Andrew Garfield dans le rôle du cofondateur trahi Eduardo Saverin et Justin Timberlake dans celui du fondateur de Napster Sean Parker représentent les pôles émotionnels et moraux du récit. Les dialogues au rythme de mitraillette de Sorkin, surtout la scène du café de neuf minutes au début, sont devenus un matériau pédagogique dans le domaine du scénario. La bande originale électronique, oscarisée, de Trent Reznor et Atticus Ross confère à l'histoire une modernité froide et inquiétante. En 2010, à sa sortie, le film était vu comme une histoire de fondation ; aujourd'hui, il est relu comme un document quasi prophétique d'une époque où les réseaux sociaux ont transformé le monde. La phrase « Comment le plus jeune PDG d'une entreprise de 300 millions de dollars perd-il son seul ami ? » résume le film avec justesse.
4. The Big Short : Le Casse du siècle (2015)
7.4/10 2015 9895Réalisé par Adam McKay, le film a été adapté du livre du même nom de Michael Lewis et raconte la crise financière mondiale de 2008 ; plus exactement, l'histoire d'une poignée d'investisseurs qui virent venir la crise avant tout le monde. Le gestionnaire de fonds Michael Burry, interprété par Christian Bale, un œil de verre et écoutant du heavy metal en travaillant, est le premier à remarquer la preuve mathématique de l'effondrement du marché immobilier ; le Mark Baum jamais apaisé et furieux interprété par Steve Carell et le banquier-narrateur qui parle directement à la caméra, interprété par Ryan Gosling, sont les autres interprétations fortes de la distribution. La décision la plus audacieuse de McKay est l'usage d'inserts dans lesquels des invités célèbres — comme Margot Robbie, qui explique des termes financiers dans une baignoire pleine de mousse — expliquent directement au spectateur des concepts techniques rebutants comme les dérivés de crédit ; cette méthode génère de l'humour et rend le film accessible en matière d'éducation financière. Récompensée par l'Oscar du meilleur scénario adapté, l'œuvre avance au rythme de la comédie mais laisse le spectateur seul face à une vérité pesante dans le final : personne n'est allé en prison, et la facture a été présentée aux gens ordinaires. Un de ces rares films qui mettent en colère mais qui instruisent en mettant en colère.
5. Le Fondateur (2016)
7.1/10 2016 5421Réalisé par John Lee Hancock, le film raconte l'histoire de Ray Kroc, qui transforma McDonald's en un empire mondial mais ne fut pas la personne qui fonda la marque. En 1954, Kroc, 52 ans, qui vend des mixeurs de cuisine, découvre en Californie le système révolutionnaire de service rapide des frères McDonald et reconnaît le potentiel de cette invention bien plus clairement que les frères eux-mêmes. Michael Keaton incarne la transformation de Kroc, d'un opportuniste sympathique en un bâtisseur d'empire impitoyable, avec une performance magistrale qui met à l'épreuve la loyauté du spectateur pas à pas ; que Nick Offerman et John Carroll Lynch interprètent les frères, les véritables inventeurs du système, confère au film à la fois de la chaleur et de la tragédie. Le film montre la face rarement racontée du rêve américain : parfois le gagnant n'est pas celui qui invente, mais celui qui a l'audace de s'approprier l'invention. La phrase « Les contrats sont comme les cœurs : ils sont faits pour être brisés » résume l'éthique des affaires de Kroc. Pour tous ceux qui trouvent inspirantes les histoires d'entrepreneurs, un visionnage dérangeant et, précisément pour cela, incontournable.
6. Les Affranchis (1990)
8.5/10 1990 14477Adapté par Martin Scorsese du livre « Wiseguy » du journaliste Nicholas Pileggi, le film traite de la vie réelle de Henry Hill, qui, entre 1955 et 1980, grandit dans la mafia, y monta en grade et finit par tout perdre. Face au Henry porté en voix off par Ray Liotta se dressent le Jimmy Conway de sang-froid de Robert De Niro et le Tommy DeVito toujours prêt à exploser de Joe Pesci. Pesci remporta l'Oscar du meilleur second rôle avec cette performance, identifiée à la scène « Comment ça, drôle ? », et l'on sait que cette célèbre scène fut en grande partie improvisée. Le plan-séquence ininterrompu de Scorsese qui suit les personnages par l'entrée de service jusqu'à l'intérieur du club Copacabana figure parmi les scènes les plus analysées de l'histoire du cinéma. Le film raconte la vie mafieuse non pas avec la gravité opératique du Parrain, mais avec une banalité quotidienne, séduisante et, précisément pour cela, terrifiante. L'œuvre, dont le nom figure sans exception sur toutes les listes lorsque l'on débat des chefs-d'œuvre du cinéma criminel, est l'une des preuves les plus éclatantes qu'une vie réelle peut être plus stupéfiante que n'importe quelle fiction.
7. Le Grand Jeu (2017)
7.2/10 2017 4040Le film, dans lequel le maître du scénario Aaron Sorkin s'est assis pour la première fois dans le fauteuil de réalisateur, a été adapté des mémoires de Molly Bloom qui, après une blessure alors qu'elle était espoir olympique de ski, devint l'organisatrice de parties de poker illégales fréquentées par les élites de Hollywood et de Wall Street. Jessica Chastain livre, au centre du film, ce qui équivaut à une démonstration de puissance avec une interprétation qui porte à la fois l'intelligence, l'ambition et les principes de Bloom ; les scènes de bureau avec Idris Elba dans le rôle de son avocat de la défense sont un exemple de la façon dont les dialogues de Sorkin se transforment en duel entre les mains de deux acteurs de premier plan. La scène tardive de règlement de comptes sur la patinoire avec le père interprété par Kevin Costner est le sommet émotionnel du film. Le scénario de Sorkin, nommé à l'Oscar, possède une clarté narrative qui assied à la table même un spectateur qui ne connaît absolument rien à la terminologie du poker. Le film tire une leçon inattendue d'intégrité d'une histoire qui promet le scandale : le refus de Molly de révéler les noms de ses clients au prix de tout perdre élève le récit d'une glorification du crime à une étude de personnage.
