Die besten Dramafilme: Meisterwerke, die die Filmgeschichte geprägt haben
Das Drama ist das Herz des Kinos. Mehr als ein Genre ist es eigentlich der Grund, warum das Kino existiert: den Menschen zu erzählen. In dieser Liste haben wir die kraftvollsten Geschichten von Hoffnung, Verlust, Freundschaft, Ungerechtigkeit und dem Wiederaufstehen versammelt. Von Hollywood-Klassikern bis zu den modernen Meisterwerken des koreanischen, iranischen, französischen und libanesischen Kinos vereint diese Filmliste Werke, die von der Kritik Höchstnoten erhielten und seit Jahren einen Platz im Herzen des Publikums einnehmen. Viele davon mit einem Oscar gekrönt, haben diese Filme eine einzige Sache gemeinsam: Sie leben in dir weiter, lange nachdem der Abspann gelaufen ist.
1. The Shawshank Redemption – Die Verurteilten (1994)
8.7/10 1994 30691Von Frank Darabont nach der Novelle von Stephen King adaptiert, thront der Film seit Jahren auf Platz eins der Allzeit-Liste von IMDb — doch kurioserweise floppte er bei seinem Kinostart an den Kinokassen. Wegen eines Mordes, den er nicht begangen hat, zu lebenslanger Haft verurteilt, verbringt der Banker Andy Dufresne (Tim Robbins) zwanzig Jahre im Shawshank-Gefängnis, und wir sehen alles durch die Augen von Red (Morgan Freeman), dem „Mann, der alles besorgen kann" des Gefängnisses. Freemans Erzählerstimme gilt als eine der ikonischsten Voice-overs der Filmgeschichte. Für 7 Oscars nominiert und keinen gewinnend, erhielt der Film seine Gerechtigkeit im Lauf der Jahre vom Publikum, verbreitete sich von Mund zu Mund und wurde zum Kultfilm. Er ist der erste Titel, der einem in den Sinn kommt, wenn jemand „der schönste jemals über die Hoffnung gedrehte Film" sagt; der Satz „Hoffnung ist eine gute Sache, vielleicht die beste aller Dinge" wurde nicht umsonst legendär.
2. Forrest Gump (1994)
8.5/10 1994 29914Unter der Regie von Robert Zemeckis brachte der Film Tom Hanks seinen zweiten Oscar in Folge ein — eine Leistung, die in der Filmgeschichte nur sehr wenige Schauspieler geschafft haben. Wir erleben dreißig Jahre amerikanischer Geschichte durch die Augen des Forrest, der einen niedrigen IQ, aber ein Herz aus Gold hat: den Vietnamkrieg, Watergate, Elvis, John Lennon... Mit den damals revolutionären Spezialeffekten setzte Zemeckis Hanks in echtes Archivmaterial und stellte Forrest mitten in die Geschichte. Lieutenant Dan, gespielt von Gary Sinise, und die Jenny von Robin Wright vervollständigen das emotionale Rückgrat des Films. Mit insgesamt 6 Oscars ausgezeichnet, hat sich der Film mit dem Satz „Das Leben ist wie eine Schachtel Pralinen" in die Popkultur eingebrannt. Eine moderne Fabel über die Kraft der reinen Güte, die bei jedem Ansehen eine neue Schicht offenbart.
3. The Green Mile – Der grüne Meilenweg (1999)
8.5/10 1999 19393Fünf Jahre nach Die Verurteilten kehrte Frank Darabont mit einer weiteren Adaption von Stephen King zurück, erneut mit einer Gefängnisgeschichte — und schuf erneut einen unvergesslichen Film. Die 1935 in einem Todestrakt spielende Geschichte erzählt von der Bindung zwischen dem riesenhaften, aber kindlich beseelten John Coffey, der des Mordes an zwei kleinen Mädchen beschuldigt wird, und dem Wärter Paul Edgecomb (Tom Hanks). In der Rolle des Coffey erhielt Michael Clarke Duncan eine Oscar-Nominierung und lieferte die Leistung seiner Karriere. Trotz seiner übernatürlichen Anklänge ist er im Kern ein erschütterndes Drama über Unschuld, Gewissen und das Justizsystem. Trotz seiner drei Stunden Laufzeit keinen Moment durchhängend, ist der Film dafür berühmt, mit seinem Finale selbst den härtesten Zuschauer zu Tränen zu rühren. Vielleicht die Nummer eins der Kategorie „nicht ohne Taschentücher zu sehen".
4. Schindler's List – Schindlers Liste (1993)
8.6/10 1993 17576Der Höhepunkt der Karriere von Steven Spielberg und einer der wichtigsten Filme der Filmgeschichte. Die wahre Geschichte des deutschen Unternehmers Oskar Schindler, der während des Zweiten Weltkriegs mehr als 1.100 Juden vor dem Holocaust rettete, indem er sie in seiner Fabrik beschäftigte. Schindler, gespielt von Liam Neeson, steht der Lagerkommandant Amon Göth gegenüber, dem Ralph Fiennes Leben einhaucht — einer der erschreckendsten realen Bösewichte der Filmgeschichte; während der Buchhalter Itzhak Stern von Ben Kingsley das stille Gewissen des Films ist. Spielberg drehte den Film in Schwarz-Weiß und verwandelte seinen einzigen Farbtupfer — das kleine Mädchen im roten Mantel — in eine der kraftvollsten visuellen Metaphern der Filmgeschichte. Der Regisseur nahm kein Geld für den Film; er überwies seine Einnahmen an die Shoah Foundation, die die Zeugnisse der Holocaust-Opfer aufzeichnet. Mit 7 Oscars ausgezeichnet, meißelte der Film den Satz „Wer ein Leben rettet, rettet die ganze Welt" auf die Leinwand.