8. Moi, Tonya (2017)
7.5/10 2017 6218Réalisé par Craig Gillespie, le film raconte l'histoire de la patineuse artistique Tonya Harding, dont le nom fut entraîné dans le scandale par l'agression de 1994 contre sa rivale Nancy Kerrigan, sous la forme d'un faux documentaire aux témoignages contradictoires. Ce choix narratif offre un cadre astucieux qui interroge la notion même d'« histoire vraie ». Margot Robbie, également productrice, incarne la rage, le talent et la soif jamais étanchée de reconnaissance de Harding avec un courage nommé à l'Oscar ; dans une grande partie des scènes sur la glace, des mois d'entraînement au patinage portent leurs fruits. Mais le personnage peut- être le plus inoubliable du film est la mère LaVona, interprétée par Allison Janney avec un perroquet sur l'épaule et une cigarette à la main, qui a mêlé son amour à la cruauté ; pour ce rôle, Janney remporta l'Oscar de la meilleure actrice dans un second rôle. Le film n'essaie pas de blanchir une figure déclarée « mauvaise femme » par les médias ; il montre au contraire comment la pauvreté, la maltraitance et le préjugé de classe ont façonné le destin d'une sportive. Avec son équilibre magistral entre comédie noire et tragédie, et avec une structure qui rompt les schémas du biopic, l'œuvre est l'un des exemples les plus singuliers du genre ces derniers temps.
Journalisme et combat pour la justice
9. Spotlight (2015)
7.8/10 2015 8830Réalisée par Tom McCarthy et récompensée par l'Oscar du meilleur film, l'œuvre traite de l'enquête récompensée par le Pulitzer de 2001-2002 menée par l'équipe d'investigation « Spotlight » du Boston Globe, qui mit au jour les abus systématiques au sein de l'Église catholique et leur dissimulation institutionnelle. La distribution composée de Michael Keaton, Mark Ruffalo, Rachel McAdams et Liev Schreiber joue avec une conception retenue de l'interprétation qui ne sert pas les numéros de stars mais le travail d'équipe lui-même, et ce choix coïncide exactement avec l'essence du journalisme montré dans le film. Sur un sujet des plus faciles à prêter au sensationnalisme, McCarthy maintient sa caméra constamment retenue ; au lieu d'élans musicaux dramatiques ou de moments héroïques, il montre le labeur méthodique de journalistes qui vont de porte en porte, épluchent des archives et restent tenaces au téléphone. Le seul éclat de colère de Ruffalo est bouleversant précisément parce qu'il survient au milieu de ce calme. Le film, qui remporta aussi l'Oscar du meilleur scénario original, plonge le spectateur dans un profond silence avec la liste des scandales qui défile avant le générique de fin. Le manifeste moderne le plus puissant sur l'importance du journalisme d'investigation.
10. Erin Brockovich, seule contre tous (2000)
7.4/10 2000 3673Réalisé par Steven Soderbergh, le film est l'histoire vraie d'une mère célibataire au chômage, mère de trois enfants et sans formation juridique, qui découvre que la compagnie d'énergie PG&E empoisonne l'eau potable d'une petite ville et mène l'un des plus grands procès en dommages et intérêts de l'histoire américaine. Julia Roberts remporta l'Oscar de la meilleure actrice avec ce rôle, considéré comme un tournant de sa carrière ; les vêtements osés de Brockovich, sa langue acérée et son attitude qui ne recule d'un pas devant personne se sont combinés à l'identité de star de Roberts pour créer une figure de cinéma inoubliable. Albert Finney, en avocat grognon Ed Masry qui l'embauche, transforme les joutes verbales du duo en l'une des veines les plus réjouissantes du film. La réalisation sobre et centrée sur le personnage de Soderbergh empêche l'histoire de glisser vers un récit héroïque et la maintient comme une histoire de combat, les pieds sur terre. Que la vraie Erin Brockovich apparaisse dans le film dans un petit rôle — et, rien de moins, en serveuse prénommée « Julia » — est l'un des détails élégants de l'œuvre. Une histoire sur le fait d'être la voix de ceux que le système néglige, qui tire sa force de sa véracité.
11. Les Hommes du président (1976)
7.7/10 1976 2096Réalisé par Alan J. Pakula, le film porta à l'écran les enquêtes des reporters du Washington Post Bob Woodward et Carl Bernstein, qui mirent au jour le scandale du Watergate pas à pas et enclenchèrent le processus qui mena à la démission d'un président, alors que seulement deux ans s'étaient écoulés depuis les faits. Les rencontres du duo interprété par Robert Redford et Dustin Hoffman avec la source secrète « Gorge profonde » dans de sombres parkings figurent parmi les scènes gravées dans la mémoire du suspense au cinéma ; Jason Robards, qui interprète le légendaire rédacteur en chef Ben Bradlee, remporta l'Oscar du meilleur second rôle avec ce rôle. La phrase « Suis l'argent », que le scénario oscarisé de William Goldman ajouta au film, devint — bien qu'elle n'ait en réalité jamais été prononcée — le mot d'ordre universel du journalisme d'investigation. Le contraste visuel que Pakula crée entre la lumineuse salle de rédaction et le monde extérieur plein d'ombres traduit le labeur de la recherche de la vérité presque en un langage architectural. Malgré son presque demi-siècle d'âge, le film gagne une nouvelle actualité à chaque période où s'enflamment les débats sur la liberté de la presse ; le sommet encore inégalé de son genre.