5. The Pianist – Der Pianist (2002)
8.4/10 2002 10193Unter der Regie von Roman Polanski ist der Film die wahre Geschichte des Kampfes des polnisch-jüdischen Pianisten Władysław Szpilman, das Warschauer Ghetto zu überleben — und ein zutiefst persönliches Werk für Polanski, dessen eigene Kindheit im Krakauer Ghetto verlief. Adrien Brody nahm für die Rolle ab, verkaufte seine Wohnung und sein Auto, schaltete sein Telefon aus und übte monatelang Klavier; im Gegenzug ging er als jüngster Gewinner des Oscars als bester Hauptdarsteller mit 29 Jahren in die Geschichte ein. Der Film zeigt den Krieg nicht von der Front, sondern durch die Augen eines einzelnen Mannes, aus den Fenstern der zerstörten Gebäude, in denen er sich versteckt. Jene Klavierszene vor dem deutschen Offizier ist einer jener Momente, in denen die Musik das letzte Wort über die Menschlichkeit ist. Gewinner der Goldenen Palme in Cannes, brachte der Film Polanski auch den Oscar für die beste Regie.
6. La vita è bella – Das Leben ist schön (1997)
8.4/10 1997 14060Der von Roberto Benigni inszenierte und mit ihm in der Hauptrolle besetzte italienische Meisterwerk findet die kühnste Balance des Kinos: Er beginnt wie eine Komödie mitten im Holocaust... und bricht dir dann als Drama das Herz. Als der jüdische Buchhändler Guido mit seiner Frau und seinem kleinen Sohn in ein Konzentrationslager geschickt wird, baut er eine gewaltige Lüge auf, um seinen Jungen vor dem Grauen zu schützen — er erzählt ihm, alles sei ein großes Spiel, dessen Preis ein echter Panzer sei. Die Süße der Liebesgeschichte der ersten Hälfte ist eine geniale Entscheidung, die das Gewicht der zweiten erträglich macht. Als Benigni den Oscar als bester Hauptdarsteller gewann, sprang er über die Sitze und rannte zur Bühne und schuf einen der unvergesslichsten Momente der Oscar-Geschichte — der Film gewann insgesamt 3 Oscars. Einer der schönsten jemals über die Vaterschaft gedrehten Filme.
7. The Godfather – Der Pate (1972)
8.7/10 1972 23112Von Francis Ford Coppola nach dem Roman von Mario Puzo adaptiert, ist der Film einer der Gipfel nicht nur des Kriminalkinos, sondern der gesamten Filmgeschichte. Er verfolgt das Imperium des Familienoberhaupts der Corleones, Don Vito (Marlon Brando), und den schrittweisen Niedergang des Kriegshelden und jüngsten Sohnes Michael (Al Pacino), der versucht, sich aus den Familiengeschäften herauszuhalten. Im Kern ist der Film keine Mafia-Geschichte; er ist eine Shakespeare-Tragödie über Familie, Loyalität, Macht und einen Mann, der seine Seele verliert. Der Don Vito, den Brando mit seinen mit Watte gefüllten Wangen erschuf, wurde zur meistimitierten Figur der Filmgeschichte — der Schauspieler lehnte den gewonnenen Oscar ab, um gegen Hollywoods Darstellung der amerikanischen Ureinwohner zu protestieren. Ein Film, für den das Studio zunächst weder Brando noch Pacino wollte, gewann 3 Oscars und führte den Satz „ein Angebot, das er nicht ablehnen kann" in die Sprache der Welt ein.
8. One Flew Over the Cuckoo's Nest – Einer flog über das Kuckucksnest (1975)
8.4/10 1975 11525Von Miloš Forman nach dem Roman von Ken Kesey adaptiert, ist der Film einer von nur drei, die bei den Oscars die „Big Five" (Film, Regie, Hauptdarsteller, Hauptdarstellerin, Drehbuch) gewonnen haben. Der Wahnsinn vortäuschend, um aus dem Gefängnis zu kommen, und in eine psychiatrische Klinik eingewiesen, entfacht McMurphy (Jack Nicholson) einen Aufstand für die Freiheit gegen die mechanische Ordnung der eisernen Stationsschwester Ratched (Louise Fletcher). Nicholsons ikonischste Leistung seiner Karriere und die Ratched, die Fletcher mit eisiger Ruhe spielte, gilt als eine der größten Bösewichtinnen der Filmgeschichte. Forman drehte den Film in einer echten psychiatrischen Klinik in Oregon; der Klinikleiter spielte selbst im Film mit, und einige echte Patienten wurden als Statisten eingesetzt. Eine Geschichte der Auflehnung darüber, wie das System das Individuum zermahlt, die nichts von ihrer Kraft eingebüßt hat.
9. American History X (1998)
8.3/10 1998 12651Unter der Regie von Tony Kaye ist der Film eine der härtesten Aussagen des Kinos darüber, wie Hass erlernt wird und wie schwer es ist, von ihm abzulassen. Die Wandlung, die der Neonazi-Anführer Derek Vinyard im Gefängnis durchmacht, und sein Bemühen, seinen kleinen Bruder (Edward Furlong) nach seiner Entlassung aus demselben Sumpf zu ziehen, wird verwoben mit Schwarz-Weiß-Rückblenden erzählt. Edward Norton erhielt mit der körperlichen Verwandlung — 13 Kilo Muskeln für die Rolle — und seinem erschreckenden Charisma eine Oscar-Nominierung; seine Erscheinung in der Basketballszene und in der berüchtigten Bordsteinszene brannte sich ins Filmgedächtnis. Obwohl der Streit zwischen Regisseur und Studio über den Schnitt in die Filmgeschichte einging, ist das Ergebnis unbestreitbar kraftvoll. Zusammengefasst im Satz „Hass ist Ballast", gehört der Film zu den Werken, die jede Generation aufs Neue sehen sollte.