12. Zodiac (2007)
7.5/10 2007 11634Réalisé par David Fincher, le film raconte le règne de terreur du tueur du Zodiaque, qui terrorisa San Francisco à la fin des années soixante, dont l'identité n'a toujours pas pu être établie officiellement et qui opérait avec des lettres chiffrées, à partir d'un scénario adapté des livres du dessinateur Robert Graysmith. L'enquête amateur devenue obsession du Graysmith interprété par Jake Gyllenhaal, avec le détective de Mark Ruffalo et le reporter de faits divers poussé à l'effondrement interprété par Robert Downey Jr., dresse trois portraits distincts de la destruction que provoque l'impasse au sein de la psyché humaine. Fincher, connu pour sa minutie en matière d'exactitude historique, reconstitua les lieux des événements et l'atmosphère de l'époque avec une précision documentaire ; que certaines scènes aient été retournées des dizaines de fois figure parmi les légendes du processus de production. Le film refuse délibérément les mécanismes de satisfaction habituels du genre du tueur en série : ici, pas de meurtrier arrêté, pas d'affaire résolue ; seulement des gens qui consument leur vie à courir après la vérité. Précisément par ce choix, Zodiac — bien qu'il n'ait pas reçu l'attention qu'il méritait à sa première sortie — en vint au fil des ans à être reconnu comme l'un des sommets de la filmographie de Fincher.
13. Argo (2012)
7.3/10 2012 9006Le film, dans lequel Ben Affleck a à la fois réalisé et tenu le rôle principal, raconte l'histoire vraie de la façon dont six diplomates américains, qui échappèrent à l'assaut de l'ambassade des États-Unis à Téhéran pendant la Révolution iranienne de 1979 et se réfugièrent dans la maison de l'ambassadeur canadien, furent exfiltrés du pays grâce à un plan incroyable : l'agent de la CIA Tony Mendez propose de faire sortir les diplomates en tant qu'équipe canadienne d'un film de science-fiction qui ne serait jamais tourné. Le scénario oscarisé de Chris Terrio équilibre magistralement la dose de satire hollywoodienne et de suspense d'espionnage ; le duo de producteurs qui monte le faux film, interprété par Alan Arkin — qui reçut pour cela une nomination à l'Oscar — et John Goodman, porte la charge comique du film avec la réplique « Argo fuck yourself ». Affleck entrelace des images d'archives de l'époque avec ses propres scènes et confère à l'œuvre une texture documentaire ; la séquence finale à l'aéroport est un exemple d'école de la façon de générer du suspense à partir d'une histoire à l'issue connue. L'œuvre, récompensée par l'Oscar du meilleur film, est la preuve que la réalité est parfois plus incroyable que le scénario le plus exagéré, et c'était aussi le slogan de l'opération : « C'est notre meilleure mauvaise idée. »
14. Hotel Rwanda (2004)
7.7/10 2004 3189Réalisé par Terry George, le film raconte l'histoire vraie du directeur d'hôtel Paul Rusesabagina, qui, pendant le génocide du Rwanda de 1994, transforma l'hôtel de luxe qu'il dirigeait en refuge et sauva la vie de plus de 1 200 personnes. Don Cheadle, dans une performance considérée comme le sommet de sa carrière et couronnée d'une nomination à l'Oscar, élabore avec une finesse exceptionnelle la façon dont Rusesabagina transforme sa ruse diplomatique, la corruption, la flatterie et le bluff en armes de survie ; Sophie Okonedo, qui interprète sa femme, reçut elle aussi une nomination à l'Oscar la même année. Au lieu de montrer directement le génocide au cours duquel des centaines de milliers de personnes perdirent la vie en cent jours, le film préfère faire ressentir l'horreur à travers les échos qui rebondissent sur les murs de l'hôtel, et cette retenue multiplie l'impact au lieu de l'amoindrir. Le détournement de la communauté internationale face à la crise constitue la ligne de critique la plus acérée du film ; l'abandon résumé par les mots « Vous êtes des Africains » d'un officier de l'ONU laisse au spectateur un sentiment de honte persistant. L'un des films où le cinéma remplit avec le plus de force son devoir de se souvenir et de témoigner.
15. BlacKkKlansman : J'ai infiltré le Ku Klux Klan (2018)
7.5/10 2018 8134Réalisé par Spike Lee, le film raconte l'histoire — oui, réellement arrivée — de Ron Stallworth, le premier détective noir de la police de Colorado Springs dans les années soixante-dix, qui parvint à infiltrer le Ku Klux Klan par téléphone. Pendant que Stallworth mène les appels téléphoniques, son collègue juif Flip, interprété par Adam Driver, se rend aux rencontres en personne ; cette construction absurde mais réelle fournit au film à la fois du suspense et un terrain d'ironie acérée. La performance principale charismatique de John David Washington et le jeu nommé à l'Oscar de Driver sont les supports de la narration de Lee, qui fond la colère et l'humour dans le même creuset. Récompensé par le Grand Prix à Cannes, le film valut aussi à Lee le premier Oscar de compétition de sa carrière (meilleur scénario adapté). Le coup le plus audacieux du réalisateur survient dans le final : alors que l'histoire se clôt dans les années soixante-dix, le film la relie au présent au moyen d'images d'archives actuelles et jette au visage du spectateur que le racisme n'est pas une affaire historique mais une réalité toujours en cours. Une œuvre qui divertit et dérange à la fois, qui fait rire tout en demandant des comptes.