10. Good Will Hunting (1997)
8.2/10 1997 13943Unter der Regie von Gus Van Sant wurde der Film zu einem Hollywood-Märchen, als seine beiden damals noch in den Zwanzigern stehenden Freunde Matt Damon und Ben Affleck mit dem Drehbuch, das sie gemeinsam schrieben, den Oscar für das beste Originaldrehbuch gewannen. Als Hausmeister am MIT arbeitend, beginnt das Mathegenie Will Hunting die Türen, die er der Welt verschlossen hat, erst dank des Therapeuten Sean Maguire (Robin Williams) zu öffnen. Williams gewann den einzigen Oscar seiner Karriere mit seiner Nebenrolle in diesem Film; sein Monolog auf der Parkbank und die Szene „Es ist nicht deine Schuld" gehören zu den anrührendsten Momenten der Filmgeschichte. In manchen Szenen improvisierte Williams, und Damons Lachen ist völlig echt — das Team hinter der Kamera konnte die Szene vor Lachen kaum beenden. Die Geschichte nicht des Genies, sondern des Sich-lieben-Lassens.
11. Dead Poets Society – Der Club der toten Dichter (1989)
8.3/10 1989 12688Unter der Regie von Peter Weir erzählt der Film die Geschichte des Literaturlehrers John Keating, der an ein streng geführtes Jungeninternat kommt und seinen Schülern die Poesie und das Finden der eigenen Stimme lehrt. Seine Komiker-Identität hinter sich lassend, um seine dramatische Tiefe zu beweisen, erhielt Robin Williams eine Oscar-Nominierung. „Carpe Diem — nutze den Tag" und „O Captain, my Captain" wurden dank dieses Films weltweit zu Lebensmottos; die Szene, in der man auf die Pulte steigt, ist eines der meistzitierten Finale der Filmgeschichte. Mit einem jungen Ethan Hawke und Robert Sean Leonard in der Besetzung gewann der Film den Oscar für das beste Originaldrehbuch. Ein Werk, das zeigt, dass Bildung nicht Auswendiglernen, sondern Inspiration ist, und trotz all der vergangenen Jahre bei Lehrerfilmen noch immer der erste Name ist, der einem einfällt.
12. A Beautiful Mind – Genie und Wahnsinn (2001)
7.9/10 2001 11140Unter der Regie von Ron Howard wurde der Film nach der wahren Geschichte des Mathematikers John Nash adaptiert, der für seine Beiträge zur Spieltheorie den Nobelpreis gewann. Während die Karriere des brillanten, aber zurückgezogenen Genies aus Princeton aufsteigt, beginnt sein Verstand, eines der verblüffendsten Spiele der Filmgeschichte zu spielen — jener Bruch in der Mitte des Films ist für Erstseher noch immer ein großer Schock. Während die Leistung von Russell Crowe, der Nash von der Jugend ins Alter trägt, großes Lob erntete, gewann seine Frau Alicia, gespielt von Jennifer Connelly, den Oscar als beste Nebendarstellerin. Der Film erhielt 4 Oscars, darunter bester Film und beste Regie. Das Leben mit einer psychischen Krankheit erzählend, ohne es zu romantisieren, aber ohne die Hoffnung aufzugeben, wird er für sein Finale in Erinnerung behalten, das auf „den Gleichungen nicht der Logik, sondern des Herzens" beruht.
13. The Pursuit of Happyness – Das Streben nach Glück (2006)
7.9/10 2006 10653Unter der Regie von Gabriele Muccino ist der Film die wahre Geschichte des Börsenmaklers Chris Gardner, der es schaffte, sich trotz Obdachlosigkeit im San Francisco der 1980er gemeinsam mit seinem kleinen Sohn am Leben festzuhalten. Das Besondere an der oscarnominierten Leistung von Will Smith ist, dass sein Sohn im Film von seinem echten Sohn Jaden Smith gespielt wird — deshalb ist die Chemie zwischen Vater und Sohn so authentisch. Jene in einer Toilette verbrachte Nacht brannte sich als eine der herzzerreißendsten Szenen der Filmgeschichte ein. Der echte Chris Gardner erscheint am Ende des Films in einem kurzen Cameo. Die Geschichte, die von einem unbezahlten Praktikum zu einem Millionenunternehmen reicht, gehört zu den zugleich grausamsten und hoffnungsvollsten Erzählungen des amerikanischen Traums; der Satz „Wenn du einen Traum hast, musst du ihn beschützen" hängt seit Jahren an Motivationswänden.
14. Million Dollar Baby (2004)
8.0/10 2004 10405Unter der Regie von Clint Eastwood, der auch die Hauptrolle spielt, beginnt der Film wie ein Boxfilm, entwickelt sich aber an einen ganz anderen Ort und erwischt den Zuschauer als Drama unvorbereitet. Ohne im Leben noch etwas zu verlieren zu haben, klopft die 31-jährige Kellnerin Maggie Fitzgerald so lange an die Tür des mürrischen Trainers Frankie Dunn, bis sie sich in den Ring aufnehmen lässt. Hilary Swank baute für die Rolle durch monatelanges Box- und Krafttraining ernsthaft Muskelmasse auf und holte ihren zweiten Oscar; Morgan Freeman, der den Veteranen des Gyms Scrap spielt, gewann mit diesem Film den ersten Oscar seiner Karriere. Mit 4 Oscars, darunter bester Film und beste Regie, verwandelt sich der Film in seiner zweiten Hälfte mit den schweren Fragen, die er stellt, von einem Boxfilm in ein existenzielles Drama. Der Moment, in dem du die Bedeutung von „Mo cuishle" erfährst, ist der Moment, in dem du den Film nie mehr vergessen wirst.