Science, génie et histoire
16. Oppenheimer (2023)
8.0/10 2023 11954Adapté par Christopher Nolan de la biographie récompensée par le Pulitzer « American Prometheus » de Kai Bird et Martin J. Sherwin, le film réunit l'ascension du père de la bombe atomique, J. Robert Oppenheimer, l'essai Trinity et sa chute, qui arrive avec l'audience de sécurité de l'après-guerre, en un récit de trois heures. Cillian Murphy remporta l'Oscar du meilleur acteur avec son interprétation qui porte le génie et l'effondrement moral du physicien, tandis que Robert Downey Jr. reçut lui aussi le prix du meilleur second rôle dans le rôle de Lewis Strauss ; l'immense distribution, qui comprend également Emily Blunt, Matt Damon et Florence Pugh, offre l'un des rassemblements d'acteurs les plus denses du cinéma moderne. Nolan a rendu l'explosion Trinity sans effets par ordinateur, par des méthodes pratiques ; la structure dans laquelle les séquences en couleur représentent la vision subjective d'Oppenheimer et les passages en noir et blanc la perspective de Strauss apporte une innovation structurelle au genre du biopic. Récompensée par 7 Oscars, dont ceux du meilleur film et de la meilleure réalisation, l'œuvre connut aussi un succès au box-office sans précédent pour un biopic. Le poids de la phrase « Maintenant je suis devenu la Mort, le destructeur de mondes » imprègne chaque image du film ; l'œuvre cinématographique la plus complète sur la responsabilité morale de la science.
17. Imitation Game (2014)
8.0/10 2014 18164Réalisé par Morten Tyldum, le film adapte l'histoire du mathématicien Alan Turing, qui perça pendant la Seconde Guerre mondiale le système de chiffrement Enigma de l'Allemagne nazie, de la biographie exhaustive d'Andrew Hodges avec le scénario oscarisé de Graham Moore. Benedict Cumberbatch livre une interprétation nommée à l'Oscar qui met à nu, couche après couche, le génie, l'inadaptation sociale et la profonde solitude de Turing, considéré comme le fondateur de l'informatique moderne ; Keira Knightley, dans le rôle de la seule femme de l'équipe, Joan Clarke, fut de même honorée d'une nomination. Tandis que le film raconte le combat pour percer le code à Bletchley Park au rythme d'un thriller de l'intelligence, il réserve son véritable coup pour le dernier passage : Turing, à qui l'on attribue d'avoir raccourci la guerre et sauvé des millions de vies, fut condamné pour son homosexualité, condamné à la castration chimique et perdit la vie à 41 ans. Les excuses officielles et la grâce royale ne vinrent que des décennies plus tard. La phrase « Parfois, ce sont précisément les gens dont personne n'attend rien qui accomplissent les choses que personne n'imagine » est à la fois la devise et l'héritage du film. Une biographie bouleversante dans laquelle l'une des plus grandes dettes et l'une des plus grandes injustices de l'histoire de la science se rencontrent dans une seule et même vie.
18. Une merveilleuse histoire du temps (2014)
7.8/10 2014 11159Réalisé par James Marsh, le film adapte l'histoire du physicien Stephen Hawking d'une source inhabituelle — les mémoires de sa première femme Jane Hawking — et raconte ainsi la biographie d'un génie, en même temps, comme l'histoire d'un mariage et d'un sacrifice. Eddie Redmayne remporta l'Oscar du meilleur acteur en incarnant l'emprisonnement progressif du brillant doctorant de Cambridge dans son propre corps par la maladie du neurone moteur, avec des mois de préparation guidée par la kinésithérapie et un extraordinaire contrôle physique ; qu'il porte la progression de la maladie de façon cohérente malgré l'ordre de tournage non chronologique est l'un des aspects les plus salués de la performance. Felicity Jones, dans le rôle de Jane, donne à l'héroïne invisible de l'histoire la profondeur qu'elle mérite avec sa nomination à l'Oscar. Que la voix synthétisée entendue dans le film soit la vraie voix du scientifique, issue de son propre appareil, est l'un des détails les plus émouvants de l'œuvre. Au lieu de s'appuyer sur un cadre inspirant tel que « un homme à qui l'on a pronostiqué deux minutes de vie explique l'univers », le film montre aussi honnêtement le coût humain à l'ombre du génie. Le portrait élégant d'une vie dans laquelle un homme qui étudie le temps vécut en course contre le temps.
19. Les Figures de l'ombre (2016)
8.0/10 2016 10502Réalisé par Theodore Melfi et adapté du livre de Margot Lee Shetterly, le film met en lumière l'histoire des trois mathématiciennes noires Katherine Johnson, Dorothy Vaughan et Mary Jackson, qui jouèrent un rôle décisif dans la victoire des États-Unis dans la course à l'espace mais furent longtemps négligées par l'histoire. La Katherine Johnson interprétée par Taraji P. Henson est la mathématicienne géniale qui vérifie à la main les calculs orbitaux de l'astronaute John Glenn ; que Glenn ait dit « que la fille vérifie les chiffres » avant le lancement et l'ait expressément demandée est un moment réellement retenu par l'histoire. La Dorothy Vaughan nommée à l'Oscar d'Octavia Spencer et l'ardente Mary Jackson de Janelle Monáe représentent les trois fronts distincts du combat : le calcul, la technologie et le droit. Le film raconte la mécanique quotidienne de la discrimination avec plus d'efficacité que de grands discours. Nommée à trois Oscars, dont celui du meilleur film, l'œuvre dépassa aussi les attentes au box-office et prouva quel grand écho public ont ces histoires. Un travail exemplaire dans lequel les pages manquantes de l'histoire de la science sont complétées à l'aide du cinéma.
20. First Man : Le Premier Homme sur la Lune (2018)
7.0/10 2018 5695Adapté par Damien Chazelle de la biographie officielle de James R. Hansen, le film aborde le parcours de Neil Armstrong pour devenir le premier humain à poser le pied sur la Lune, sous une perspective tournée vers l'intérieur qui refuse tous les schémas du récit héroïque. Ryan Gosling transforme le fameux mutisme d'Armstrong non pas en obstacle de jeu, mais en sujet même du film : c'est l'histoire d'un père qui a perdu sa petite fille et porte son deuil jusqu'à la Lune. La scène avec l'épouse Janet, interprétée par Claire Foy — « Dis-leur que tu ne reviendras peut-être pas auprès de tes enfants » — résume à elle seule le coût du programme spatial sur le front domestique. Chazelle construit les séquences spatiales non pas avec des images larges et nettes, mais avec des plans tremblants depuis l'intérieur du cockpit, avec des grincements de métal et des secousses, et laisse le spectateur ressentir physiquement à quel point ces capsules étaient en réalité fragiles ; avec cette approche, le film remporta l'Oscar des meilleurs effets visuels. La séquence finale à la surface lunaire offre, au lieu de la célébration de la victoire attendue, un moment d'adieu extrêmement personnel qui se déroule dans un silence absolu. L'un des films les plus mûrs de son genre, qui raconte le deuil silencieux derrière l'une des plus grandes réalisations de l'histoire.
21. Le Discours d'un roi (2010)
7.7/10 2010 9352Réalisée par Tom Hooper et récompensée par 4 Oscars, dont celui du meilleur film, l'œuvre raconte le combat du roi George VI, qui devient roi de façon inattendue par l'abdication de son frère, contre son grave bégaiement, et l'amitié qu'il noue avec l'orthophoniste peu conventionnel Lionel Logue. Colin Firth incarne la difficulté d'élocution qui fait de chaque apparition publique du roi un supplice, et les blessures d'enfance qui se cachent en dessous, avec une interprétation délicate qui lui valut l'Oscar du meilleur acteur ; la relation qui abat les murs de classe entre lui et le thérapeute australien sans diplôme mais aux méthodes inébranlables, interprété par Geoffrey Rush, est le cœur battant du film. Que le scénariste David Seidler ait lui-même bégayé dans son enfance et ait attendu la mort de la reine mère pour écrire cette histoire confère au projet un dévouement personnel de plusieurs décennies. Seidler avait 73 ans lorsqu'il reçut son Oscar. Le discours radiophonique à adresser à des millions de personnes avec la déclaration de la Seconde Guerre mondiale offre un final magistral qui comprime toute la tension du film dans une seule pièce et un seul micro. Un élégant drame historique qui rappelle que le courage ne se cherche pas toujours au front.
22. Tu ne tueras point (2016)
8.2/10 2016 14966Réalisé par Mel Gibson, le film raconte l'histoire vraie de Desmond Doss, qui, pendant la Seconde Guerre mondiale — malgré son refus, pour des raisons de foi, de prendre une arme — s'engagea dans l'armée comme brancardier et, lors de la bataille de Hacksaw Ridge à Okinawa, porta à lui seul 75 soldats blessés depuis la ligne de front. Doss entra dans l'histoire comme le premier objecteur de conscience à recevoir la Medal of Honor sans se servir d'une arme. Andrew Garfield livre une interprétation nommée à l'Oscar qui unit la douceur et la volonté de fer de Doss dans un seul et même corps. Le film se compose de ce qui semble être deux œuvres distinctes : la première moitié est une naïve histoire d'amour en Virginie et un combat de principe qui va jusqu'à une cour martiale ; la seconde moitié est l'une des séquences de bataille les plus bouleversantes du cinéma de guerre. Gibson montre l'horreur du front sans fard et transforme en même temps chaque sauvetage de Doss, qui évolue désarmé au milieu de cette violence avec la prière « Seigneur, encore un », en ce qui équivaut à une résistance spirituelle. Récompensée par deux Oscars dans les catégories du montage et du mixage sonore, l'œuvre offre l'une des définitions les plus extraordinaires du courage : être un héros en refusant de tuer.
23. Dallas Buyers Club (2013)
7.9/10 2013 9124Réalisé par Jean-Marc Vallée, le film est l'histoire vraie de l'électricien et cavalier de rodéo texan Ron Woodroof, à qui l'on diagnostiqua le sida en 1985 et à qui l'on donna 30 jours à vivre, et qui, avec un « club de membres » — pour lequel il se procurait à l'étranger des médicaments non approuvés aux États-Unis —, prolongea de plusieurs années sa propre vie tout en luttant contre le système. Matthew McConaughey remporta l'Oscar du meilleur acteur avec la transformation physique pour laquelle il perdit plus de 20 kilos et le parcours du personnage au fil duquel il se dépouille, pas à pas, des préjugés d'un provincial homophobe ; Jared Leto, qui interprète la femme trans et associée en affaires Rayon, reçut lui aussi l'Oscar du meilleur second rôle. Tourné en seulement 25 jours et avec un budget extrêmement serré — que le budget maquillage n'ait été que de 250 dollars et que le film ait pourtant remporté l'Oscar dans cette même catégorie figure parmi les anecdotes célèbres de l'histoire de la production —, le film devint la preuve que le cinéma indépendant peut réaliser l'impossible. La narration sans intervention de Vallée, menée en grande partie caméra à l'épaule, maintient l'histoire dure et honnête sans glisser vers la sentimentalité. Une œuvre qui conserve son actualité à chaque période où la volonté de vivre se heurte à la bureaucratie.