15. Whiplash (2014)
8.4/10 2014 16736Von Damien Chazelle aus seiner eigenen Konservatoriumserfahrung heraus geschrieben, ist der Film ein psychologisches Duell darüber, worauf man um der Perfektion willen verzichten kann. Der junge Jazz-Schlagzeuger Andrew Neiman tritt in das Orchester des legendären Lehrers Terence Fletcher ein, der seine Schüler an der renommiertesten Musikhochschule des Landes mit psychischem Terror an ihre Grenzen treibt. Die erschreckende Fletcher-Leistung von J.K. Simmons, die sich mit dem Satz „Nicht ganz mein Tempo" identifiziert, brachte ihm den Oscar als bester Nebendarsteller ein. Miles Teller spielte in den meisten Szenen wirklich Schlagzeug; seine Hände bluteten wirklich. In nur 19 Tagen gedreht, gewann der Film 3 Oscars. Jenes letzte Schlagzeugsolo in der Schlussszene ist einer der spannendsten und befriedigendsten Abschlüsse der Filmgeschichte — und lässt die Frage „Größe oder Glück?" unbeantwortet.
16. 12 Years a Slave (2013)
7.9/10 2013 12042Unter der Regie von Steve McQueen beruht der Film auf den echten, von eigener Hand geschriebenen Memoiren von Solomon Northup, einem freien Mann, der 1841 entführt und als Sklave verkauft wurde. Solomon (Chiwetel Ejiofor), ein Geiger, der mit seiner Familie in New York lebt, eines Morgens in Ketten erwacht und 12 Jahre lang zu überleben versucht, indem er seine Identität in sich vergräbt, gilt als der ehrlichste jemals über die Sklaverei gedrehte Film. Der Plantagenbesitzer Epps, gespielt von Michael Fassbender, ist das menschliche Gesicht des Grauens; und Lupita Nyong'o gewann in der Rolle der jungen Sklavin Patsey mit ihrem allerersten Film den Oscar als beste Nebendarstellerin. McQueens ohne Schnitt gedrehte lange Einstellungen geben dem Zuschauer keine Erlaubnis, den Blick abzuwenden. Der Film, der den Oscar als bester Film gewann, öffnet mit der Kraft des Kinos die Seiten der Geschichte, mit denen man sich auseinandersetzen muss.
17. The Departed – Departed: Unter Feinden (2006)
8.2/10 2006 16293Der Film, der Martin Scorsese endlich den ersten Oscar für die beste Regie seiner Karriere einbrachte — und das mit 4 Oscars, darunter bester Film. Als Adaption der Hongkong-Produktion Infernal Affairs erzählt die Geschichte von der gegenseitigen Suche zwischen einem in die Bostoner Polizei eingeschleusten Mafia-Maulwurf (Matt Damon) und einem in die Mafia eingeschleusten Polizeispitzel (Leonardo DiCaprio). Der Mafiaboss Frank Costello, gespielt von Jack Nicholson, wurde zum letzten großen Bösewicht in der Karriere des Schauspielers; Mark Wahlberg erhielt ebenfalls eine Oscar-Nominierung für seine Rolle als scharfzüngiger Detective. Wenn sich Scorseses Tempo mit den Themen Verrat und Identität verbindet, entsteht ein Drama, das weit tiefer geht als das Kriminalkino und die Frage stellt, „was bestimmt, wer wir sind?". Wer die Aufzugszene gesehen hat, weiß: In diesem Film ist niemand sicher.
18. There Will Be Blood (2007)
8.1/10 2007 7506Von Paul Thomas Anderson frei nach dem Roman „Öl!" von Upton Sinclair adaptiert, ist der Film ein düsteres Epos, das die Geburt des amerikanischen Kapitalismus durch den Ehrgeiz eines einzigen Mannes erzählt. Der Ölmann Daniel Plainview, gespielt von Daniel Day-Lewis, ist eine der fesselndsten und erschreckendsten Figuren der Filmgeschichte — der Schauspieler gewann mit dieser Leistung, die als Gipfel des Method Acting gilt, seinen zweiten Oscar. Sein Machtkampf mit dem jungen Prediger Eli, gespielt von Paul Dano, ist eine Allegorie der jahrhundertealten Abrechnung zwischen Religion und Geld. Die verstörende Filmmusik von Jonny Greenwood von Radiohead trägt die Spannung in eine ganz andere Dimension. Der 15-minütige dialoglose Anfang und das Finale „Ich trinke deinen Milchshake!" gehören zu den meistdiskutierten Momenten des modernen Kinos.
19. No Country for Old Men (2007)
8.0/10 2007 13418Von den Coen-Brüdern nach dem Roman von Cormac McCarthy adaptiert, ist der Film ein moderner Klassiker, der 4 Oscars gewann, darunter bester Film. In der Wüste von Texas wird der Jäger Llewelyn Moss (Josh Brolin), der mitten in einem schiefgelaufenen Drogengeschäft 2 Millionen Dollar findet, in dem Moment, in dem er das Geld nimmt, vom erschreckendsten Killer der Filmgeschichte verfolgt: dem Anton Chigurh von Javier Bardem, der einen Oscar gewann und mit seinem Pilzkopf und seiner Bolzenschussgerät wie der Tod selbst umherstreift. Die Tankstellenszene, in der er einen Mann Kopf oder Zahl spielen lässt, ist eine der spannendsten, je mit einem einzigen Dialog gebauten Szenen. Der alte Sheriff, gespielt von Tommy Lee Jones, ist die Stimme eines Gewissens, das einer sich wandelnden und ihren Sinn verlierenden Welt nicht folgen kann. Fast ohne Musik verwandelt der Film die Stille in ein Instrument der Spannung. Ein seit Jahren diskutiertes Meisterwerk, das erzählt, dass das Böse keine Logik hat, mit seinem antwortlosen Finale.
20. Requiem for a Dream (2000)
8.0/10 2000 11051Von Darren Aronofsky nach dem Roman von Hubert Selby Jr. adaptiert, wird der Film als das erschütterndste jemals über die Sucht gedrehte Werk in Erinnerung behalten und ist ein unbestreitbares Mitglied der Kategorie „einmal im Leben gesehen, nie vergessen". Wir erleben den parallelen Zusammenbruch von vier Figuren in Brooklyn: Harry (Jared Leto), der ins Heroin abrutscht, seine Freundin Marion (Jennifer Connelly), sein Freund Tyrone und seine Mutter Sara, die sich mit dem Traum, im Fernsehen aufzutreten, an Diätpillen klammert. Die oscarnominierte Leistung von Ellen Burstyn in der Rolle der Sara Goldfarb ist die herzzerreißendste Schicht des Films. Mit Aronofskys schnellen Schnitten, den geteilten Bildschirmen und der später in unzähligen Trailern verwendeten „Lux Aeterna"-Musik von Clint Mansell lässt der Film den Zuschauer den Kreislauf der Sucht am eigenen Körper spüren. Kein leichter Film; aber genau daher kommt seine Kraft.
21. Eternal Sunshine of the Spotless Mind – Vergiss mein nicht! (2004)
8.1/10 2004 16426Unter der Regie von Michel Gondry, mit dem oscarprämierten Drehbuch von Charlie Kaufman, schrieb der Film die Regeln des romantischen Dramas neu. Nach ihrer Trennung lässt Clementine (Kate Winslet) von einer Firma alle Erinnerungen an ihren Ex-Freund Joel (Jim Carrey) löschen; Joel beschließt, dasselbe zu tun, doch während des Vorgangs beginnt er, in seinem Inneren, sich an die gerade gelöschten Erinnerungen zu klammern. Die introvertierteste Leistung von Carreys Karriere, mit vollständig abgelegter Komödienmaske; und Winslets Clementine, die sich zusammen mit ihrer Haarfarbe verändert, wurde mit einer Oscar-Nominierung gekrönt. Gondry erzählte die Auflösung des Verstandes mit Kameratricks und Szenenbild statt mit digitalen Effekten — diese Entscheidung verleiht dem Film eine traumartige Textur. Einer der ehrlichsten jemals über die Liebe gedrehten Filme, in dem selbst diejenigen, die sagen „ich wünschte, wir hätten uns nie getroffen", am Ende sagen „es war es trotzdem wert".
22. Her (2013)
7.8/10 2013 15371Geschrieben und inszeniert von Spike Jonze, der dafür den Oscar für das beste Originaldrehbuch gewann, ist der Film eine in der nahen Zukunft angesiedelte Liebesgeschichte — bei der eine der Parteien nicht menschlich ist. Mitten in der Scheidung beginnt der zurückgezogene Theodore (Joaquin Phoenix) zunächst, mit dem Betriebssystem Samantha zu plaudern, und sich dann in es zu verlieben. Samantha allein mit ihrer Stimme zum Leben erweckend, erschafft Scarlett Johansson eine der vollsten Figuren der Filmgeschichte, ohne je auf der Leinwand zu erscheinen. Das in Pastelltönen gehaltene, sanft beleuchtete Los Angeles von Jonze baut statt einer Technologie-Dystopie ein melancholisches Gedicht der Einsamkeit. Eine Geschichte, die 2013 wie Science-Fiction wirkte, wird im Zeitalter der künstlichen Intelligenz mit jedem Jahr weniger Fiktion und mehr Spiegel. Über das Sich-Binden, das Wachsen und das Loslassen-Können; welchem Genre auch immer sie angehört, der anrührendste Liebesfilm der letzten Jahre.
23. Manchester by the Sea (2016)
7.6/10 2016 6436Geschrieben und inszeniert von Kenneth Lonergan, ist der Film eines jener seltenen Werke, in denen die Trauer so erzählt wird, wie sie ist, ohne Hollywood-Politur. Als Hausmeister in Boston arbeitend und die Menschen meidend, kehrt Lee Chandler mit dem plötzlichen Tod seines Bruders in seine Heimatstadt zurück und ist gezwungen, die Vormundschaft für seinen 16-jährigen Neffen zu übernehmen; doch diese Stadt ist auch der Schauplatz der Vergangenheit, der er sich nie stellen konnte. Die Leistung von Casey Affleck, der einen vergrabenen Schmerz spielt, der nicht explodiert, aber unaufhörlich sickert, brachte ihm den Oscar als bester Hauptdarsteller; Michelle Williams legte in nur wenigen Szenen — vor allem bei jener Begegnung auf dem Gehsteig — ihr Gewicht in den Film. Lonergan holte für das Drehbuch seinen zweiten Oscar. Der Film lehnt das Klischee „die Zeit heilt" ab: Manche Schmerzen vergehen nicht, wir lernen nur, mit ihnen zu leben — und weil er einer der seltenen Filme ist, die das sagen können, ist er so wertvoll.
24. Moonlight (2016)
7.4/10 2016 7562Unter der Regie von Barry Jenkins wurde der Film zum Gegenstand des berühmtesten Moments der Oscar-Geschichte: Minuten nachdem auf der Bühne versehentlich La La Land verkündet worden war, wurde bekannt gegeben, dass der wahre Gewinner Moonlight war. Doch nicht dieser Unfall machte den Film historisch; es war die Geschichte von Identität und Akzeptanz von Chiron, einem schwarzen Jungen, der in den armen Vierteln von Miami aufwächst, erzählt in drei verschiedenen Lebensaltern mit drei verschiedenen Schauspielern. In der Rolle des Juan, des Dealers, der Chiron ein Vater ist, gewann Mahershala Ali den Oscar als bester Nebendarsteller; die Szene der Schwimmstunde im Meer ist das Herz des Films. Mit einem Budget von nur 1,5 Millionen Dollar gedreht, wurde er zu einer der Produktionen mit dem geringsten Budget, die den Oscar als bester Film gewannen. Eine wie ein Gedicht gedrehte Coming-of-Age-Geschichte, die durch Schweigen, Blicke und das Ungesagte spricht.