Histoires vraies de l'histoire du sport
24. Le Stratège (2011)
7.3/10 2011 5832Réalisé par Bennett Miller, le film fut porté à l'écran à partir du livre révolutionnaire de Michael Lewis grâce à l'adaptation conjointe de deux grands du scénario, Aaron Sorkin et Steven Zaillian. L'histoire raconte comment Billy Beane, le directeur général des Oakland Athletics — dont le budget, lors de la saison 2002, ne représentait qu'un tiers de celui des clubs riches —, écarta dans la sélection des joueurs la tradition établie des recruteurs et se tourna vers l'analyse statistique, et par cette décision ébranla les règles centenaires du baseball. Brad Pitt offre une interprétation mûre et nommée à l'Oscar qui porte l'ambition et les blessures de Beane, dont la propre carrière de joueur s'acheva en fiasco ; tandis que Jonah Hill, dans le rôle du diplômé d'économie et analyste Peter Brand, reçut sa première nomination à l'Oscar avec ce rôle où il fit la preuve de sa capacité dramatique. Le film inverse astucieusement les modèles du cinéma sportif : les moments de victoire ne se vivent pas sur le terrain, mais lors des appels téléphoniques pour échanger des joueurs et devant les tableaux de données. La série historique de 20 victoires consécutives des Athletics fournit largement le contrepoids émotionnel à ce récit intellectuel. Au-delà du sport, le film d'un combat contre tous ceux qui disent « on a toujours fait comme ça ».
25. Le Mans 66 (2019)
8.0/10 2019 9075Réalisé par James Mangold, le film aborde le projet légendaire que Ford lança dans les années soixante pour battre Ferrari — qui ne céderait sa suprématie à personne — aux 24 Heures du Mans. Le partenariat entre le concepteur Carroll Shelby, interprété par Matt Damon, et le grincheux mais génial pilote d'essai Ken Miles, interprété par Christian Bale — et leurs disputes parfois littéralement à coups de poing —, fait office de moteur du film ; Bale recueillit de grands éloges de la critique avec son interprétation qui unit l'accent britannique de Miles, son attachement à sa famille et son génie au volant. Mangold préféra tourner les séquences de course avec de vrais véhicules et une vitesse réelle plutôt que de les noyer dans des effets par ordinateur ; les passages nocturnes et pluvieux du Mans de 1966 comptent parmi les moments phares du cinéma du sport automobile. Mais le véritable conflit du film ne se situe pas sur la piste, mais dans les couloirs de l'entreprise : la lutte entre la passion de l'ingénierie et l'ego de la firme culmine, avec la décision controversée de la photo-finish dans le final, en une réalité amère. Récompensée par deux Oscars dans les catégories du montage et du montage sonore, l'œuvre est une démonstration de maîtrise qui cloue au siège pendant deux heures et demie même ceux qui ne comprennent rien au bruit des moteurs.
26. Rush (2013)
7.7/10 2013 7887Réalisé par Ron Howard, le film raconte l'une des plus grandes rivalités de l'histoire de la Formule 1 — la bataille pour le championnat lors de la saison 1976 entre le charismatique Britannique James Hunt et le méthodique Autrichien Niki Lauda — avec le scénario acéré de Peter Morgan. Chris Hemsworth porte le mode de vie téméraire et le charisme naturel de Hunt ; Daniel Brühl reçut des nominations au Golden Globe et au BAFTA avec son interprétation, dans laquelle il incarne le calcul audacieux et la discipline sans concession de Lauda. L'axe du film est le terrible accident de Lauda au Nürburgring, qui lui laissa le visage marqué à vie ; que le pilote, malgré l'horreur du traitement de ses brûlures, soit remonté au volant après seulement 42 jours marque le film comme l'un des retours les plus extraordinaires de l'histoire du sport. Au lieu de faire entrer de force les deux pilotes dans le modèle héros-rival, Howard les traite comme deux philosophies de vie opposées qui se conditionnent mutuellement ; la conversation dans le hangar du final est un élégant résumé de cette inimitié respectueuse. Le film, qui équilibre avec une égale maîtrise la physicalité des scènes de course et la profondeur des personnages, est considéré comme l'une des meilleures œuvres jamais réalisées sur le sport automobile.
27. Fighter (2010)
7.4/10 2010 4746Réalisé par David O. Russell, le film raconte l'histoire vraie du boxeur Micky Ward, de la ville ouvrière de Lowell, dans le Massachusetts, qui sort de l'ombre de sa famille, qui à la fois le nourrit et l'étouffe, et vise le titre. Autour du silencieux et patient Micky interprété par Mark Wahlberg gronde la véritable tempête du film : Christian Bale, dans le rôle du demi-frère et entraîneur Dicky Eklund, jadis la « Fierté de Lowell » mais luttant désormais contre la dépendance à la drogue, remporta l'Oscar du meilleur second rôle avec sa perte de poids et sa bouleversante transformation physique. Tandis que Melissa Leo, dans le rôle de la mère-manager de fer de la famille, fut elle aussi récompensée d'un Oscar cette même nuit, Amy Adams, qui interprète la petite amie de Micky, reçut une nomination. Avec ce succès concentré dans les catégories d'interprétation, le film possède l'une des interprétations d'ensemble les plus fortes du genre. Russell tourne les scènes de boxe dans l'esthétique de retransmission télévisée de l'époque, donnant aux combats une authenticité d'images d'archives. Mais le véritable ring du film est l'environnement domestique : les moments où l'amour devient possession et le lien familial une entrave sont plus durs que n'importe quel coup. L'histoire des vrais frères Ward et Eklund est couronnée dans le générique de fin par leurs propres images.