25. Parasite (2019)
8.5/10 2019 20823Der Film von Bong Joon-ho veränderte die Filmgeschichte als erste nicht englischsprachige Produktion, die den Oscar als bester Film gewann — und er hatte in Cannes bereits die Goldene Palme einstimmig von der Jury erhalten. Die arme Familie Kim, die in einem Kellergeschoss lebt und sich eine nach dem anderen in das luxuriöse Haus der wohlhabenden Familie Park einschleicht, beginnt wie eine Komödie; dann verwandelt sich der Film, Genre um Genre wechselnd, in eine atemberaubende Ohrfeige über die Kluft der Klassen. Die gesamte Besetzung ist makellos, angeführt von Bongs Stammschauspieler Song Kang-ho; und das Haus selbst ist durch seine Architektur eine eigenständige Figur — die auf- und absteigenden Treppen tragen die gesamte Klassenmetapher des Films. Mit insgesamt 4 Oscars ausgezeichnet, ließ der Film die Welt den Satz akzeptieren: „Wenn ihr die ein Zentimeter hohe Barriere der Untertitel überwindet, werdet ihr so viele weitere großartige Filme kennenlernen."
26. Rain Man (1988)
7.8/10 1988 7141Unter der Regie von Barry Levinson und Gewinner von 4 Oscars, darunter bester Film, ist der Film eines der beliebtesten jemals über die Brüderlichkeit gedrehten Werke. Als der egoistische Autoverkäufer Charlie (Tom Cruise) erfährt, dass das Erbe seines Vaters an seinen autistischen Savant-Bruder Raymond gegangen ist — einen Bruder, von dessen Existenz er nicht einmal wusste —, entführt er Raymond, um an das Erbe zu kommen, und die beiden begeben sich auf eine Reise quer durch Amerika. Dustin Hoffman gewann mit der Rolle des Raymond, auf die er sich vorbereitete, indem er Zeit mit autistischen Menschen und dem Savant-Syndrom-Betroffenen Kim Peek verbrachte, seinen zweiten Oscar; die Zahnstocher-Szene und der Satz „Zehn Minuten bis Wapner" brannten sich ins Gedächtnis. Cruises Wandlung ist der heimliche Held des Films: Nicht Raymond ist es, der sich verändert, sondern Charlie. Eine Lektion des Herzens in Form eines Roadmovies.
27. City of God – City of God (2002)
8.4/10 2002 8247Diese brasilianische Produktion, unter der Regie von Fernando Meirelles (gemeinsam mit Kátia Lund), erzählt die Welt des Verbrechens in den Favelas von Rio de Janeiro von den 1960er- bis in die 80er-Jahre, durch die Augen von Buscapé, der Fotograf werden will. Nach dem auf wahren Begebenheiten beruhenden Roman von Paulo Lins adaptiert, bildete der Film fast die gesamte Besetzung aus echten Favela-Bewohnern, jungen Menschen ohne Schauspielerfahrung — eine Entscheidung, die dem Film eine dokumentarisch harte Realität verlieh. Zé Pequeno, der in jungen Jahren zum Killer wird, ist eine der erschreckendsten Figuren der Filmgeschichte. Meirelles' energische Kamera und Schnitt vermitteln die Gewalt, ohne sie je zu ästhetisieren, aber auch ohne wegzuschauen. Für 4 Oscars nominiert, gehört er zu den meistempfohlenen Titeln für alle, die ins Weltkino eintauchen wollen.
28. Amélie – Die fabelhafte Welt der Amélie (2001)
7.9/10 2001 12461Unter der Regie von Jean-Pierre Jeunet ist dieser französische moderne Klassiker der bunteste und optimistischste Film der Dramaliste, doch unter seiner märchenhaften Oberfläche verbirgt er eine anrührende Geschichte über die Einsamkeit. Als Kellnerin in Montmartre arbeitend, beschließt die zurückgezogene Amélie eines Tages, heimlich das Leben anderer zu verschönern; das Einzige, was sie nicht kann, ist, nach ihrem eigenen Glück zu greifen. Mit jenem berühmten Blick von Audrey Tautou identifiziert, wurde die Figur zum Gesicht des sich der Welt öffnenden französischen Kinos. Jeunets gesättigte grün-rote Farbpalette und die Akkordeonmusik von Yann Tiersen verwandeln den Film in eine Atmosphäre, die man eher bewohnt als anschaut. Für 5 Oscars nominiert, ist das Werk ein Zufluchtsort, der jeder müden Zeit guttut, als der Film, der das Konzept vom „Glück der kleinen Dinge" in die Sprache des Kinos übersetzte.
29. Intouchables – Ziemlich beste Freunde (2011)
8.3/10 2011 18517Unter der Regie von Olivier Nakache und Éric Toledano wurde der Film zu einer der meistgesehenen Produktionen aller Zeiten in Frankreich und wurde weltweit mit einer ähnlichen Welle der Zuneigung aufgenommen. Als Pfleger des Aristokraten Philippe, der bei einem Gleitschirmunfall vom Hals abwärts gelähmt ist, wird der unwahrscheinlichste Kandidat angenommen: Driss, der aus der Vorstadt kommt und nur wegen einer Unterschrift zum Vorstellungsgespräch erscheint. Die Chemie zwischen François Cluzet und Omar Sy ist der Motor des Films; mit dieser Rolle ging Sy in die Geschichte ein, indem er beim César, Frankreichs renommiertester Auszeichnung, zum besten Hauptdarsteller gewählt wurde. Nach einer wahren Freundschaft (der Geschichte von Philippe Pozzo di Borgo) adaptiert, brach der Film die Muster des Genres, indem er die Behinderung ohne Mitleid und ohne je den Humor loszulassen erzählte. Die Tanzszene zu Earth, Wind & Fire hinterlässt auf dem Gesicht jedes Zuschauers dasselbe Lächeln.