28. De l'ombre à la lumière (2005)
7.6/10 2005 2437Réalisé par Ron Howard, le film est l'histoire vraie du boxeur James J. Braddock, dont la carrière et la main furent brisées lors de la Grande Dépression de 1929 et qui, pour nourrir sa famille, retourna au travail sur les quais et visa — avec un retour que personne ne lui prédisait — le championnat du monde des poids lourds. Russell Crowe transforme la figure, avec une interprétation qui place la bonté et la dignité tranquille de Braddock au centre, d'un héros sportif en un représentant des millions d'opprimés de l'époque ; Renée Zellweger dans le rôle de l'épouse Mae et Paul Giamatti dans le rôle du manager Joe Gould, nommé à l'Oscar, sont les poutres émotionnelles de l'histoire. Howard reconstitue le New Jersey de l'époque de la Dépression — les maisons à l'électricité coupée, les files de l'aide, les foules qui attendent du travail sur les quais — avec un minutieux design d'époque ; des détails réels comme le fait que Braddock ait rendu à l'État l'aide sociale reçue après le championnat sont des touches authentiques qui nourrissent la légende de la figure. Lorsque l'adversaire du combat final est Max Baer, à qui l'on imputa la mort de deux adversaires sur le ring, le combat se transforme d'un match pour le titre en un combat pour la survie. L'histoire dignement racontée d'un homme dont un peuple fit son étendard à l'ère du plus grand désespoir.
29. Coach Carter (2005)
7.6/10 2005 3322Réalisé par Thomas Carter, le film se fonde sur un événement survenu dans la ville de Richmond, en Californie, en 1999 et qui parvint jusqu'à la presse nationale : l'entraîneur de basket-ball de lycée Ken Carter, lorsque les notes scolaires de son équipe invaincue tombèrent en dessous du niveau fixé dans le contrat, cadenassa le gymnase, interrompit la saison et envoya ses joueurs à la bibliothèque. Samuel L. Jackson porte, dans l'une des interprétations dramatiques les plus appréciées de sa carrière, la discipline sans concession de Carter et la foi profonde qui se cache en dessous avec une grande dignité. Tandis que le film utilise les modèles motivationnels du cinéma sportif, il aborde en arrière-plan une réalité bien plus dure : dans un système où, pour les jeunes du quartier, la probabilité d'aller en prison est plus élevée que celle d'aller à l'université, gagner un match ne change à lui seul rien. Le passage « Notre peur la plus profonde n'est pas d'être insuffisants », que l'un des joueurs lit debout dans le gymnase, s'est gravé comme le sommet émotionnel du film. L'un des exemples les plus fidèles à ses principes de son genre, dans lequel la victoire ne se cherche pas au tableau d'affichage, mais sur la liste des diplômés.
30. The Blind Side : L'Éveil d'un champion (2009)
7.7/10 2009 6875Réalisé par John Lee Hancock, le film raconte le parcours de Michael Oher, ballotté entre le sans-abrisme et le système des familles d'accueil et qui, après avoir été adopté par la famille Tuohy, accède au professionnalisme dans le football américain. Sandra Bullock remporta l'Oscar de la meilleure actrice avec le rôle de la mère déterminée Leigh Anne Tuohy ; la franchise sudiste de la figure et son attitude protectrice qui ne recule devant personne sont considérées comme l'interprétation dramatique la plus iconique de la carrière de Bullock. Tandis que le film est adapté de l'œuvre écrite par Michael Lewis, il transforme aussi un détail tactique du sport en métaphore de l'histoire : la position d'Oher, celle de tacle gauche, est obligée de protéger l'« angle mort » que le quarterback ne peut pas voir ; le film aussi est construit sur le fait de voir l'invisible. L'œuvre, qui bat les records de recettes de son genre, fut de nouveau discutée des années plus tard lorsque le vrai Oher rendit public le litige entre lui et la famille ; ce développement est une leçon d'actualité sur le délicat équilibre entre récit et réalité dans les adaptations « d'histoire vraie ». Malgré tout, la trace que le film a laissée sur des millions de spectateurs garde sa place.
Musique et scène
31. Walk the Line (2005)
7.5/10 2005 3154Réalisé par James Mangold, le film raconte le parcours de la légende de la musique country Johnny Cash, de sa pauvre enfance dans l'Arkansas jusqu'à son concert historique à la prison de Folsom, et sa turbulente histoire de plus d'une décennie avec l'amour de sa vie, June Carter. L'exploit le plus remarquable de Joaquin Phoenix et de Reese Witherspoon est de chanter toutes les chansons du film sans playback, de leur propre voix et en direct ; en échange de mois d'entraînement vocal et instrumental, Phoenix se rapprocha étonnamment de ce baryton profond de Cash, tandis que Witherspoon recréa pratiquement June Carter avec son énergie scénique et remporta l'Oscar de la meilleure actrice avec cette interprétation. Tandis que Mangold suit les étapes connues du récit biographique — dépendance, chute, renaissance —, il place le cœur de l'histoire dans la guérison mutuelle de deux êtres au fil des ans. Le concert de Folsom, qui définit la carrière de Cash, est magistralement utilisé comme cadre d'ouverture et de clôture du film. Au lieu de nourrir la légende du « Man in Black », le film cherche son être humain ; l'un des exemples de référence de son genre.