30. Cinema Paradiso (1988)
8.4/10 1988 4867Dieses italienische Meisterwerk, unter der Regie von Giuseppe Tornatore, ist der schönste jemals an das Kino geschriebene Liebesbrief. Im Nachkriegs-Sizilien ist der Kinosaal die einzige Unterhaltung eines kleinen Städtchens, und die ein Leben lang währende Vater-Sohn-Bindung, die sich zwischen dem Vorführer Alfredo und dem filmverliebten kleinen Totò knüpft. Der Alfredo von Philippe Noiret ist eine Hälfte einer der beliebtesten Meister-Schüler-Beziehungen der Filmgeschichte; die andere Hälfte ist Totò, der heranwachsen und ein berühmter Regisseur werden wird. Die Filmmusik von Ennio Morricone gehört zu seinen Werken, in denen sich die Noten auf dem kürzesten Weg in Tränen verwandeln. Das Finale des Films, Gewinner des Oscars als bester fremdsprachiger Film — jene aus geschnittenen Kussszenen gebaute Montage —, gilt als der emotionalste Abschluss der Filmgeschichte. Ein Film, den jeder, der sich daran erinnern will, warum er das Kino liebt, wieder und wieder anschaut.
31. A Separation – Nader und Simin: Eine Trennung (2011)
7.9/10 2011 1963Geschrieben und inszeniert von Asghar Farhadi, ist der Film das Werk, das dem iranischen Kino seinen ersten Oscar (bester fremdsprachiger Film) einbrachte und eines der makellosesten Drehbücher der letzten zwanzig Jahre besitzt. Die Geschichte eines Paares im Scheidungsprozess (Simin, die ins Ausland gehen will, und Nader, der seinen an Alzheimer erkrankten Vater nicht verlassen kann) verwandelt sich nach einem Vorfall mit der für den Haushalt engagierten Pflegerin in ein moralisches Labyrinth. Farhadis Meisterschaft liegt hier: Es gibt keinen einzigen Bösewicht im Film; jeder hat aus seiner Sicht recht, und der Zuschauer ist gezwungen, in jeder Szene die Seiten zu wechseln. Gewinner des Goldenen Bären bei der Berlinale, mit ebenfalls kollektiv ausgezeichneter Besetzung, stellt der Film universelle Fragen über Klasse, Religion, Ehre und Elternschaft. Ein Drama, das selbst mit einer Kamera, die den Gerichtssaal nie verlässt, den Atem rauben kann.
32. Capharnaüm – Capernaum: Stadt der Hoffnung (2018)
2025Der Film der libanesischen Regisseurin Nadine Labaki beginnt mit einem unvergesslichen Satz: Der in den armen Vierteln Beiruts lebende 12-jährige Zain hat seine Eltern verklagt, „weil sie ihn zur Welt gebracht haben". In der Rolle des Zain ist Zain Al Rafeea kein Schauspieler; während der Dreharbeiten war er ein echter, in Beirut lebender syrischer Flüchtling, und seine Natürlichkeit vor der Kamera war jene Art von Schauspiel, die professionelle Schauspieler ihr Leben lang suchen. Labaki bildete nahezu die gesamte Besetzung aus Laien, die ähnliche Leben führten; der Film bewegt sich daher auf der Linie zwischen Fiktion und Dokumentation, in einer erschütternden Realität. Gewinner des Jurypreises in Cannes und für den Oscar nominiert, ist das Werk die Geschichte der Kinder ohne Papiere, der Vernachlässigung und des Kreislaufs der Armut. Er ist nicht leicht anzusehen; aber er hinterlässt eine bleibende Spur in der Art, wie der Zuschauer die Welt sieht.
33. Room – Raum (2015)
8.0/10 2015 9718Der Film, den Lenny Abrahamson nach dem Drehbuch drehte, das Emma Donoghue aus ihrem eigenen Roman adaptierte, hebt sich von seinesgleichen durch den Mut ab, ein grauenhaftes Ereignis durch die Augen der Liebe zu erzählen. Die Geschichte der jungen Frau Joy, die jahrelang in einem Schuppen eingesperrt gehalten wird, und ihres dort geborenen 5-jährigen Sohnes Jack, der glaubt, die Welt bestehe nur aus diesem Raum; die erste Hälfte des Films spielt in diesem Raum, die zweite an einem weit schwierigeren Ort: draußen. Brie Larson gewann mit dieser Rolle den Oscar als beste Hauptdarstellerin; aber das Wunder des Films ist der Kinderdarsteller, durch dessen Augen wir die Geschichte erleben, Jacob Tremblay. Die Fluchtsequenz ist eine der spannendsten und emotionalsten Szenen der letzten Jahre. Der Film erzählt, dass das Trauma nicht mit dem „Herauskommen" endet, dass der eigentliche Kampf danach beginnt — mit einer der reinsten Darstellungen der Mutter-Kind-Bindung im Kino.
34. Birdman (2014)
7.4/10 2014 13626Der Film von Alejandro G. Iñárritu, der 4 Oscars gewann, darunter bester Film, ist eine Demonstration technischen Muts: Durch die Arbeit des Kameramanns Emmanuel Lubezki fließt der Film, als wäre er fast vollständig eine einzige ununterbrochene Einstellung. Der Schauspieler Riggan Thomson — der vor Jahren mit der Superheldenrolle „Birdman" berühmt wurde und nun am Broadway künstlerischer Anerkennung nachjagt — wird von Michael Keaton gespielt, selbst ein Schauspieler, der Batman hinter sich ließ, sodass die Resonanz der Rolle mit dem echten Leben dem Film eine weitere Schicht hinzufügt. Die Leistungen des Ego-Monument-Theaterschauspielers von Edward Norton und der wütenden Tochter von Emma Stone wurden ebenfalls mit Oscar-Nominierungen belohnt. Die nur aus einem Schlagzeugsolo bestehende Filmmusik ist wie der Puls des Chaos im Kopf der Figur. Ein zugleich komisches und schonungsloses Drama über Ruhm, Relevanz und das Ego des Künstlers.