32. Bohemian Rhapsody (2018)
8.0/10 2018 17836Le film qui raconte l'histoire de Queen et de Freddie Mercury a redéfini les productions musicales biographiques avec des records de recettes et, avec un box-office mondial de plus de 900 millions de dollars, s'est placé en tête de son genre. Rami Malek remporta l'Oscar du meilleur acteur en incarnant la présence scénique de Mercury, sa vulnérabilité et son identité artistique sans limites avec un grand dévouement. On sait qu'il répéta pendant des mois avec des prothèses dentaires et étudia image par image les archives du chanteur. Le sommet du film est la reconstitution quasi en temps réel du concert du Live Aid de 1985, fidèle depuis le décor de scène jusqu'aux angles de caméra ; l'équivalent à l'écran de cette prestation, considérée comme les plus grandes 20 minutes de l'histoire du rock, fut suivi sous les applaudissements dans les salles. Réalisée sous la conduite des membres vivants du groupe Brian May et Roger Taylor, l'œuvre — malgré les critiques sur ses libertés chronologiques — reçut au total 4 Oscars, dont ceux des catégories du montage et du son. Le véritable succès du film est peut-être celui-ci : qu'après le générique de fin il ait conduit des millions de nouveaux auditeurs vers le catalogue de Queen et transmis une légende à de nouvelles générations. Le nombre de spectateurs capables de rester assis sans bouger tandis que monte « We Are the Champions » est plutôt limité.
33. Green Book : Sur les routes du Sud (2018)
8.2/10 2018 12966Réalisée par Peter Farrelly et récompensée par l'Oscar du meilleur film, l'œuvre raconte l'amitié réelle qui commença en 1962, lorsque le pianiste noir mondialement célèbre Dr. Don Shirley engagea le videur de boîte de nuit italo-américain Tony Lip comme chauffeur et garde du corps pour sa tournée de concerts à travers les États du Sud, où la discrimination était la plus dure. Le nom du film provient du vrai guide de voyage de l'époque qui répertoriait les lieux sûrs pour les voyageurs noirs. Mahershala Ali remporta son deuxième Oscar du meilleur second rôle avec son interprétation qui unit l'élégance artistique de Shirley et la solitude de n'appartenir pleinement à aucun monde ; tandis que Viggo Mortensen reçut une nomination avec le rôle du Tony gourmand et parlant sans détour, dans lequel il se glissa en prenant du poids. Que l'un des coscénaristes du film soit Nick Vallelonga, le fils du vrai Tony Lip, confère aux anecdotes vécues sur la route — surtout aux lettres d'amour dictées dans la voiture — une authenticité de première main. Avec son choix de traiter un sujet historique lourd avec la chaleur d'un road movie et un humour fin, le film gagna à la fois une grande affection du public et des débats de la critique. Ce qui est certain, c'est ceci : l'alchimie entre les deux acteurs principaux créa l'une des meilleures amitiés portées à l'écran ces dernières années.
34. Rocketman (2019)
7.3/10 2019 5019Réalisé par Dexter Fletcher, le film montre le courage de raconter l'histoire d'Elton John non pas avec les schémas traditionnels de la biographie, mais comme une comédie musicale fantastique construite sur la propre musique de l'artiste. Les chansons sont employées non pas dans l'ordre chronologique, mais selon leur fonction émotionnelle, et les personnages, à l'occasion, s'envolent et se détachent de la réalité en dansant. Taron Egerton chanta toutes les chansons du film de sa propre voix — un choix approuvé par Elton John lui-même qui devint l'aspect le plus salué de l'œuvre. Il incarna la transformation de Reginald Dwight, un timide enfant de province, en la plus grande star de scène du monde, et remporta un Golden Globe avec cette interprétation. Le film aborde sans fard les problèmes de dépendance de l'artiste, son identité et son enfance sans amour ; que l'histoire soit racontée en flash-back depuis une séance de thérapie de groupe dans un centre de désintoxication est un cadre astucieux qui rend visibles les blessures sous tout ce glamour. Le final qui arrive avec « I'm Still Standing » transforme toute la charge émotionnelle du film en un triomphe, comme une sorte de déclaration de rédemption. Sortie en même temps que Bohemian Rhapsody, l'œuvre prouva qu'une voie plus expérimentale et plus honnête est possible pour les biographies musicales ; une expérience cinématographique aussi colorée que les costumes de scène d'Elton John et aussi émouvante que ses chansons.
Par où commencer ?
- Si votre tolérance au suspense est élevée : Argo, Zodiac et, après Capitaine Phillips : Spotlight
- Si vous cherchez une histoire inspirante : Les Figures de l'ombre, Le Discours d'un roi, Coach Carter
- Si la finance et les scandales vous intéressent : The Big Short, Le Loup de Wall Street, The Social Network
- Si vous êtes amateur de sport : Le Mans 66, Rush, Le Stratège
- Si vous voulez faire un voyage en musique : Bohemian Rhapsody, Rocketman, Walk the Line
La force des histoires vraies au cinéma vient de ce poids invisible que l'information « c'est réellement arrivé » ajoute à chaque scène. Avec les autres histoires vraies de nos listes de films de survie et de films dramatiques, ces œuvres garderont votre liste à voir bien remplie pendant longtemps.
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