35. Nomadland (2020)
7.2/10 2021 3387Unter der Regie von Chloé Zhao brachte der Film ihr den Titel der zweiten Frau der Oscar-Geschichte ein, die den für die beste Regie gewann; der Film holte den für den besten Film, und Frances McDormand holte ihren dritten Oscar als beste Hauptdarstellerin. Als ihre Stadt in der Krise von 2008 von der Landkarte getilgt wird, verwandelt Fern ihren Van in ein Zuhause und schließt sich den modernen Nomaden Amerikas an — Menschen, die auf den Straßen leben und Saisonarbeit verrichten. Zhaos kühnste Entscheidung ist es, die meisten Figuren neben McDormand von echten Nomaden spielen zu lassen, die sich selbst verkörpern; nach dem journalistischen Buch von Jessica Bruder adaptiert, steht der Film dadurch an einem einzigartigen Ort zwischen Fiktion und Dokumentation. Eine stille Meditation über Trauer, Freiheit und Zugehörigkeit, begleitet von den grenzenlosen Landschaften des amerikanischen Westens. Ein Film, der sagt: „nicht Lebewohl, sondern wir sehen uns auf der Straße wieder".
36. The Whale (2022)
7.8/10 2022 4728Der Film, den Darren Aronofsky nach dem Theaterstück von Samuel D. Hunter adaptierte, wurde zur Geschichte des in die Filmgeschichte eingegangenen Comebacks von Brendan Fraser: Der jahrelang von der Branche ferngebliebene Schauspieler gewann mit dieser Rolle den Oscar als bester Hauptdarsteller, und selbst die Festivalmomente, in denen er Standing Ovations erhielt, wurden für sich genommen zur Nachricht. Wegen seines extremen Gewichts unfähig, sein Haus zu verlassen, versucht der Literaturlehrer Charlie in den letzten Tagen seines Lebens, eine Bindung zu seiner wütenden Tochter Ellie (Sadie Sink) aufzubauen, die er vor Jahren verließ. Die Prothesen- und Make-up-Arbeit, die Fraser in Charlie verwandelte, gewann ebenfalls einen Oscar. An einem einzigen Ort spielend, fast vollständig in einer Wohnung, verbirgt der Film seine Theaterwurzeln nicht — aber die Güte in Frasers Augen verwandelt diese Wohnung in eine riesige Welt. Ein herzzerreißendes Drama über Vergebung, Ehrlichkeit und die Beharrlichkeit, sagen zu können „Menschen sind großartig".
37. Gran Torino (2008)
8.0/10 2008 11628Unter der Regie von Clint Eastwood, der auch die Hauptrolle spielt, ist der Film die beliebteste Spätwerk-Leistung des Schauspielers. Gerade seine Frau verloren, wütend über den Wandel seiner Nachbarschaft und jeden anknurrend, ändert sich das Leben des Korea-Kriegsveteranen Walt Kowalski, als der schüchterne Hmong-Sohn seiner Nachbarn, Thao, versucht, seinen Gran Torino von 1972 zu stehlen. Eastwood setzte bei nahezu allen Hmong-Figuren Laiendarsteller ein, die zum ersten Mal vor der Kamera standen. Der Film erzählt das Aufbrechen, durch die Liebe, der eisigen Schale eines von Vorurteilen geprägten Mannes, ohne in Klischees zu verfallen; und ohne je den Humor beiseitezulassen. Sein Finale ist eine bewusste Antwort, die Eastwood auf seine gesamte Karriere gibt — auf jenes bewaffnete Heldenbild: ein Abschluss, der die Erwartung des Genres umkehrt und den Film unvergesslich macht. Ein hartes, aber mitfühlendes Drama über den Generationen- und Kulturkonflikt.
38. Anatomy of a Fall – Anatomie eines Falls (2023)
7.5/10 2023 3345Der Film von Justine Triet, Gewinner der Goldenen Palme in Cannes, hat die Form eines Gerichtsdramas, ist aber in Wahrheit die Autopsie einer Ehe. Ein Mann wird vor einem Chalet in den französischen Alpen tot aufgefunden; die einzige Verdächtige ist seine Schriftstellergattin Sandra — und ihr sehbehinderter Sohn Daniel ist der Schlüsselzeuge des Falls. Die oscarnominierte Leistung der deutschen Schauspielerin Sandra Hüller zieht den Zuschauer in das eigentliche Spiel des Films: Auf die Frage schuldig oder unschuldig gibt der Film nie eine leichte Antwort; er setzt auch uns auf den Stuhl der Geschworenen. Das von Triet und ihrem Partner Arthur Harari geschriebene Drehbuch gewann einen Oscar; die Szene, in der die Aufnahme des Streits des Paares abgespielt wird, ist eine der am besten geschriebenen Sequenzen der letzten Jahre. Ein weiterer Star des Films ist der Hund Messi — der in Cannes den „Palm Dog" gewann und über den mehr gesprochen wurde als über die Jurymitglieder. Ein modernes Meisterwerk, das erzählt, dass die Wahrheit nie nur eine einzige Version hat.
Mit welchem Film sollte man anfangen?
- Wenn du einen schweren Klassiker willst: Der Pate, Einer flog über das Kuckucksnest, Schindlers Liste
- Wenn du ein wohltuendes Drama suchst: Ziemlich beste Freunde, Die fabelhafte Welt der Amélie, Forrest Gump
- Wenn du dich dem Weltkino öffnen willst: Parasite, Nader und Simin: Eine Trennung, City of God, Capernaum
- Wenn du bereit bist zu weinen: Der grüne Meilenweg, Das Leben ist schön, Cinema Paradiso, The Whale
- Wenn du etwas willst, das deinen Kopf beschäftigt: Vergiss mein nicht!, Anatomie eines Falls, Whiplash
Für weitere Filmlisten und Empfehlungen folge weiterhin DiziFilmAtlas.